Strålende Eksempler på Minimal Art

Minimalistisk kunst er lett å misforstå. Delvis fordi kunstnere, kritikere, kunsthistorikere og kunstteoretikere ofte er uenige om minimalismens mål og kjennetegn. Noen av minimalismens største navn nekter til og med å knytte seg til betegnelsen. Andre hevder å lage minimalistisk kunst, selv om verkene deres synes å motsi minimalismens ånd. I stedet for å kaste bort tid på en semantisk kamp, holder vi et åpent sinn. Vi har tidligere beskrevet minimalisme som et perspektiv der «mindre er mer». Vi mener ikke at det skjer mindre i minimalistisk kunst, eller at det er mindre å glede seg over, men at minimalistisk kunst gjør mer med mindre. Et stort minimalistisk verk står fram som noe bestemt som kan verdsettes av hvem som helst, når som helst og i enhver sammenheng, rett og slett for det det er.

Form og farge

Da Ellsworth Kelly døde i desember 2015, 92 år gammel, var han en av minimalismens mest innflytelsesrike malere. Det kan kanskje ikke synes slik ved å se på maleriene hans, men Kelly var kontroversiell selv blant andre kunstnere. Kellys malerier inneholdt ingen følelse av komposisjon, intet tema og ingen gjenkjennelig mening (verken symbolsk eller annet). Kanskje kontroversen oppsto på grunn av deres enkelhet. Eller kanskje det skyldtes at betrakterne hadde vanskelig for å forstå verk som kun refererte til seg selv.

Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, syntetisk polymermaling på lerret, 75 x 75 tommer, © 2020 Ellsworth Kelly

Tidlig i karrieren fokuserte Kelly på geometriske former og mønstre og et monokromatisk fargevalg. For å unngå innhold og temaer eksperimenterte han noen ganger med tilfeldigheter, ved å bruke tilfeldige fargevalg for å styre retningen på maleriene sine. Så i 1966 fikk han et gjennombrudd. Han begynte å forme lerretene sine, med et maleri kalt Yellow Piece. I stedet for å male for eksempel en geometrisk form på et rektangulært lerret, laget han et lerret som allerede hadde formen til det han ønsket å male, og malte hele lerretet monokromatisk. Dette var et avgjørende teoretisk sprang. I stedet for at en form ble kontekstualisert og innrammet av en form (et rektangel), ble formen selv objektet.

Frank Stella - Harran II, 1967, polymer- og fluorescerende polymermaling på lerret, 120 × 240 tommer, de Young Museum, San Francisco, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Nye begynnelser

Maleren Frank Stella er en annen minimalistisk kunstner som utforsket praksisen med formede lerreter. Stellas Harran II er et formet verk som viser en rekke sterkt fargede buer innenfor en rekke firkanter og buede trekanter. I dag er dette verket ikonisk i Stellas produksjon. Det viser perfekt det som har blitt hans kjente visuelle språk: utskårne, sterkt fargede former satt sammen med andre former.

Men før han begynte å arbeide med formede lerreter, ga Stella et enda mer dyptgripende bidrag til minimalismen med sine såkalte svarte malerier, som viste svarte linjer i et geometrisk mønster. I bunn og grunn inneholder disse maleriene ikke mer enn maling på en flat flate. Det kan høres opplagt ut, men det de teoretisk representerte, var fødselen av minimalismen: ideen om malerier som objekter snarere enn avbildninger av noe annet.

Før oppdagelsen av at et maleri ikke trengte å være et maleri, men kunne være et selvstendig objekt, omfattet tredimensjonal kunst malerier, skulpturer, sammensetninger og muligens installasjoner. Denne nye kategorien, «objektet», var ingen av disse tingene. Det var en ny teoretisk kategori av estetiske fenomener.

Donald Judd - Galvanisert jern 17, 1973, © Donald Judd

Spesifikke objekter

Et essay av kunstneren Donald Judd, kalt Specific Objects, uttrykte best denne nye kategorien av estetiske fenomener. I det forklarte Judd at disse nye kunstobjektene på ingen måte refererte til tid, samfunn, åndelighet eller noe annet. De var estetiske objekter uten nytteformål. Vi har tidligere skrevet om dette øyeblikket i kunsthistorien, da det markerte slutten på begynnelsen av abstraksjon. Judds spesifikke objekter bruker et abstrakt estetisk språk, men siden de er rent objektive, er de faktisk bokstavelige. Da Kazimir Malevich malte et svart kvadrat, ble det ansett som en abstraksjon fordi det refererte til ideer. Det hadde en mening utover å være et kvadrat. Judds kvadratiske objekter refererer bare til det de er. De har ingen annen mening enn sin egen eksistens. De vurderes etter sine egne egenskaper. De er verdige sin egen betydning, på lik linje med ethvert annet objekt som finnes.

Richard Caldicott - Untitled (14), 2013, kromogenisk trykk (C Print), 20 x 24 tommer

Skarpe kanter

Bortsett fra hva kunsten refererer til, er et viktig estetisk element som har blitt knyttet til minimalistisk kunst det som kalles «skarpe kanter». Dette er ideen om at farger på en flate opptar plass ved siden av hverandre på en sømløs måte. Den perfekte skarpe kanten gir et minimalistisk verk følelsen av at det er fabrikkert snarere enn håndlaget, noe som fjerner referanser til kunstnerens personlighet fra ligningen.

Brent Hallard - Knot (Pink), 2015, akryl på anodisert aluminium, 13,8 x 13,8 tommer

Et utmerket eksempel på skarpe kanter finnes i arbeidet til den samtidsamerikanske kunstneren Brent Hallard. Hallards arbeid fortsetter minimalismens samtale ved å utforske geometri gjennom monokromatiske farger, nøyaktighet og presisjon. Men Hallards teknikk er ikke industriell. Han bruker tradisjonelle kunstmaterialer som tusjer og akvareller for å lage sine verk på papir og aluminium. Og det finnes et personlig språk i hans produksjon som ikke bare knytter seg til verket, men også til kunstneren, og gjeninnfører en følelse av kunstnerens nærvær.

En annen samtidskunstner som arbeider med skarpe kanter, er den britiske kunstneren Richard Caldicott. Som Hallard oppdaterer Caldicott tradisjonene til kunstnere som Frank Stella og Donald Judd. Som en flerfaglig kunstner inkorporerer Caldicott elementer av tegning, fotografi og skulptur i sitt arbeid. Han blander håndlagde teknikker med mekaniske/industrielle prosesser som blekkskriverutskrift. Objektene Caldicott skaper, eksisterer uavhengig av ytre referanser. De er produkter av prosesser. De er verken objekt eller maleri, og likevel har de evnen til å samhandle med rommet som et maleri ville gjort.

Agnes Martin - Friendship, 1963, gullblad og olje på lerret, 6' 3" x 6' 3", © 2020 Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Linjer er laget for å krysses

Det disse samtidsminimalistene utdyper, er forestillingen om at minimalisme ikke er et stivt sett med lover. Et maleri kan regnes som minimalistisk selv om det også er følelsesladet, allegorisk, håndlaget eller ikke per definisjon et «spesifikt objekt». Selv om Stella og Judd gikk langt for å skille sitt arbeid fra enhver form for symbolikk, følelser eller personlighet, tok ikke alle kunstnere knyttet til klassisk minimalisme samme tilnærming.

Agnes Martin omfavnet symbolikk i sitt arbeid. Personlig uttrykk var en viktig del av hennes praksis, og følelsen av overskridelse hun opplevde mens hun arbeidet, var noe hun åpent håpet at betrakterne ville kjenne. Et avgjørende øyeblikk i Martins produksjon fanges i maleriet Friendship. Dets sterke følelsesmessige element knytter det til abstrakt ekspresjonisme. Men dets estetikk plasserer det som et verk av minimalistisk kunst. Vi har tidligere skrevet om hvordan Martin anså linjen som et symbol på uskyld, og om hvordan hun håpet at følelsene hennes ville overføres til betrakterne av hennes verk. Selv om Friendship har en følelse av objektstatus, refererer det også tydelig til noe allegorisk. Som Martin selv fungerer det som en slags bro mellom abstrakt ekspresjonisme og minimalisme.

Utvalgt bilde: Frank Stella - Jill, 1959, emalje på lerret, 90 3/8 x 78 3/4 tommer, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio