Claude Viallat: Den ultimate guiden til farge, repetisjon og maling uten ramme
Claude Viallat har brukt seks tiår på å gjenta en form som nekter å fortelle oss hva den er. Den ligner et knokkelbein, en bønne eller en liten svampbit, og er umiddelbart gjenkjennelig uten å være et bilde av et identifiserbart motiv. På tvers av uoppspent stoff, industrielle presenninger, gardiner og reddede tekstiler har denne beskjedne formen blitt det organiserende prinsippet for en omfattende undersøkelse: Hva kan maleriet gjøre når det slutter å beskrive verden og begynner å blottlegge sine egne materialer?
Den tilsynelatende enkelheten er villedende. Viallat oppfant ikke bare et motiv og gjorde det til sin signatur. Han endret forholdet mellom maling og stoff, mellom et maleri og omgivelsene, og mellom kunstnerens beslutning og tilfeldighetene i arbeidsprosessen. Arbeidene hans kan være overdådig fargerike og samtidig materielt radikale. De kan fremkalle dekorasjon og samtidig gjøre grensen mellom ornament og kunst urolig. Fremfor alt viser de at det å gjenta noe ikke nødvendigvis er det motsatte av å oppdage noe.
Som grunnleggende medlem av Supports/Surfaces og bevegelsens sentrale skikkelse er Viallat blant de viktigste nålevende abstrakte malerne i Frankrike og har en avgjørende posisjon i fransk etterkrigsmaleri. Likevel overskrider hans kunstnerskap bevegelsens historie. Den fortsatte variasjonen i arbeidet hans, blant annet utstillingene som markerer motivets sekstiårsjubileum i 2026, gir gode grunner til å se forbi den velkjente betegnelsen. Denne veiledningen undersøker utviklingen hans, logikken i den gjentatte formen, malerienes materielle liv, objektene og utstillingene hans, samt spørsmål samlere bør stille.
Claude Viallat: Kortfattet
- Født: 1936, Nîmes, Frankrike.
- Bosatt i: Nîmes.
- Utdanning: École des Beaux-Arts, Montpellier, 1955–1959; École des Beaux-Arts, Paris, 1962–1963.
- Undervisning: Direktør for École des Beaux-Arts de Nîmes fra 1979; underviste senere ved École des Beaux-Arts i Paris, fra 1991.
- Historisk tilknytning: Grunnleggende medlem og sentral skikkelse i Supports/Surfaces.
- Kjennetegnende motiv: En uregelmessig, ikke-figurativ form som først ble utviklet sommeren 1966.
- Hovedmaterialer: Maling på uoppspent lerret, presenninger og gjenbrukte tekstiler; også tau, garn, tre og andre gjenstander.
- Viktig internasjonal milepæl: Den franske paviljongen, den 43. Venezia-biennalen, 1988.
- Utvalgte offentlige samlinger: Centre Pompidou, Carré d'Art i Nîmes, Musée Fabre i Montpellier og Museum of Modern Art i New York.
- Nylige milepæler: Carré d'Arts utstilling Et pourtant si… i 2023–2024; utstillinger som markerte seksti år med motivet i 2026.
Claude Viallat, Parasol. Et mesterverk av funnet underlag. Parasollen leverer arkitekturen, formen leverer rytmen, og mellom dem dukker det opp en blomst som ingen har malt. Viallat ville sagt at det ikke finnes noen blomst, bare et maleri. Han har rett, men blomsten springer likevel ut. © Claude Viallat
1. Dannelse: Fra Nîmes til oppdagelsen av formen
Utdanning og spørsmålet om hva et maleri er
Viallat ble født i Nîmes i 1936. Den formelle utdanningen førte ham først til Montpellier og deretter til Paris, hvor han studerte tidlig på 1960-tallet. Biografien hos Ceysson & Bénétière fremhever møtet med medkunstnere som Michel Parmentier og interessen for amerikansk abstrakt ekspresjonisme, særlig Jackson Pollock, som viktige elementer i denne utviklingen.
Pollock tilbød mer enn et vokabular av gester. Praksisen hans antydet at maleri kunne forstås gjennom selve skapelseshandlingen og organiseringen av et helt billedfelt, snarere enn gjennom en avbildet scene. For Viallat ville svaret imidlertid ikke være å gjengi Pollocks drypp. Det ville være å redusere virkemidlene for å skape et malt bilde og undersøke hva som fortsatt var tilgjengelig for variasjon.
Dette skillet er viktig. Viallats gjentatte form er ikke en heroisk gest som kunngjør malerens personlighet i hvert penselstrøk. Den etablerer en tilbakevendende enhet som gjør forskjeller synlige. Gesten består, men fordeles gjennom plassering, farge, trykk og underlagets fysiske respons.
Sommeren 1966: En tilfeldig form blir et arbeidsprinsipp
Sommeren 1966 er den avgjørende datoen i Viallat's praksis. I et essay som ledsager Ceysson & Bénétière-utstillingen i 2026, Hans form er seksti år gammel, forteller Bernard Ceysson om kunstnerens søken etter en forenklet metode for å påføre farge. Beretningen knytter denne søken til dekorasjon av husvegger i Aubais, der gjentatte motiver kunne påføres hvitkalkede vegger med en svamp, klut eller mønstret malerrulle.
Ifølge beretningen eksperimenterte Viallat med et stykke polyuretanskum som først ble skåret til en omtrent palettlignende form. Etter at det ble lagt i en sterk blekemiddelløsning, falt skummet fra hverandre. Han beholdt det største overlevende fragmentet og tok den resulterende omrisset i bruk som sin tilbakevendende form. Historien plasserer tilfeldigheten ved grunnlaget for en praksis som ofte feilaktig oppfattes som strengt systematisk kontroll.
Claude Viallat, CF 2.6.13, 1966. Den gjentatte formen er allerede til stede, men har ennå ikke nådd sin endelige form. © Claude Viallat.
Den forstås best som en dokumentert beretning om motivets fremvekst, snarere enn som en tillatelse til å forklare hvert påfølgende verk gjennom én enkelt anekdote. Den avgjørende kunstneriske handlingen var ikke bare å godta en tilfeldig form. Det var å velge å arbeide med denne formen i flere tiår og oppdage hvor mye som kunne endres rundt den.
2. Motivet: Gjentakelse som oppdagelsesmetode
Hva representerer Viallat-formen?
Beskrivelsene av motivet formerer seg: knokkel, bønne, svamp, organisk fragment. De er nyttige visuelle sammenligninger, men ingen av dem angir et endelig motiv. Kraften ligger delvis i denne usikkerheten. Formen er verken en geometrisk nøytral firkant eller et bilde som munner ut i en fortelling.
Detalj av et gult stoff: én form, gjentatt, aldri helt lik to ganger. © Claude Viallat
Å kalle den en bønne forteller oss noe om ønsket vårt om å gjenkjenne kjente objekter. Det uttømmer ikke det formen gjør i et maleri. Viallats gjentatte merke skaper intervaller, etablerer rytmer, bærer farge og samspiller med det som allerede finnes i tekstilet. Funksjonen er relasjonell før den er symbolsk.
Hvorfor beholde den samme formen?
Når ett element fastlegges, øker betydningen av andre. Hvis maleren ikke trenger å finne opp en ny figur til hvert lerret, kan oppmerksomheten flyttes til fargetettheten, avstanden mellom merkene, stoffets motstand og forholdet mellom malte og umalte områder.
Gjentakelsen er ikke det samme som mekanisk duplisering. Ceyssons essay fra 2026 skiller mellom solide og uthulte sjablonger og understreker at ingen forekomst er nøyaktig lik en annen. En tilbakevendende kontur kan skape fylte former, omriss eller samspill med eksisterende mønstre. Metoden etablerer kontinuitet uten å kreve ensartethet.
I trappeoppgangen på Hôtel des Arts TPM multipliserer et opphengt gult banner den samme formen fra topp til bunn. © IdeelArt
Derfor bør motivet ikke avfeies som merkevarebygging, selv om det gjør verket gjenkjennelig. Gjenkjennelse er bare begynnelsen. Det mer givende spørsmålet er hva akkurat denne forekomsten lar oss se, som en annen ikke gjorde.
Hvordan formen utvikler seg
Formen forblir den samme, men måten den brukes på, gjør ikke det. På 1960-tallet er det sjablongerte merket spredt med god avstand, slik at store områder med bart stoff blir stående mellom hver forekomst og den neste, og det blå verket fra 1966 som vises ovenfor, tilhører denne tidlige perioden, da selve omrisset fortsatt var under utvikling. I de følgende tiårene blir merkene tettere, fargeskalaen utvides, og motivet kombineres noen ganger med trykte møbelstoffer. En beskjeden, nesten nøytral form fornyer seg stadig og kan bli overdådig. Den tilpasser seg ethvert underlag, og er både verkets bakgrunn og form.
Et maleri som et fragment av noe større
I teksten til Templons utstilling i Brussel i 2026 beskriver Viallat muligheten for et enormt, ideelt lerret som individuelle verk kan være fragmenter av. Dette bidrar til å forklare hvordan gjentakelse kan antyde en fortsettelse utenfor en kant. Et maleri trenger ikke organisere seg rundt ett privilegert sentrum eller gi en ryddig, avsluttet visuell erklæring.
Denne ideen endrer også hvordan en utstilling oppleves. Verk kan klinge på tvers av et rom og dele et vokabular uten å bli utskiftbare. Betrakteren møter både et særpreget materielt objekt og et bidrag til et langt større, potensielt pågående felt.
Presentasjonen følger den samme logikken. Fordi stoffet ikke er festet til en ramme, kan det samme verket presenteres forskjellig fra sted til sted: viklet rundt en søyle, hengt fra taket eller lagt på gulvet som en farget sti. Monumental skala er mulig når rommet krever det.
3. Supports/Surfaces: Å ta maleriet fra hverandre
Hva bevegelsen utfordret
Supports/Surfaces oppsto rundt overgangen til 1970-tallet som en undersøkelse av maleriets bestanddeler. Navnet retter oppmerksomheten mot det konvensjonell betraktning gjerne overser: underlaget som bærer malingen, og overflaten der et bilde trer frem.
Kunstnere knyttet til bevegelsen omfatter Vincent Bioulès, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Jean-Pierre Pincemin og Noël Dolla. Tilnærmingene deres var forskjellige. Bevegelsen bør ikke reduseres til én enkelt teknikk, og heller ikke bør hvert verk av et av medlemmene behandles som en illustrasjon av et felles program.
Det som knytter undersøkelsene sammen, er en vilje til å stille spørsmål ved maleriets angivelig naturlige konvensjoner. Hvorfor må stoff spennes stramt over en blindramme? Hvorfor må et maleri være et avgrenset rektangel? Hvorfor skal materialet under bildet forbli visuelt underordnet bildet?
Supports/Surfaces var blant de mest radikale bevegelsene i fransk kunst etter krigen. I stedet for å spørre hva et maleri skulle forestille, spurte den hva et maleri er laget av, og behandlet blindrammen, lerretet, rammen og malingen som selvstendige motiver.
For en dypere gjennomgang av hvordan bevegelsen utviklet seg, og hvorfor spørsmålene dens fortsatt er viktige for samtidens maleri, kan du lese vårt grundige essay The Neo Supports/Surfaces: A Manifesto for Material Realism in the 21st Century.
Viallats særegne bidrag
Innenfor denne gruppen har Viallat en særskilt plass. Som grunnleggende medlem er han i dag den best kjente av Supports/Surfaces-kunstnerne, og den hvis verk stilles ut og samles på bredest basis. Andre, blant dem Dezeuze, Dolla og Pincemin, forfulgte sine egne spørsmål med tilsvarende konsekvens, men på andre måter. Viallats gjentatte form, som har blitt opprettholdt i godt over et halvt århundre, har imidlertid blitt bevegelsens mest gjenkjennelige bilde.
Det som gjør arbeidet hans sentralt for bevegelsen, utover berømmelsen, er hvor direkte det virkeliggjør bevegelsens spørsmål. Ved å oppgi blindrammen gjør Viallat svarene synlige: Stoffet er ikke lenger strukket stramt, maleriet er ikke lenger et avgrenset rektangel, og underlaget er ikke lenger skjult bak bildet. Frigjort fra en rigid ramme beholder stoffet sin fleksibilitet.
For betrakteren er virkningen ikke bare en endring av format. En fold skaper en skygge. En uregelmessig kant leder oppmerksomheten i en annen retning. En søm avbryter en rytme. Maleriets konstruksjon blir en del av møtet med verket, i stedet for noe som skjules bak det.
Politikk, økonomi og hverdagsliv
Supports/Surfaces hadde både teoretiske og politiske dimensjoner, men Viallats bruk av hverdagsmaterialer har også en praktisk historie. Ceyssons essay fra 2026 fremhever de økonomiske fordelene ved å unnlate å bruke blindrammer: Stoff kunne brettes, lagres og transporteres billigere.
Denne materialøkonomien kompliserer en rent ideologisk lesning. En kassert presenning er ikke bare et symbol på motstand mot luksus. Den er et tilgjengelig materiale med en form, en historie og spesifikke muligheter. Viallats forvandling av slike materialer bringer maleriet i kontakt med hverdagsbruk uten at verket må illustrere et politisk budskap.
Et malt tekstil laget av reklamestoff med navnet Ricard. Hverdagsmaterialet blir underlaget. © Claude Viallat
4. Maleri uten blindramme: Stoff, farge og minne
Underlaget er ikke en blank begynnelse
Laken, tepper, gardiner, industrielle presenninger og resirkulerte tekstiler er blant materialene som er dokumentert i Viallats kunstneriske praksis. I motsetning til et vanlig grunnet lerret kan et gjenbrukt stoff allerede inneholde farger, et trykt mønster, sammensydde skjøter, kanter eller tegn på slitasje.
Maleren begynner derfor i dialog med noe som ikke er tomt. Det gjentatte motivet kan falle sammen med et eksisterende mønster, avbryte det eller skape en ny rytme på tvers av det. Underlaget fungerer mindre som en nøytral scene enn som en aktiv deltaker.
Disse underlagene er ofte slitte og stammer fra hverdagsbruk: teltduk, parasoller, markiser, båtpresenninger og stoff fra strandstoler. Viallat arbeider på dem liggende flatt på ateliergulvet, brer tøystykket utover og trår på det når det er nødvendig. Verket blir laget horisontalt, ovenfra, og blir først stående oppreist når det vises frem.
Utstillingsvisning, Ceysson & Bénétière, Saint-Étienne, 2026: malte tekstiler, et nett av bånd, et teppe lagt på gulvet, et utskåret rundt tøystykke og et frynset forheng med en dusk. Én form, mange underlag. © Ceysson & Bénétière.
Å se på disse verkene krever oppmerksomhet på to sammenvevde historier: historien om hva tøystykket var, og historien om hva maleriet har gjort med det. Ingen av dem opphever nødvendigvis den andre.
Kanter, sømmer og tyngdekraft
En konvensjonell ramme fastslår hvor et maleri slutter. Viallats tekstiler kan arve grensene sine fra en tidligere funksjon: en markise, et forheng, en veske eller et sammensatt tøystykke. Sømmer og formede kanter kan fortsatt være integrerte deler av verket.
Dette er én grunn til at det å spenne opp et slikt maleri kan få konseptuelle konsekvenser, og ikke bare være en praktisk måte å henge det på. Når et fleksibelt tøystykke gjøres om til et stivt rektangel, kan forholdet mellom malt form, tekstilstruktur og det omgivende rommet endres.
Fraværet av en blindramme gjør også tyngdekraften til en synlig faktor. Maleri handler ikke lenger bare om å arrangere merker over et forestilt, flatt plan. Det blir et objekt som opptar et faktisk rom.
Hengt opp uten blindramme: den formede kanten, det innsatte sikksakkbåndet og sømmene er fortsatt en del av bildet. © Claude Viallat
Gjenbruk uten å redusere verket til et miljøbudskap
Samtidige betraktere kan knytte Viallats gjenbrukte materialer til debatter om forbruk og gjenbruk. Denne forbindelsen kan være fruktbar, så lenge den ikke erstatter verkets historie. Materialundersøkelsene ble utviklet på 1960- og 1970-tallet, under bestemte kunstneriske, praktiske og politiske omstendigheter.
Hans malerier er ikke bare demonstrasjoner av at kasserte ting kan bli vakre. De spør hvordan et materiales tidligere identitet overlever overgangen til kunst, og hvordan maleriet kan endre denne identiteten uten å få den til å forsvinne.
5. Farge, Matisse og spørsmålet om dekorasjon
Farge som et forhold, ikke en etikett
Når motivet blir velkjent, blir det stadig vanskeligere å behandle fargen som et tilbehør. Den fastslår styrken i et merke, skiller ett mellomrom fra et annet og endrer hvordan det underliggende tekstilet oppfattes.
En farge virker ikke isolert. Effekten avhenger av nabofargene, teksturen under den og hvor mye av det omkringliggende stoffet som er synlig. Viallats metode gjør slike forhold sentrale: Den tilbakevendende formen gir en viss kontinuitet, som gjør kromatiske forskjeller tydelige.
Oransje, gult og olivengrønt: Farge fungerer som et forhold mellom paneler, ikke som en etikett.
© Claude Viallat
Den fortsatte samtalen med Matisse
Viallats forhold til Matisse er dokumentert gjennom utstillinger, blant annet Hommage(s) à Matisse ved Musée Matisse i Le Cateau-Cambrésis i 2005, samt senere presentasjoner oppført i utstillingshistorikken hans. Ceyssons essay fra 2026 setter også nyere verk i dialog med Matisse's The Red Studio.
Forbindelsen bør ikke reduseres til felles bruk av sterke farger. Den gjelder fargens evne til å organisere et helt billedlig miljø, og muligheten for at mønster kan bære alvorlig kunstnerisk tenkning i stedet for å fungere som bakgrunnsutsmykning.
Viallats særegne bidrag er å forfølge denne muligheten gjennom en gjentatt enhet og et fysisk eksponert tekstil. Når underlaget har sitt eget mønster eller tidligere bruk, virker fargen innenfor et allerede aktivt felt.
Er det dekorativt?
Spørsmålet er uunngåelig, og å avfeie det for raskt innebærer å overse noe viktig. Gjentatte motiver, tekstiloverflater og kromatisk nytelse knytter riktignok Viallats verk til dekorasjon. Men denne forbindelsen er ikke et bevis på at maleriene mangler intellektuelle ambisjoner.
Spørsmålet er hva dekorasjon får lov til å bety. Hvis ornament må forbli underordnet et bilde, forstyrrer Viallats verk dette hierarkiet. Mønster blir middelet maleriet bruker til å undersøke sin egen overflate, sine grenser og betrakterens oppmerksomhet.
Disse verkene kan være behagelige å leve med, samtidig som de utfordrer antakelsene bak denne behageligheten. Visuell generøsitet og formell analyse utelukker ikke hverandre.
«Surtout pas le convenu, le convenable à la rigueur, mais l’inconvenant, oui. Parce que ce n’est pas la convention.»
Fremfor alt ikke det konvensjonelle; det passende, om nødvendig; men det upassende, ja. Fordi det ikke er konvensjonen.
Claude Viallat, intervju med Martin Pierlot, 2014 (veggtekst, Hôtel des Arts TPM, Toulon)
6. Tau, nett og objekter: Maleri utenfor rektangelet
Viallats objekter er ikke et uvesentlig tillegg til maleriene hans. Templons utstillingstekst fra 2026 daterer utforskningen av objekter til så tidlig som 1969 og beskriver materialer som drivved, tau og planker. Utstillingshistorikken hans identifiserer også gjentatte ganger nett og bøyler som undersøkelsesområder.
Stoffpaneler sammenføyd med oransje stropper: Verket forlater rektangelet og blir et objekt på veggen. © Claude Viallat
Disse materialene gjør det mulig å betrakte maleriets logikk utenfor stoffets sammenhengende overflate. Et nett viser repetisjon og mellomrom uten et fast underlag. Et tau trekker en linje i det faktiske rommet. En bøyle etablerer en grense hvis indre kan forbli åpent.
Et bånd av grønt stoff med malte røde konturer, hengt opp som en åpen rombe: maleri redusert til kantene. © Claude Viallat
Forholdet til maleriene er derfor strukturelt, ikke bare stilistisk. Begge verkgruppene utforsker hvordan et hverdagslig materiale kan organisere rom, og hvordan en begrenset fremgangsmåte kan skape et møte. De beveger seg mellom maleri og objekt uten å gjøre skillet irrelevant.
De gjør også betrakterens bevegelse viktigere. Verket kan oppfattes ikke bare fra én frontal posisjon, men gjennom skiftende relasjoner mellom materialene, veggen og rommet rundt.
7. Utvalgte verk og måter å se på
Viallats verk identifiseres ofte gjennom årstall og numre snarere enn beskrivende titler. En nyttig veiledning bør derfor unngå å tvinge karrieren inn i en liste over påståtte ikoniske mesterverk. De følgende dokumenterte eksemplene viser hvordan valget av underlag skaper særskilte spørsmål. Informasjonen om materialene er hentet fra Templons utstillingsliste fra 2026.
Sans titre n°87, 2026: Akryl på en duffelbag
Claude Viallat, Sans titre n°87, 2026. Akryl på en duffelbag
© Claude Viallat
Med målene 152 × 152 cm viser dette verket hvor langt kategorien maleriets underlag kan utvides. En duffelbag trer inn i verket med en tidligere funksjon, snarere enn som et anonymt lerretstykke. Det relevante spørsmålet er ikke bare hva som er malt, men hvordan den tidligere gjenstanden er åpnet, presentert eller omformet til et billedlig felt.
Uten å behandle underlaget som en anekdote ber verket oss vurdere hvordan bruk og bildeskaping overlapper. Stoffets identitet inngår i maleriets materielle logikk.
Sans titre n°80, 2026: Akryl på stoff
Claude Viallat, Sans titre n°80, 2026. Akryl på tekstil
© Claude Viallat
De oppgitte målene, 245 × 114 cm, fastslår et markant avlangt format. Slike proporsjoner minner oss på at det gjentatte motivet ikke utelukkende hører hjemme i et standardisert lerretformat. Underlagets størrelse og form bidrar til hvordan gjentakelsen kan oppleves.
Et fruktbart spørsmål under betraktningen er hvordan rytmen forhandler med grensen: Registrerer øyet en lukket komposisjon, eller noe som ser ut til å fortsette utenfor stoffet? Svaret må oppdages i verket i stedet for å antas ut fra metoden.
Sans titre n°51, 2025: Akryl på et sammenføyd tekstilunderlag
Claude Viallat, Sans titre n°51, 2025. Akryl på sammenføyd tekstilunderlag
© Claude Viallat
Templon oppfører dette verket som akryl på et sammenføyd tekstilunderlag, 130 × 125 cm. Oppføringen peker mot et annet viktig aspekt ved praksisen: Underlaget kan være satt sammen i stedet for å foreligge som et enkelt, nøytralt ark. Materialsammenføyninger kan introdusere en struktur som den malte gjentakelsen må eksistere sammen med.
Montering endrer betydningen av kontinuitet. Betrakteren møter ikke bare gjentakelsen av en form, men også forholdet mellom en gjentatt fremgangsmåte og et fysisk konstruert underlag.
Sans titre n°36, 2026: Akryl på en gjennomsiktig gardin
Claude Viallat, Sans titre n°36, 2026. Akryl på en gjennomsiktig gardin
© Claude Viallat
Verket er oppført som akryl på en avkledd, gjennomsiktig gardin, 113 × 116 cm, og plasserer et husholdningstekstil i sentrum for undersøkelsen. En gardin inngår i en arkitektur av åpninger, lys og avskjerming. Bruken som underlag utvider samtalen utover det konvensjonelle lerretets ugjennomsiktighet.
Det vesentlige er ikke at maleriet i all hemmelighet forestiller et vindu. Det er at materialet bærer med seg assosiasjoner og fysiske egenskaper som maleriet kan ta i bruk uten å illustrere dem.
Slik ser du forbi signaturen
Begynn med hele objektet, ikke bare motivet. Legg merke til proporsjonene, kantene og forholdet til veggen. Skill deretter mellom tekstilens eksisterende struktur og de malte tilleggene. Følg intervallene mellom formene like nøye som selve formene. Vend til slutt tilbake til helheten: Hvordan har en gjentatt fremgangsmåte endret opplevelsen din av akkurat dette materialet?
Denne sekvensen hindrer at anerkjennelse blir slutten på betraktningen. Den velkjente konturen er et utgangspunkt for å oppdage forskjeller, ikke en grunn til å slutte å følge med.
8. Utstillinger, samlinger og fortsatt anerkjennelse
Fra den franske paviljongen til store retrospektiver
Viallat representerte Frankrike på den 43. Venezia-biennalen i 1988, en viktig internasjonal milepæl som er dokumentert i galleriets utstillingshistorikk. En retrospektiv utstilling på Musée Fabre i Montpellier i 2014 ga en annen betydningsfull anledning til å vurdere bredden i kunstnerskapet hans.
Arbeidene hans finnes i en rekke offentlige samlinger. Ceysson & Bénétières samlingsliste omfatter blant andre Centre Pompidou, Carré d'Art, Musée Fabre, Musée d'Art Moderne de Paris og MoMA. Det å være inkludert i en samling må ikke forveksles med et løfte om at et bestemt verk for øyeblikket er utstilt.
Et pourtant si… på Carré d'Art
Utstillingsarkivet til Carré d'Art dokumenterer Et pourtant si… fra 27. oktober 2023 til 3. mars 2024. For en kunstner med røtter i Nîmes plasserer utstillingen institusjonell anerkjennelse i en langvarig lokal kontekst, i stedet for å behandle byen som en biografisk fotnote.
Nîmes er viktig som en fortsatt base for produksjon og mottakelse. Viallats internasjonale karriere gjør det ikke nødvendig å viske ut de regionale omstendighetene som hans materielle og visuelle interesser utviklet seg fra.
Undervisning og spørsmålet om en École de Nîmes
Viallats innflytelse begrenser seg ikke til hans eget arbeid. I 1979 ble han direktør for École des Beaux-Arts de Nîmes, der han underviste en generasjon studenter i ideer om maleri som var radikale for sin tid. Alain Clément, som delte mange av hans synspunkter på å bryte ned maleriets konvensjoner før han valgte en noe annen vei, underviste ved skolen fra 1979 og ledet den fra 1985 til 1990, etter Viallat. Hvorvidt man kan snakke om en École de Nîmes, kan diskuteres, men Viallats innflytelse på den franske kunstscenen kan ikke det. Blant studentene hans i Nîmes var Guillaume Moschini og Jean-Daniel Salvat. Senere underviste han ved École des Beaux-Arts i Paris, der Frédéric Prat var blant studentene hans.
2026: Formens seksti år
Sekstiårsjubileet for motivet falt sammen med et uvanlig tett utstillingsprogram over hele Frankrike og Belgia i 2026. Seks presentasjoner, på tvers av gallerier, kunstsentre og historiske steder, styrket Viallats doble status som historisk skikkelse og fortsatt produktiv kunstner. I stedet for én samlet jubileumsretrospektiv utstilling bød programmet på utfyllende møter med formens lange utvikling, nyere tekstilmalerier, objekter og en mindre kjent del av kunstnerskapet med temaer fra tyrefekting.
Utstillingsplakat: Avatar 2005–2025, Clin d'œil à Jean Fournier, 20. desember 2025 til 25. april 2026. © IdeelArt
Året åpnet ved Hôtel des Arts TPM i Toulon med Avatar 2005–2025, Clin d'œil à Jean Fournier (20. desember 2025–25. april 2026), en oversikt over to tiår presentert som en hyllest til Viallats historiske gallerist Jean Fournier. Ved Château du Bois Orcan nær Rennes presenterte galleriet Oniris rundt femti nyere verk i dialog med det restaurerte middelaldergodset (4. april–1. november 2026), tjueto år etter at Viallat skapte glassmaleriene til stedets Saint-Julien-kapell.
Claude Viallat - Avatar 2005-2025 - utstillingsbilde ©IdeelArt
To galleriutstillinger markerte jubileet uttrykkelig. Ceysson & Bénétière Saint-Étienne presenterte Claude Viallat: Hans form er seksti år gammel. 1966–2026. Hyllest til Henriette Viallat (6. mars–23. mai 2026), kuratert av Bernard Ceysson og Arlette Klein, som en del av galleriets eget tjueårsjubileum. Viallat var den første kunstneren galleriet stilte ut i Saint-Étienne tjue år tidligere. Utstillingen viste ett, to eller tre lerreter for hvert av de seksti årene, slik at kontinuitet og variasjon ble synlig gjennom hele praksisens varighet. Fra 22. april til 26. juni 2026 fulgte Templon Brussel opp med rundt tretti eksperimentelle lerreter produsert mellom 2024 og 2026, sammen med objekter.
To ytterligere presentasjoner utvidet programmet gjennom sommeren og høsten. Ved Abbaye du Ronceray i Angers, et nylig gjenåpnet historisk sted, gikk rundt tjue monumentale, fritt hengende lerreter i direkte dialog med arkitekturen (25. juni–17. oktober 2026). Ved Espace Michèle Goalard i La Grande-Motte ga Retours en boucles – Taureau / Forme (10. juli–30. august 2026) et mindre kjent perspektiv på karrieren, med fjorten tidligere ikke viste paneler med tyrefekting som tema, et motiv som lenge har fulgt Viallat ved siden av hans abstrakte arbeid. Det minner også om at det tilbakevendende motivet ikke utgjør hele historien.
"Claude Viallat" - utstillingsbilde fra Templon Brussel - 2026
Sett under ett utfordrer disse presentasjonene antakelsen om at lang levetid nødvendigvis betyr gjentakelse uten oppdagelser. Bernard Ceyssons essay fra 2026 for utstillingen i Saint-Étienne beskriver verk laget i januar 2026, der ett tekstil ble lagt over et annet, og tegningen og malingen ble overført gjennom kontakten mellom dem. Det påfølgende samspillet kompliserer forholdet mellom en faktisk overlapping og fremkomsten av lagdelte billedplan, og viser at Viallat fortsatt utvidet metodens formale muligheter seks tiår etter at motivet oppsto.
9. Samle Claude Viallat
Begynn med det spesifikke verket
For en samler er det ikke nok å gjenkjenne motivet. Datering, underlag, dimensjoner, teknikk, proveniens, tilstand og tiltenkt presentasjon bidrar alle til forståelsen av det enkelte verket. To malerier med samme tilbakevendende form kan ha svært ulike posisjoner i kunstnerskapet og stille helt ulike krav til et rom.
Et stort tekstilmaleri, et verk på papir, en utgave og et objekt bør ikke behandles som likeverdige bare fordi kunstnerens navn er det samme. Bekreft mediet og om verket er unikt eller tilhører en utgave, og vurder deretter kvaliteten og fullstendigheten av dokumentasjonen.
Tilstanden og tekstilets tiltenkte levetid
Gjenbrukt tekstil gjør vurderingen av tilstanden særlig nyansert. En søm eller et slitasjemerke kan ha vært der før maleriet ble laget og være en del av det valgte underlaget. Senere rifter, falming, uhensiktsmessige reparasjoner eller skader på malingen kan derimot være betydelige problemer. Disse forskjellene bør dokumenteres, ikke gjettes ut fra et fotografi. Dette er særlig viktig med Viallat, hvis løse utførelse noen ganger kan få et verk til å virke som om noe gikk galt: Han har ikke noe imot å gå på sine egne malerier mens han arbeider på dem, og etterlater noen ganger merker.
Be om en tilstandsrapport og veiledning om opphenging, håndtering, transport og lagring. For uoppspente verk er presentasjonen en del av diskusjonen: En samler bør ikke anta at det å montere tekstilet på en blindramme eller plassere det bak glass er en nøytral endring. Rådfør deg med galleriet og en tilstrekkelig kvalifisert konservator om det aktuelle objektet.
Claude Viallat - Detaljer om kunstverket - Når et helt nytt maleri kan føles skittent eller flekkete...
Verdi uten udokumenterte prispåstander
Det finnes ingen enkeltstående meningsfull pris på et Claude Viallat-kunstverk. Sammenligninger må ta hensyn til medium, størrelse, datering, proveniens, tilstand og den relevante salgskonteksten. Et auksjonsestimat, en tilslagspris og en pris i et galleri er ulike typer informasjon.
Denne veiledningen foreslår ikke noe prisintervall eller noen investeringsprognose uten et datert og verifisert sett med sammenlignbare salg. Det sterkeste argumentet for å samle på Viallat er kunstnerisk: Viallat gir en historisk betydningsfull og vedvarende utforskning av maleriet, der materielle forskjeller belønner nær oppmerksomhet.
10. Hvorfor Viallat er viktig i dag
Viallats fortsatte relevans ligger mindre i antallet kunstnere som kan tenkes å etterligne motivet hans, enn i mulighetene metoden hans åpner for. Maleriet trenger ikke å skjule underlaget sitt. En velkjent fremgangsmåte kan fortsatt være åpen for tilfeldigheter. Vanlige materialer kan romme intellektuelle ambisjoner uten å miste sin hverdagslige karakter.
Templons utstillingstekst fra 2014 drøfter den fornyede relevansen til Supports/Surfaces for samtidsamerikansk abstraksjon og viser til kritiske sammenligninger med kunstnere som Gedi Sibony, Matt Connors og Blake Rayne. Disse slektskapene bør forstås som en kritisk diskusjon av materielle og prosessuelle spørsmål, ikke som bevis på at alle beslektede kunstnere følger Viallat direkte.
For IdeelArt-lesere gir praksisen hans en særlig verdifull måte å betrakte abstraksjon på. I stedet for bare å spørre hva et bilde ligner på, kan vi spørre hva det er laget av, hvilke beslutninger som forblir konstante, hva som endrer seg, og hvordan objektet påvirker rommet rundt seg.
Det er dette som skjuler seg i den gjentatte formens betydning. Ved å gjøre ett element velkjent gjør Viallat resten av maleriet fremmed igjen. Motivet er ikke verkets konklusjon. Det er redskapet som gjør at verket stadig kan begynne på nytt.
Claude Viallat med Christelle Thomas, medgrunnlegger av IdeelArt, foran et av bannerne hans med gjentatte former på Hôtel des Arts TPM, Toulon, desember 2025. © IdeelArt
Francis Berthomier
Fremhevet bilde: Claude Viallat (detalj av kunstverk)
Claude Viallat: 20 ofte stilte spørsmål
1. Hvem er Claude Viallat?
Claude Viallat er en fransk kunstner født i Nîmes i 1936 og et grunnleggende medlem av og en sentral skikkelse i Supports/Surfaces. Han er best kjent for å gjenta et uregelmessig abstrakt motiv på ustrukket lerret, presenninger og gjenbrukte tekstiler, samtidig som han undersøker farge, materialitet og maleriets grenser.
2. Hvor studerte Claude Viallat?
Han studerte ved École des Beaux-Arts i Montpellier fra 1955 til 1959 og ved École des Beaux-Arts i Paris fra 1962 til 1963. Den videre utviklingen hans kombinerte interesse for amerikansk abstraksjon med en stadig mer direkte undersøkelse av maleriets fysiske materialer.
3. Når begynte Viallat å bruke sitt karakteristiske motiv?
Motivet oppsto sommeren 1966. Utstillinger hos Ceysson & Bénétière og Templon markerte sekstiårsjubileet i 2026 og viste hvor viktig denne beslutningen fortsatt er etter seks tiår med arbeid.
4. Hvordan ble motivet oppfunnet?
I Bernard Ceyssons fremstilling eksperimenterte Viallat med polyuretanskum for å påføre farge. Etter at en sterk blekemiddelløsning skadet skummet, beholdt han det største gjenværende fragmentet og tok i bruk den tilfeldige formen. Fremstillingen knytter også metoden til gjentatte motiver brukt i innenlandsk veggdekorasjon i Aubais.
5. Hva representerer Viallat-formen?
Den sammenlignes ofte med et knokkelbein, en bønne eller en svamp, men den har ingen fast representerende betydning. Hovedfunksjonen er billedlig: Den bærer farge, skaper rytme og samspiller med materialet den opptrer på. Sammenligningene beskriver likhet snarere enn et entydig motiv.
6. Hvorfor gjentar Viallat den samme formen?
Ved å holde omrisset relativt konstant rettes oppmerksomheten mot andre variabler, blant annet farge, avstand, tekstur og underlaget. Gjentakelse blir en metode for å legge merke til forskjeller. Fremgangsmåten er gjenkjennelig, men de enkelte forekomstene og verkene trenger ikke være identiske.
7. Hva er Supports/Surfaces?
Supports/Surfaces er en fransk bevegelse som oppsto rundt overgangen til 1970-tallet, og som undersøkte maleriets grunnleggende bestanddeler, særlig underlag, overflater og materialer. Kunstnerne satte spørsmålstegn ved konvensjoner som det oppspente lerretet og det avgrensede rektangelet gjennom ulike praktiske og teoretiske tilnærminger.
8. Var Claude Viallat et grunnleggende medlem av Supports/Surfaces?
Ja. Både Templon og Ceysson & Bénétière identifiserer ham som et grunnleggende medlem. De uoppspente tekstilene og det gjentatte motivet hans utgjør et særpreget bidrag til bevegelsen, selv om karrieren hans ikke bør reduseres til denne tilknytningen.
9. Hvorfor maler han uten blindramme?
Når blindrammen fjernes, kan stoffet beholde sin fleksibilitet, kanter, folder og forhold til tyngdekraften. Det utfordrer også den konvensjonelle presentasjonen av et maleri som et stivt rektangel. Bernard Ceyssons fremstilling tilføyer at bretting av lerreter hadde praktiske fordeler ved lagring og transport.
10. Hvilke materialer bruker Viallat?
Dokumenterte underlag omfatter lerret, industrielle presenninger, laken, tepper, gardiner, nett og andre gjenbrukte tekstiler. Objektene hans omfatter også materialer som tau, drivved og planker. Disse materialenes eksisterende struktur og historie inngår i verket.
11. Bruker han sjablonger?
Ja. Sjablongtrykk er sentralt i den gjentatte påføringen av motivet hans. Ceyssons essay fra 2026 skiller mellom solide og uthulte sjablonger, som muliggjør ulike behandlinger av formen. Dette garanterer ikke mekanisk ensartethet: Materiale og utførelse skaper variasjon.
12. Er Claude Viallat en abstrakt kunstner?
Han omtales vanligvis innenfor abstraksjonen fordi signaturmotivet hans ikke fremstiller et bestemt motiv. Likevel er maleriene hans også utpreget konkrete materielle objekter. Stoffet, malingen, sømmene og kantene er virkelige ting, ikke bare bærere av et forestilt bilde.
13. Er verkene hans dekorative?
Det engasjerer mønster, gjentakelse og visuell nytelse, men det gjør det ikke bare dekorativt. Viallat bruker disse kvalitetene til å undersøke farge, overflate og hierarkiet mellom bilde og ornament. Verkets materielle konstruksjon kompliserer enhver direkte sammenligning med trykt dekorasjon.
14. Hvordan er Viallat knyttet til Henri Matisse?
Hans forhold til Matisse er dokumentert gjennom utstillinger som Hommage(s) à Matisse i 2005 og senere kritisk litteratur. Forbindelsen gjelder farge, mønster og organiseringen av det billedlige rommet, snarere enn enkel etterligning av Matisse-motiver eller uttrykk.
15. Påvirket Jackson Pollock Viallat?
Biografien hos Ceysson & Bénétière identifiserer Pollock som en viktig interesse under Viallats kunstneriske utvikling. Forbindelsen bidrar til å belyse hans oppmerksomhet på prosess og det malte feltet. Viallat utviklet likevel en særpreget metode basert på en gjentatt form, i stedet for å ta i bruk Pollocks dryppteknikk.
16. Lager Viallat objekter i tillegg til malerier?
Ja. Templon daterer objekteksperimentene hans til så tidlig som 1969. Tau, nett, ringer og tre utvider undersøkelsen hans av det virkelige rommet. De er en integrert del av praksisen hans, ikke bare dekorative tilbehør til maleriene.
17. Når representerte han Frankrike på Venezia-biennalen?
Viallat stilte ut i den franske paviljongen under den 43. Venezia-biennalen i 1988. Denne milepælen inngår i en internasjonal utstillingshistorie som også omfatter større museumspresentasjoner og retrospektive utstillinger.
18. Hvilke museer samler på Claude Viallat?
Dokumenterte samlinger omfatter Centre Pompidou, Carré d'Art i Nîmes, Musée Fabre i Montpellier, Musée d'Art Moderne de Paris og MoMA i New York. Sjekk hver institusjons aktuelle program før et besøk, siden tilhørighet til samlingen ikke betyr at verket vises kontinuerlig.
19. Hva bør en samler undersøke før kjøp av et Viallat-verk?
Bekreft dato, medium, dimensjoner, proveniens, tilstand og om verket er unikt eller del av en opplag. For et tekstilmaleri bør du innhente råd om hvordan det er ment å presenteres, og skille mellom kjennetegn ved det opprinnelige, gjenbrukte underlaget og senere skader eller endringer.
20. Hvor mye koster et kunstverk av Claude Viallat?
Det finnes ingen enkeltpris som på en meningsfull måte beskriver hans varierte produksjon. Medium, størrelse, datering, proveniens, tilstand og salgskontekst har alle betydning. En pålitelig sammenligning krever datert dokumentasjon for sammenlignbare verk; et auksjonsestimat, en tilslagspris og en prisforlangende fra et galleri bør ikke behandles som om de var ombyttelige.
Kilder og videre lesning
Denne artikkelen bygger på galleribiografier, utstillingsdokumentasjon og institusjonelle utstillingsarkiver. Fortolkende avsnitt er forfatterens analyse; redegjørelsen for motivets opprinnelse og omtalen av verkene fra januar 2026 tilskrives Bernard Ceyssons utstillingsessay. Undersøkt i oktober 2026.
- Ceysson & Bénétière: Claude Viallats biografi, materialer og offentlige samlinger.
- Bernard Ceysson: His Form Is Sixty Years Old, utstillingsessay, 2026.
- Templon: Claude Viallats biografi og utstillingshistorikk.
- Templon Brussels: Claude Viallat, 22. april–26. juni 2026, utstillingstekst og verkoppføringer.
- Templon Brussels: Claude Viallat, 2014, Supports/Surfaces og samtidens mottakelse.
- Carré d'Art: utstillingsarkiv, inkludert Et pourtant si…, 2023–2024.
- Byen Angers: Claude Viallat ved Abbaye du Ronceray, 2026.
- Oniris: Viallat au Bois Orcan, 4. april–1. november 2026.
- Byen La Grande-Motte: Retours en boucles – Taureau / Forme, 2026.
- Wikipedia: Claude Viallat, karriere og direktør ved École des Beaux-Arts de Nîmes fra 1979.
- Histoire de la pédagogie artistique: Claude Viallat, undervisningskarriere i Nîmes og Paris.
- Galerie Champetier: Alain Clément, biografiske notater, professor og senere direktør ved École des Beaux-Arts de Nîmes.
- IdeelArt: Frédéric Prat, Guillaume Moschini og Jean-Daniel Salvat (kunstnerbiografier, studier hos Viallat).
RELATERTE KUNSTVERK
IdeelArt følger denne tradisjonen tett. Flere av kunstnerne vi presenterer, har personlig tilknytning til Claude Viallat og til kretsen rundt Supports/Surfaces. Frédéric Prat, Guillaume Moschini og Jean-Daniel Salvat var hans studenter, og hver av dem har ført bevegelsens arv i sin egen retning. André Debono, som bor noen få gater fra Viallat i Nîmes, er en engasjert materialistisk maler hvis arbeid ligger svært nær konseptene til Supports/Surfaces. Alain Clément, en annen betydelig fransk kunstner, stilte ut sammen med Viallat allerede i 1967 og arbeidet sammen med ham ved École des Beaux-Arts de Nîmes. Han tilhører også Viallats nære krets. Verkene deres kan oppdages nedenfor og i samlingene våre.
For et annet perspektiv på abstraksjonen knyttet til Nîmes, kan du lese vår grundige guide til Alain Clément.
