Andy Wolls 150 malerier av Mount Wilson
Western Wear, en separatutstilling med arbeider av Andy Woll som vises på Denny Gallery i New York fram til 25. mars, kunne vært grunnlaget for et hovedfagskurs i kunstkritikk. Objektivt sett består den for det meste av figurative malerier av fjell, ispedd noen rent abstrakte komposisjoner. Fjellmaleriene er det Woll i stor grad er kjent for. Han vokste opp i Venice, California, og tok sin BFA ved Otis College of Art i Los Angeles. Han har tilbrakt hele sitt liv omgitt av åsene i Angeles National Forest, som omkranser L.A. i øst og har utsikt over hele byen. Fra barndommen beundret Woll disse åsene. De ble et symbolsk trekk i hans visuelle landskap. Tidlig i sin malerkarriere dro han ofte til ett bestemt fjell – Mount Wilson – for å få et utsiktspunkt hvor han kunne male den glitrende metropolen nedenfor. Så fikk han ideen om å snu perspektivet – å male fjellet i stedet. Siden har han fullført mer enn 150 malerier av Mount Wilson, sett fra ulike synsvinkler, på forskjellige tider av døgnet, og fremhevet dets mange ulike trekk. Det er disse maleriene som utgjør kjernen i utstillingen på Denny Gallery. Men, som nevnt, ligger det også flere rent abstrakte komposisjoner spredt blant dem. Disse abstrakte maleriene etterligner de formale egenskapene til fjellmaleriene – særlig deres farger og deres maleriske, impasto-lignende kvaliteter. Hovedfagskurset begynner der, med spørsmålet: «Hva maler Andy Woll?» Maler han Mount Wilson? Eller maler han farge? Eller tekstur? Eller er det egentlige motivet i alle disse maleriene malingen?
Varianter over et tema
Det kan virke litt tvangspreget for en maler å vende tilbake til samme motiv om og om igjen. Men de fleste skapende mennesker vet at det beste en kunstner kan gjøre for å fremme produktivitet, er å sette begrensninger for fantasien. Hvis Woll våknet hver dag og lurte på hva han skulle male, ville dyrebare timer blitt brukt opp på oppdagelser. Ved å velge å male Mount Wilson gjentatte ganger, har han innskrenket sin skaperevne for å bli fri. Han har et sted å begynne, og et klart mål. Innenfor denne selvpålagte begrensningen av et bestemt motiv kan han utforske andre hensyn, som farge, tekstur, bevegelse, lys, form og komposisjon. En måte denne friheten har vist seg på gjennom årene, er at den har ført til serier innenfor hovedtemaet. For eksempel, på et tidspunkt hentet han ideer om farge fra sin samling av science fiction-romaner, og tanker om symbolske referanser han kunne legge inn i bildene av fjellet.
Andy Woll - Western Wear, installasjonsbilde, Denny Gallery, New York, 2018, foto med tillatelse fra Denny Gallery, New York
En del av gleden ved å se på disse mange Mount Wilson-maleriene er muligheten til å lete etter skjulte mysterier i bildene. Et av hans eldre fjellmalerier, ikke med i denne utstillingen, med tittelen Mt. Wilson (Orpheus V) (2017), ser ut til å inneholde en subliminal figur; et krummet bilde, kanskje av den legendariske greske dikteren og musikeren Orfeus selv. Eller kanskje ikke. Kanskje Orfeus-referansen har mer å gjøre med fargeforholdene som utfolder seg mellom de abstrakte formene i fjellsiden, som ser ut til å vibrere og vekker assosiasjoner til den orfiske kubistpioneren Sonia Delaunay. Selvfølgelig er dette bilder av fjell. Å se dypere enn det kan være ønsketenkning. Men deres estetiske spennvidde inviterer til spekulasjon. Selv om de er varianter over et tema, kan jeg ikke la være å skrelle bort lagene av mening og symbolikk som ligger i dem – en prosess som får meg til å undre over hva det egentlige temaet i verkene egentlig er.
Andy Woll - Western Wear, installasjonsbilde, Denny Gallery, New York, 2018, foto med tillatelse fra Denny Gallery, New York
Målet med maleriet
I et nylig intervju med Maxwell Williams for Cultured Magazine sa Woll dette om sitt forhold til figurativ og abstrakt kunst: «Jeg liker abstraksjon; jeg liker gjengivelse. Jeg føler egentlig ikke at det er en sterk skillelinje mellom de to tingene. Hvis maleriet bare var de nederste to tredjedelene, ville det være – jeg vet ikke. Den gjengitte delen gir det et mål.» Som en som skriver om abstrakt kunst for å leve, ble jeg overrasket over uttrykket «Den gjengitte delen gir det et mål.» Jeg lurte på om det var ment å antyde at bare representasjonskunst har et mål? Jeg husker at Donald Judd en gang sa at kunst er unyttig – siden han mente all kunst, høres det faktisk mer rettferdig ut enn det Woll sa. Ved nærmere ettertanke innså jeg imidlertid at Woll ikke snakker om det målet hans verk har for betraktere, utstillere eller samlere. Vi har alle vår egen bruk for hvert kunstverk vi møter. Det Woll snakker om, er snarere hvilket mål hans verk har for ham personlig, som den som skaper det.
Andy Woll - Western Wear, installasjonsbilde, Denny Gallery, New York, 2018, foto med tillatelse fra Denny Gallery, New York
Det er som om Woll uttrykte sitt behov for å forsvare sitt ønske om å flytte maling rundt på en flate; som om maling som kulminerer i et bilde av noe gjenkjennelig definerer handlingen som verdt å gjøre, men hvis alt han oppnår er noe ugjenkjennelig, har han kastet bort tiden sin. I Western Wear, hans nåværende utstilling, finnes det flere malerier som antyder at han er klar til å åpent trosse sin tidligere kommentar. Disse abstrakte maleriene har ingen gjenkjennelig billedframstilling. De har derimot et gjenkjennelig fargevalg, hentet fra fjellene Woll har malt. De har gjenkjennelige teksturer, med dype spor, stigende topper og bølgende daler, hvor lyset reflekteres og skinner, og skygger lokker. Dette er ikke malerier av fjell, det er sikkert. Etter min mening er dette malerier av maling. De er hyllester til materialet. Når jeg ser på dem, tenker jeg: «se på den malingen... se hvor taktil den er.» Jeg lukter malingen; forestiller meg hvordan det ville føles å stryke fingrene over den. Med disse verkene har Woll vist at kunst ikke trenger et mål; den har sitt eget mål og sin egen grunn til å eksistere, uavhengig av hvorfor den ble laget.
Forsidebilde: Andy Woll - Western Wear, installasjonsbilde, Denny Gallery, New York, 2018, foto med tillatelse fra Denny Gallery, New York
Av Phillip Barcio
