Berømte abstrakte malerier som endret måten vi oppfatter kunst på

"Hvilke bilder vi kan ha, kan man si, avhenger av hvem som gjør forestillingen." - John Hospers, fra An Introduction to Philosophical Analysis

Vi er avhengige av visjonærer for å åpne skjulte dører, slik at vi kan få et glimt av deler av verden, og deler av oss selv, som ellers kan forbli skjult. Visjon er spesialiteten til abstrakte kunstnere, og i løpet av de siste 100+ årene har mange berømte abstrakte malerier lykkes i å utvide menneskehetens syn. Visjonærene som skapte disse bildene ga ikke bare oss, betrakterne, gaven av nye ting å se; de tilbød oss helt nye måter å se på.

Berømte Abstrakte Malerier: 1910-tallet – 1920-tallet

Det er sant at noen av våre valg i denne artikkelen kan vise seg å være kontroversielle, sidenhver abstrakt kunstelsker har forskjellige smaker. Men de fleste vil sannsynligvis være enige i vårt første valg av abstrakte malerier som endret måten vi oppfatter kunst på. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) ble malt i 1910 og anses av kunsthistorikere for å være det første rent abstrakte maleriet. Den dristige fremstillingen av livlig fargede flekker, stryk og linjer gir avkall på all visuell referanse til objektiv virkelighet. Dette maleriet frigjorde kunstnere fra båndene av motiv og inviterte seerne til å engasjere seg på en helt ny måte med konseptet om hva et bilde kan være.

Wassily Kandinsky - Uten tittel (Første abstrakte akvarell), 1910. Akvarell og indisk blekk og blyant på papir. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Elleve år senere, i 1921, malte Piet Mondrian sitt ikoniske Tableau I. Etter en periode med eksperimentering med sin fremvoksende nye stemme, befestet Tableau I det som skulle bli Mondrians definerende stil. De harde svarte linjene og de oppdelte fargefeltene ga seerne et glimt av renset geometri og matematisk presisjon. De rene linjene og presisjonen i verket refererte ikke til noe annet enn form, farge og linje. Verket innledet en stil som ville påvirke generasjoner av malere, skulptører, arkitekter og designere, og fortsetter å veilede kreative tenkere i dag.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olje på lerret. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland

I 1925 oppløste Joan Miró barrierene mellom Abstraksjon og Surrealisme med maleriet La mancha roja (Den røde flekken). Miró anså seg ikke for å være en abstraksjonist. Han sa at han kom hjem til sitt lille hjem, sulten og utmattet, og malte bildene han så i hodet sitt. La mancha roja (Den røde flekken) balanserer på den tynne linjen mellom antropomorfisk figuration, drømmeaktige totemer og ren abstraksjon. Noe barnslig, men samtidig forferdelig, lurer i bildet. Med dette verket åpnet Miró døren til den skjulte ikonografien av våre mareritt og drømmer.

Joan Miro - La mancha roja (Det røde flekket), 1925. Olje og pastel på lerret. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía-samlingen. © Joan Miro Foundation, Barcelona

Berømte abstrakte malerier: 1930-tallet – 1940-tallet

Da den vestlige verden falt ned i depresjon, hungersnød og krig for andre gang i det 20. århundre, ble abstraksjon fast etablert som en viktig kraft i kunstverdenen. Et fantastisk spekter av metoder ble brukt av kunstnere som arbeidet i stilen, hver av dem bidro til de voksende anstrengelsene for å knytte seg til noe rent, noe sant og noe fritt innen den menneskelige ånd. I Storbritannia utvidet maleren Ben Nicholson sitt abstrakte arbeid til en samling av det han kalte hvite relieffmalerier. Et av hans tidlige, banebrytende verk, 1935 (hvitt relieff), brøt ny visuell grunn, og etablerte Nicholson som en av de viktigste stemmene innen engelsk abstraksjon. Nicholson var venn av, og påvirket av, maleren Piet Mondrian. De hvite relieffverkene utvidet Mondrians bruk av harde linjer og geometrisk rom, og introduserte dimensjonal lagdeling og en monokromatisk palett. Nicholsons første hvite relieffmalerier ble laget i 1933, og da 1935 (hvitt relieff) ble laget, hadde han befestet en stil som kombinerte elementer av abstraksjon, konstruktivisme, betongkunst, og som antyder de tidlige frøene til minimalisme og post-malerisk abstraksjon.

I den andre enden av spekteret, i løpet av 1930- og 1940-årene, var de abstrakte ekspresjonistene, også kjent som New York-skolen. De avviste grundig den rasjonelle geografien og romlige reduksjonen til kunstnere som Mondrian og Nicholson, og Ab Ex-erne søkte å knytte seg til primær følelse i sitt arbeid. Ingen abstrakt ekspresjonist var så innflytelsesrik og vellykket i å legemliggjøre stilen som Jackson Pollock.

En beryktet alkoholiker og nevrotiker, Pollock ble inspirert av psykoanalyser til å nå dypt inn i sitt underbevisste for inspirasjon. Hans arbeid trakk på fysiskhet og ubevisste totembilder for å skape intense skildringer av moderne, etterkrigsangst. Et av Pollocks første dryppmalerier, Full Fathom Five, malt i 1947, forandret for alltid abstrakt kunst. Dette verket er en sammensmelting av hans tidligere penselstil og hans visionære dryppteknikk. Det inkluderer mynter, sigarettstumper og andre tilfeldige biter fra studioet hans, og projiserer et nivå av tekstur og dybde som er helt nytt for Abstraksjon. Full Fathom Five innledet et vendepunkt i Pollocks karriere, og forandret for alltid vårt forhold til lerretet.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olje på lerret med spiker, stifter, knapper, nøkkel, mynter, sigaretter, fyrstikker, osv. 50 7/8 x 30 1/8 tommer. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Berømte abstrakte malerier: 1950-tallet

På 1950-tallet hadde de abstrakte ekspresjonistene fast overtatt fantasien til kunstverdenen. Overalt strevde kunstnere med å knytte seg til det primale selvet, det ubevisste sinnet og de skjulte bildene i det underbevisste. Midt i denne iveren dukket det opp en trend mot ro, delvis født av en økende interesse blant mange kunstnere for østlige filosofier som taoisme og zenbuddhisme. En av de mest betydningsfulle bevegelsene som vokste ut av denne tiden var en abstrakt malestil kjent som Color Field Painting.

Målet med Color Field Painting, slik det generelt har blitt forstått, var å utforske farge uavhengig av motiv, form, linje og de andre begrensningene ved bildeproduksjon. En meditativ kvalitet ble søkt av malerne, og hvis det var vellykket, ble det deretter overført fra verket til seerne.

Den abstrakte maleren Helen Frankenthaler var en av de mest dyptgripende stemmene i Color Field-bevegelsen. Med maleriet Mountains and Sea, malt i 1952, introduserte Frankenthaler verden for en ny maleteknikk hun hadde oppfunnet kalt "soak-stain process." I denne prosessen brukte Frankenthaler terpentin for å tynne konsistensen på malingen sin. Hun helte forsiktig den tynne malingen på et uprimet lerret på gulvet, og lot malingen trekke helt gjennom lerretet, noe som ga verket en helt ny tekstur og utseende. Soak-stain prosessen skapte sublime farger som fikk organiske, foranderlige konfigurasjoner som berørte det rolige. Frankenthalers Mountains and Sea regnes for å ha vært en av de første suksessene til Color Field-bevegelsen og forblir et av dens mest elskede bilder i dag.

Helen Frankenthaler - Fjell og Hav, 1952. Olje og kull på lerret. 86 5/8 x 117 ¼ tommer. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Kanskje den mest kjente kunstneren som er assosiert med Color Field-kunstnerne er Mark Rothko, en kunstner som også heftig avviste det, og de fleste andre etiketter. Rothko arbeidet utelukkende med farge, og strevde etter å åpne opp et åndelig plan der han og betrakterne kunne oppleve dybden av menneskelig følelser. Selv om han var helt fokusert på farge, avviste Rothko det som bare et middel gjennom hvilket denne åndelige forbindelsen kunne etableres. Et av Rothkos definerende tidlige verk var No. 2, Green, Red and Blue, malt i 1953. Dette stykket er ikonisk for Rothkos fremtidige verk, og etablerer hans stemme som en unikt elskverdig innbygger i både verden av abstrakt kunst og transcendent spiritualitet.

Mark Rothko - No. 2, Grønn, Rød og Blå, 1953. Privat samling

Berømte Abstrakte Malerier: 1960-tallet – 1970-tallet

Da Abstraksjon kom inn i 1960- og 1970-årene, var mange malere allerede i ferd med å avvise dens grunnleggende ideer, vende tilbake til figurasjon og utforske området for konseptuell kunst. Likevel hadde kraften i Abstraksjons klarhet og frihet fortsatt stort potensial. En av de mest sublime stemmene i denne perioden var den amerikanske abstrakte maleren Agnes Martin. Kjent for sine malerier med linjer og rutenett, forblir Martin en ikonisk stemme innen Abstrakt Kunst.

Agnes Martins maleri Night Sea, laget i 1963, er et av de tidligste eksemplene på hva som skulle bli hennes definitive stil. I verket er en nesten monokrom blå bakgrunn krysset av et omhyggelig rutenettmønster malt i gullblad. Dette verket omfavner farge, samtidig som det gir lik kraft til linjen. Det omfavner enkelhet samtidig som det kommuniserer storhet, kompleksitet og en følelse av sammenvevd avhengighet. Martin snakket om hvordan linjen, for henne, representerte uskyld. Hun håpet at følelsen av uskyld ble overført til betrakterne gjennom hennes verk. Enkelheten i bildene hennes, og direkteheten i følelsen hun håpet å kommunisere, var avgjørende for å bygge bro over gapet mellom abstrakt ekspresjonisme og minimalisme.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Olje og gullblad på lerret. 72 x 72 tommer. © Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

På 1970-tallet rystet Robert Motherwell igjen verden av Abstraksjon med en stemme som virket som antitesen til Minimalismens drag. Hans primitive, robuste bevegelser formidlet energi, styrke og angst på en gang. Det var en stoisk styrke i dem, og likevel kom det frem dype følelser som legemliggjorde kraften og friheten i ren Abstraksjon.

Motherwells definerende verk kom i 1971, og ble kalt Elegy to the Spanish Republic No. 110. Denne maleriets rasende energi omfavner betrakteren og ser ut til å eksplodere fra lerretet. Det er en sjokkerende vitalitet i det, en aggresjon som overfører følelser og raseri inn i rommet. På en tid da mange malere mente at Abstraksjon hadde spilt seg ut, injiserte Motherwell en kraftig ny livskraft inn i stilen. Hans friske visjon og selvsikre stemme hjalp Abstraksjon å overleve, og fortsetter å inspirere og styrke abstrakte kunstnere den dag i dag.

Robert Motherwell - Elegy til den spanske republikken nr. 110, 1971. Akryl med grafitt og kull på lerret. 82 x 114 tommer. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Lisensiert av VAGA ved Artists Rights Society (ARS), New York

Endre vår oppfatning av fremtiden

Dagens samtidsabstrakte kunstnere skylder en gjeld til hver av disse kunstnerne, både for måtene de søkte frihet i sine uttrykksformer og for måtene de hjalp seerne med å åpne sine sinn for nye måter å se på. Abstraksjon fortsetter å åpne nye dører for oss mens vi prøver å forstå de endeløse kompleksitetene vårt utviklende samfunn presenterer for oss. Ved å trekke på eksemplene fra de store abstrakte kunstnerne fra fortiden, kan de abstrakte kunstnerne i dag og i morgen forhåpentligvis hjelpe oss med å oversette våre samtidige angst og frykt, og hjelpe oss med å se utover begrensningene til våre egne øyne.

Fremhevet bilde: Wassily Kandinsky - Komposisjon VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio