Berømte abstrakte malerier som endret måten vi oppfatter kunst på
«Hvilke bilder vi kan ha, avhenger så å si av hvem som forestiller seg dem.» - John Hospers, fra An Introduction to Philosophical Analysis
Vi er avhengige av visjonære som åpner skjulte dører, slik at vi kan få et glimt av deler av verden og av oss selv som ellers kanskje ville forbli skjult. Syn er abstrakte kunstneres spesialitet, og i løpet av de siste 100+ årene har mange berømte abstrakte malerier bidratt til å utvide menneskehetens perspektiv. De visjonære som skapte disse bildene, ga ikke bare oss betraktere gaven av nye ting å se; de tilbød oss helt nye måter å se på.
Disse nyvinningene er ikke begrenset til kunsthistorien. Ved siden av hver historiske kunstner som omtales nedenfor ser vi på et verk som er tilgjengelig gjennom IdeelArt, og som nærmer seg beslektede spørsmål om linje, geometri, materiale eller farge. Disse sammenstillingene er invitasjoner til å se, ikke påstander om direkte påvirkning: Hver kunstner gir disse felles spørsmålene sitt eget språk.
Berømte abstrakte malerier: 1910- og 1920-tallet
Det må innrømmes at noen av utvalgene våre i denne artikkelen kan vise seg å være kontroversielle, siden alle som elsker abstrakt kunst har ulik smak. Men de fleste vil nok være enige i vårt første utvalg av abstrakte malerier som endret måten vi oppfatter kunst på. Wassily Kandinskys Uten tittel (første abstrakte akvarell) ble malt i 1910 og regnes av kunsthistorikere som det første rent abstrakte maleriet. Den dristige fremstillingen av livlig fargede flekker, utstrykninger og linjer gir avkall på all visuell henvisning til den objektive virkeligheten. Dette maleriet frigjorde kunstnere fra motivets begrensninger og inviterte betrakterne til å forholde seg til begrepet om hva et bilde kan være på en helt ny måte.
Wassily Kandinsky - Uten tittel (første abstrakte akvarell) - 1910
Centre Georges Pompidou, Paris
Hva skjer når linje og farge ikke lenger trenger å beskrive et objekt? I The Eye gir Macha Poynder et moderne svar: slyngende merker, plutselige glimt av gult og rosa og lagvise partier i blått skaper en rastløs visuell rytme. Kunstnerskapet hennes kombinerer automatisk tegning, performative bevegelser og intuitive fargevalg. Sett ved siden av Kandinskys akvarell antyder maleriet hvordan abstraksjon kan gjøre det å se til en aktiv opplevelse, der øyet følger relasjoner fremfor å identifisere et motiv.
Elleve år senere, i 1921, malte Piet Mondrian sitt ikoniske Tableau I. Etter en periode med eksperimentering og utvikling av sitt nye uttrykk befestet Tableau I det som skulle bli Mondrians karakteristiske stil. De harde svarte linjene og de oppdelte fargefeltene ga betrakterne et innblikk i renset geometri og matematisk presisjon. Verkets rene linjer og presisjon refererte ikke til noe annet enn form, farge og linje. Verket innledet en stil som skulle påvirke generasjoner av malere, skulptører, arkitekter og designere, og som fortsatt veileder kreative tenkere i dag.
Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Cologne, Germany
Mondrians geometri inviterer også til et spørsmål som fortsatt står åpent i dag: Hvor lite trenger et bilde å inneholde for å endre måten vi ser på? Daniel Göttins Untitled 1, 2016 beveger seg gjennom dette området på en annen måte. Svarte og grå vertikale felt, adskilt av hvite linjer, danner et regelmessig mønster der kontrastene skifter over overflaten. I stedet for å gjenta Mondrians karakteristiske palett utforsker Göttin proporsjon, repetisjon, symmetri og asymmetri. Forbindelsen ligger i betrakterens opplevelse av relasjoner: En linje er ikke bare en grense, men noe som endrer rommet rundt seg.
I 1925 oppløste Joan Miró grensene mellom abstraksjon og surrealisme med maleriet sitt La mancha roja (The red spot). Miró så ikke på seg selv som abstraksjonist. Han fortalte at han kom hjem til det lille hjemmet sitt, sulten og utslitt, og malte bildene han så i hodet. La mancha roja (The red spot) befinner seg på den smale grensen mellom antropomorf figurativ kunst, drømmeaktige totemer og ren abstraksjon. Noe barnlig, men samtidig grusomt, lurer i bildet. Med denne serien åpnet Miró døren på vidt gap til den skjulte ikonografien i marerittene og drømmene våre.
Joan Miro - La mancha roja (The red spot) - 1925
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection.
© Joan Miro Foundation, Barcelona
Mirós former svever mellom tegn, tenkte skapninger og selvstendige former. En beslektet tvetydighet gir liv til Daniela Marins Medusae I, der stripete, flekkete og forgrenede former deler et hvitt felt med åpne geometriske strukturer. De antyder levende vesener uten å samle seg til én entydig identifiserbar scene. Marins formspråk bringer organiske former i dialog med urban geometri og bygger på hennes egne erfaringer og reiser. Den lyse, vidstrakte komposisjonen hennes skiller seg fra den urovekkende atmosfæren som beskrives i Miros maleri, men begge inviterer betrakteren til å bevege seg mellom gjenkjennelse og oppfinnelse: En form kan virke levende uten å bli en illustrasjon.
Berømte abstrakte malerier: 1930-tallet – 1940-tallet
Da den vestlige verden for andre gang på 1900-tallet sank ned i depresjon, hungersnød og krig, var abstraksjonen solid etablert som en betydelig kraft i kunstverdenen. Kunstnere som arbeidet i denne stilen, tok i bruk et fantastisk mangfold av metoder, og hver av dem bidro til den voksende innsatsen for å komme i kontakt med noe rent, noe sant og noe fritt i menneskets ånd. I Storbritannia utvidet maleren Ben Nicholson sitt abstrakte arbeid til en serie av det han kalte hvite relieffmalerier. Blant disse verkene finner vi White Relief, Quai d’Auteuil (1935), et eksempel på tilnærmingen som etablerte Nicholson som en av de viktigste stemmene innen engelsk abstraksjon. Nicholson var venn av og ble påvirket av maleren Piet Mondrian. De hvite relieffene videreutviklet Mondrians bruk av skarpt avgrensede linjer og geometrisk rom ved å introdusere lagdeling i flere dimensjoner og en monokrom palett. Nicholsons første hvite relieffmalerier ble skapt i 1933, og innen 1935 hadde han utviklet en stil som kombinerte elementer fra abstraksjon, konstruktivisme, konkret kunst, og som antydet de tidlige spirene til minimalisme og post-painterly-abstraksjon.
Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
The Hepworth Wakefield Museum
Nicholsons relieffer gjør selve rommet til en aktiv del av abstraksjonen, gjennom forholdet mellom plan, kanter og dybde. Den britiske maleren Jeremy Annear tilbyr en overbevisende dialog med denne problemstillingen i Construct (Red Disc and Triangle). Lagdelte hvite, grå og jordfargede former dreier seg rundt buede konturer, mens en rød skive og trekant setter punktum for komposisjonen. Annear bygger oljemaleriene sine gjennom lagdelte former og teksturerte overflater; her antyder overlappingene et rom som er konstruert snarere enn beskrevet. I motsetning til Nicholsons hvite relieffer er dette et fargemaleri, men det underliggende spørsmålet er det samme: hvordan et begrenset formspråk kan skape balanse, spenning og en følelse av dybde.
I den andre enden av spekteret på 1930- og 1940-tallet sto de abstrakte ekspresjonistene, også kjent som New York-skolen. Ved å avvise den rasjonelle geografien og romlige reduksjonen hos kunstnere som Mondrian og Nicholson søkte Ab Ex-kunstnerne å knytte seg til primære følelser i arbeidene sine. Ingen abstrakt ekspresjonist var like innflytelsesrik og dyktig til å legemliggjøre stilen som Jackson Pollock.
Pollock var en beryktet alkoholiker og nevrotiker, og ble inspirert av psykoanalysen til å trenge dypt inn i underbevisstheten for å finne inspirasjon. Arbeidene hans bygget på fysiske uttrykk og ubevisste totembilder for å skape intense skildringer av moderne angst etter krigen. Et av Pollocks første dryppmalerier, Full Fathom Five, malt i 1947, forandret den abstrakte kunsten for alltid. Dette verket er en blanding av hans tidligere penselstil og hans visjonære dryppteknikk. Det inneholder mynter, sigarettsneiper og andre tilfeldige småbiter fra atelieret hans, noe som tilfører et nivå av tekstur og dybde som var helt nytt for abstraksjonen. Full Fathom Five markerte et vendepunkt i Pollocks karriere og forandret for alltid vårt forhold til lerretet.
Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
© 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society
Gjenstandene som er innfelt i Full Fathom Five, minner oss om at et maleri kan være mer enn et bilde: Det kan være en fysisk opphopning av handlinger og materialer. Anthony Frost utforsker denne muligheten gjennom en instinktiv prosess som kombinerer maleri og collage. I Surface Pressure krysses grovteksturerte blå og oransje områder av en utstikkende rød stripe, slik at selve overflaten blir en del av møtet. Frosts bruk av funnede materialer og lagvis oppbygning skiller seg markant fra Pollocks sammenfiltrede drypp, men begge verkene inviterer oss til å se på maleriet som noe som blir til gjennom fysisk engasjement, ikke bare som et bilde planlagt på forhånd.
Berømte abstrakte malerier: 1950-tallet
På 1950-tallet hadde de abstrakte ekspresjonistene for alvor overtatt kunstverdenens forestillingsverden. Overalt forsøkte kunstnere å få kontakt med det opprinnelige selvet, det ubevisste sinnet og de skjulte bildene i underbevisstheten. Midt i denne gløden oppsto en tendens mot ro, delvis født av en økende interesse blant mange kunstnere for østlige filosofier som taoisme og zenbuddhisme. En av de mest betydningsfulle bevegelsene som vokste frem i denne perioden, var en abstrakt malerstil kjent som Color Field Painting.
Målet med Color Field-maleriet, slik det etter hvert ble allment forstått, var å utforske farge uavhengig av motiv, form, linje og de andre begrensningene ved det å skape bilder. Malerne søkte en meditativ kvalitet, og hvis de lyktes, ble denne deretter overført fra verket til betrakterne.
Den abstrakte maleren Helen Frankenthaler var en av de mest betydningsfulle stemmene i Color Field-bevegelsen. Med maleriet sitt Mountains and Sea, malt i 1952, introduserte Frankenthaler verden for en ny maleteknikk hun hadde oppfunnet, kalt «soak-stain-prosessen». I denne prosessen brukte Frankenthaler terpentin for å tynne ut malingen. Hun helte den fortynnede malingen forsiktig over et ubehandlet lerret på gulvet, slik at malingen trakk helt gjennom lerretet og ga verket en helt ny tekstur og fremtoning. Soak-stain-prosessen skapte sublime fargefelt som fikk organiske, foranderlige former med et rolig uttrykk. Frankenthalers Mountains and Sea regnes som en av de første suksessene innen Color Field-bevegelsen og er fortsatt et av dens mest ikoniske bilder i dag.
Helen Frankenthaler - Fjell og hav - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
Frankenthalers maleri åpner et rom mellom et erindret landskap og selvstendige fargefelt. Greet Helsen nærmer seg dette rommet gjennom sine egne møter med naturen, og arbeider ut fra inntrykk av lys, form og farge snarere enn presise beskrivelser. I Dynamisch (Dynamic) beveger gjennomskinnelige rosa-, blå- og lillatoner seg over en luftig overflate, avbrutt av fine mørke linjer og dypere fargeansamlinger. Helsen tynner akrylmalingen nøye ut, slik at de påfølgende lagene forblir synlige. Dette er ikke den samme prosessen som Frankenthalers soak-staining, men sammenstillingen lar oss se hvordan transparens og flytende farge kan antyde et landskap uten å avbilde et.
Kanskje den mest berømte kunstneren som forbindes med Color Field-kunstnerne, er Mark Rothko, en kunstner som også bestemt avviste dette og de fleste andre merkelapper. Rothko arbeidet utelukkende med farge og forsøkte å åpne et åndelig plan der han og betrakterne kunne oppleve dybden i menneskelige følelser. Selv om han var fullstendig opptatt av farge, avviste Rothko den som bare et middel som denne åndelige forbindelsen kunne oppstå gjennom. Et av Rothkos definerende tidlige verk var No. 2, Green, Red and Blue, malt i 1953. Dette verket er ikonisk for Rothkos senere produksjon og etablerer hans stemme som en særegen og innbydende skikkelse i både abstrakt kunst og transcendent spiritualitet.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
Kan farger formidle en følelse uten å beskrive hva som forårsaket den? Det spørsmålet knytter Rothkos verk til Kyong Lees Emotional Color Field 6, selv om deres visuelle språk forblir forskjellige. Lee arrangerer horisontale bånd som beveger seg fra dypblått og fiolett gjennom rosa og lyse toner til oransje og rødt. Prosessen hennes bruker nøye oppmålte fargefelt og gradvise fargeoverganger for å utforske endringer i følelsestilstand. Der Rothkos mykt avgrensede former synes å sveve, er Lees inndelinger tydelige og ordnede. Dialogen handler mindre om likhet enn om hvordan én farge endrer opplevelsen vår av den neste, og hvordan disse relasjonene kan bli et emosjonelt språk.
Berømte abstrakte malerier: 1960- til 1970-årene
Da abstraksjonen gikk inn i 1960- og 1970-årene, avviste mange malere allerede dens grunnleggende ideer, vendte tilbake til figurasjonen og utforsket feltet innen konseptuell kunst. Likevel rommet abstraksjonens kraftfulle klarhet og frihet fortsatt store muligheter. En av periodens mest sublime stemmer var den amerikanske abstrakte maleren Agnes Martin. Martin, som er kjent for sine linjerutemalerier, står fortsatt som en ikonisk stemme innen abstrakt kunst.
Agnes Martins maleri Night Sea, malt i 1963, er et av de tidligste eksemplene på det som skulle bli hennes karakteristiske stil. I verket krysses en nesten monokrom blå bakgrunn av et omhyggelig rutenett malt med bladgull. Verket omfavner farge, samtidig som det legger like stor vekt på linjen. Det omfavner enkelhet, samtidig som det formidler vidstrakthet, kompleksitet og en følelse av sammenvevd gjensidig avhengighet. Martin fortalte at linjen for henne representerte uskyld. Hun håpet at følelsen av uskyld skulle overføres til betrakterne gjennom verkene hennes. Enkelheten i bildene hennes og følelsens direkte uttrykk, som hun håpet å formidle, var avgjørende for å bygge bro mellom abstrakt ekspresjonisme og minimalisme.
Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society
Martins tilbakeholdne vokabular viser hvordan en linje kan holde på oppmerksomheten vår uten å beskrive noe. Richard Caldicotts Untitled, 2014 (Id.383) byr på et annerledes, sparsomt møte med linje og rom. Mot en lys bakgrunn skaper fine og kraftigere mørke linjer en åpen, kantet struktur mellom røde og gule områder. I stedet for å gjenta Martins rutenett reduserer Caldicott komposisjonen til noen få relasjoner, hvis balanse blir tydeligere jo mer vi ser. Hans serielle arbeider på papir utforsker et minimalistisk, arkitektonisk språk. Sammenstillingen inviterer til en langsommere form for oppmerksomhet: ikke en jakt på et motiv, men en bevissthet om hvordan mellomrom, kanter og tomrom former opplevelsen vår.
På 1970-tallet rystet Robert Motherwell abstraksjonens verden nok en gang med en stemme som virket som selve antitesen til minimalismens tiltrekningskraft. Hans primitive, røffe strøk formidlet energi, styrke og uro på én gang. De hadde en stoisk styrke, og likevel trådte dype følelser frem som legemliggjorde kraften og friheten i ren abstraksjon.
Motherwells definerende verk kom i 1971 og ble kalt Elegy to the Spanish Republic No. 110. Dette maleriets rasende energi omslutter betrakteren og synes å bryte løs fra lerretet. Det har en sjokkerende vitalitet, en aggresjon som overfører følelser og raseri til rommet. På en tid da mange malere mente at abstraksjonen hadde utspilt sin rolle, tilførte Motherwell stilen en kraftfull ny livskraft. Hans friske visjon og selvsikre stemme hjalp abstraksjonen med å bestå, og fortsetter å inspirere og styrke abstrakte kunstnere den dag i dag.
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
Motherwells Elegy viser hvordan gjentatte, kraftfulle former kan gi et abstrakt maleri emosjonell tyngde. Tommaso Fattovichs Punk nærmer seg denne tyngden gjennom et mer fragmentert, flerfarget formspråk. Oppreiste partier i svart, rosa, lysegrønt og oransje stiger gjennom en ru gråbrun bakgrunn, og kantene bærer sporene etter påfølgende bevegelser. Fattovich utvikler komposisjonene sine intuitivt og responderer på farger, lag, linjer og former til bildet føles komplett. Sammenligningen gjelder strøkets fysiske tilstedeværelse, ikke en tematisk likeverdighet: Fattovichs urbaninspirerte abstraksjon deler ikke den spesifikke historiske betydningen til Motherwells Elegy, men tilbyr en annen måte å møte gesten som bærer av intensitet på.
Å endre vår oppfatning av fremtiden
Dagens samtidskunstnere innen abstraksjon står i gjeld til hver av disse kunstnerne, både for måtene de søkte frihet i uttrykksformene sine på, og for måtene de hjalp betraktere med å åpne sinnet for nye måter å se på. Abstraksjonen fortsetter å åpne nye dører for oss mens vi forsøker å forstå de endeløse kompleksitetene vårt samfunn i utvikling stiller oss overfor. Ved å bygge på eksemplene fra fortidens store abstrakte kunstnere kan dagens og morgendagens abstrakte kunstnere forhåpentligvis hjelpe oss med å oversette vår tids bekymringer og frykt, og hjelpe oss med å se forbi begrensningene i våre egne øyne.
Verkene som bringes i dialog med disse historiske maleriene, viser at disse mulighetene fortsatt er åpne. Fra Poynders rastløse linjer og Marins forestilte organiske former til Göttins og Annears konstruerte rom tilbyr abstraksjonen mange måter å engasjere blikket på. Frosts materielle overflater, Helsens gjennomskinnelige farger, Lees emosjonelle sekvenser, Caldicotts sparsomme strukturer og Fattovichs kraftfulle strøk fører samtalen i ulike retninger. De erstatter ikke de historiske verkene eller gjentar prestasjonene deres. I stedet inviterer de oss til å ta med oss det vi har lært inn i nye møter og oppdage hvordan abstraksjonen fortsetter å endre måten vi ser på.
Fremhevet bilde: Wassily Kandinsky - Komposisjon VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Alle bilder er kun brukt som illustrasjoner
Av Phillip Barcio (2016) Redigert av Francis Berthomier (2026)
