Berømte abstrakte malerier som endret måten vi oppfatter kunst på

«Hvilke bilder vi kan ha, kan man si, avhenger av hvem som forestiller seg dem.» - John Hospers, fra En innføring i filosofisk analyse

Vi er avhengige av visjonærer for å åpne skjulte dører, slik at vi kan få et glimt av deler av verden, og deler av oss selv, som ellers kunne forblitt skjult. Syn er spesialiteten til abstrakte kunstnere, og gjennom de siste 100+ årene har mange berømte abstrakte malerier lykkes i å utvide menneskehetens syn. Visjonærene som skapte disse bildene ga oss, betrakterne, ikke bare gaven av nye ting å se; de tilbød oss helt nye måter å se på.

Berømte abstrakte malerier: 1910- og 1920-årene

Innledningsvis kan noen av våre valg i denne artikkelen virke kontroversielle, siden hver abstrakt kunstelsker har ulike preferanser. Men de fleste vil nok være enige i vårt første utvalg av abstrakte malerier som endret måten vi oppfatter kunst på. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) ble malt i 1910 og regnes av kunsthistorikere som det første rent abstrakte maleriet. Den dristige fremstillingen av livlige fargede flekker, strøk og linjer avstår fra all visuell referanse til objektiv virkelighet. Dette maleriet frigjorde kunstnere fra emnets lenker og inviterte betraktere til å engasjere seg på en helt ny måte med konseptet om hva et bilde kan være.

Wassily Kandinsky - Untitled (First Abstract Watercolor), 1910. Akvarell og indisk blekk og blyant på papir. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Oljemaleri på lerret. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland

I 1925 brøt Joan Miró ned grensene mellom abstraksjon og surrealisme med sitt maleri La mancha roja (Den røde flekken). Miró betraktet seg ikke som en abstraksjonist. Han sa at han kom hjem til sitt lille hjem, sulten og utmattet, og malte bildene han så for seg i hodet. La mancha roja (Den røde flekken) balanserer på den tynne linjen mellom antropomorf figurativitet, drømmelignende totemer og ren abstraksjon. Noe barnslig, men samtidig skremmende, lurer i bildet. Med dette verket kastet Miró opp døren til den skjulte ikonografien i våre mareritt og drømmer.

Joan Miro - La mancha roja (Den røde flekken), 1925. Oljemaling og pastell på lerret. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía-samlingen. © Joan Miro Foundation, Barcelona

Berømte abstrakte malerier: 1930- og 1940-årene

Mens den vestlige verden falt inn i depresjon, hungersnød og krig for andre gang i det 20. århundre, var abstraksjon fast etablert som en viktig kraft i kunstverdenen. Et fantastisk utvalg av metoder ble brukt av kunstnere som arbeidet i stilen, hver og en bidro til den voksende innsatsen for å knytte kontakt med noe rent, noe sant og noe fritt i menneskets ånd. I Storbritannia utvidet maleren Ben Nicholson sitt abstrakte arbeid til en serie han kalte hvite relieffmalerier. Et av hans tidlige banebrytende verk, 1935 (white relief), brøt ny visuell grunn og etablerte Nicholson som en av de viktigste stemmene innen engelsk abstraksjon. Nicholson var venn med og påvirket av maleren Piet Mondrian. De hvite relieffverkene bygde videre på Mondrians bruk av harde linjer og geometrisk rom, og introduserte tredimensjonal lagdeling og en monokrom palett. Nicholsons første hvite relieffmalerier ble laget i 1933, og da 1935 (white relief) ble skapt, hadde han befestet en stil som kombinerte elementer av abstraksjon, konstruktivisme, konkret kunst, og som antyder de tidlige frøene til minimalisme og post-malerisk abstraksjon.

I den andre enden av spekteret på 1930- og 1940-tallet var de abstrakte ekspresjonistene, også kjent som New York-skolen. De avviste fullstendig den rasjonelle geografien og romlige reduksjonen til kunstnere som Mondrian og Nicholson, og søkte å knytte kontakt med grunnleggende følelser i sitt arbeid. Ingen abstrakt ekspresjonist var mer innflytelsesrik og suksessfull i å legemliggjøre stilen enn Jackson Pollock.

En beryktet alkoholiker og nevrotiker, ble Pollock inspirert av psykoanalyse til å nå dypt inn i sitt underbevisste for inspirasjon. Hans arbeid trakk på fysiskhet og ubevisste totembilder for å skape sterke fremstillinger av moderne, etterkrigsangst. Et av Pollocks første dryppmalerier, Full Fathom Five, malt i 1947, forandret abstrakt kunst for alltid. Dette verket er en blanding av hans tidligere penselstil og hans visjonære dryppteknikk. Det inkluderer mynter, sigarettsneiper og andre tilfeldige gjenstander fra atelieret hans, og gir en tekstur og dybde helt ny for abstraksjon. Full Fathom Five markerte et vendepunkt i Pollocks karriere, og forandret vår relasjon til lerretet for alltid.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Oljemaling på lerret med spiker, stifter, knapper, nøkkel, mynter, sigaretter, fyrstikker osv. 50 7/8 x 30 1/8 tommer. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Berømte abstrakte malerier: 1950-årene

På 1950-tallet hadde de abstrakte ekspresjonistene fast grepet om kunstverdenens fantasi. Overalt strebet kunstnere etter å knytte kontakt med det urtidslige selvet, det ubevisste sinn og de skjulte bildene i underbevisstheten. Midt i denne iveren vokste det fram en tendens mot ro, delvis født av en økende interesse blant mange kunstnere for østlige livssyn som taoisme og zenbuddhisme. En av de mest betydningsfulle bevegelsene som vokste fram i denne tiden var en abstrakt malestil kjent som fargefeltmaling.

Målet med fargefeltmaling, slik det generelt forstås, var å utforske farge uavhengig av motiv, form, linje og andre begrensninger i billedskapning. Malerne søkte en meditativ kvalitet, og hvis de lyktes, ble denne overført fra verket til betrakterne.

Den abstrakte maleren Helen Frankenthaler var en av de mest betydningsfulle stemmene i fargefeltbevegelsen. Med sitt maleri Mountains and Sea, malt i 1952, introduserte Frankenthaler verden for en ny maleteknikk hun hadde oppfunnet kalt «soak-stain-prosessen». I denne prosessen brukte Frankenthaler terpentin for å tynne ut malingen. Hun helte forsiktig den tynnede malingen på et ugrunnert lerret på gulvet, slik at malingen helt gjennomtrengte lerretet og ga verket en helt ny tekstur og utseende. Soak-stain-prosessen skapte sublime fargeflater som tok organiske, foranderlige former med en beroligende virkning. Frankenthalers Mountains and Sea regnes som en av de første suksessene i fargefeltbevegelsen og er fortsatt et av dens mest kjære bilder i dag.

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Oljemaling og kull på lerret. 86 5/8 x 117 ¼ tommer. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Kanskje den mest kjente kunstneren knyttet til fargefeltmalerne er Mark Rothko, en kunstner som også kraftig avviste den og de fleste andre merkelapper. Rothko arbeidet utelukkende med farge, og søkte å åpne et åndelig plan hvor han og betrakterne kunne erfare dybden av menneskelige følelser. Selv om han var fullt fokusert på farge, avviste Rothko den som bare et middel for å skape denne åndelige forbindelsen. Et av Rothkos tidlige kjennetegnende verk var No. 2, Green, Red and Blue, malt i 1953. Dette verket er ikonisk for Rothkos senere arbeid, og etablerer hans stemme som en særdeles kjærkommen innbygger i både den abstrakte kunstens og den transcendente åndelighetens verden.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue, 1953. Privat samling

Berømte abstrakte malerier: 1960- og 1970-årene

Da abstraksjonen gikk inn i 1960- og 1970-årene, avviste mange malere allerede dens grunnleggende ideer, vendte tilbake til figurativ kunst og utforsket området for konseptuell kunst. Likevel holdt abstraksjonens klarhet og frihet fortsatt stort løfte. En av de mest sublime stemmene i denne perioden var den amerikanske abstrakte maleren Agnes Martin. Kjent for sine linjerutemalerier, står Martin som en ikonisk stemme innen abstrakt kunst.

Agnes Martins maleri Night Sea, laget i 1963, er et av de tidligste eksemplene på det som skulle bli hennes kjennetegnende stil. I verket er en nesten monokrom blå bakgrunn krysset av et nøye rutemønster malt i gullblad. Dette verket omfavner farge, samtidig som det legger like stor vekt på linje. Det omfavner enkelhet samtidig som det formidler vidstrakthet, kompleksitet og en følelse av sammenvevd gjensidig avhengighet. Martin snakket om hvordan linjen for henne representerte uskyld. Hun håpet at følelsen av uskyld ble overført til betrakterne gjennom hennes verk. Enkelheten i bildene hennes, og den direkte følelsen hun ønsket å formidle, var avgjørende for å bygge bro mellom abstrakt ekspresjonisme og minimalisme.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Oljemaling og gullblad på lerret. 72 x 72 tommer. © Agnes Martins bo / Artists Rights Society (ARS), New York

På 1970-tallet rystet Robert Motherwell abstraksjonens verden igjen med en stemme som virket som motsetningen til minimalismens tiltrekning. Hans urkraftige, robuste bevegelser formidlet energi, styrke og angst på samme tid. Det var en stoisk styrke i dem, og likevel kom dyp følelse fram som legemliggjorde kraften og friheten i ren abstraksjon.

Motherwells kjennetegnende verk kom i 1971 og het Elegy to the Spanish Republic No. 110. Dette maleriets rasende energi omslutter betrakteren og ser ut til å sprenge lerretet. Det har en sjokkerende livskraft, en aggresjon som overfører følelser og raseri til rommet. På en tid da mange malere mente at abstraksjonen hadde spilt ut sin rolle, injiserte Motherwell en kraftfull ny livskraft i stilen. Hans friske visjon og selvsikre stemme hjalp abstraksjonen til å bestå, og fortsetter å inspirere og styrke abstrakte kunstnere den dag i dag.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. Akryl med grafitt og kull på lerret. 82 x 114 tommer. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Lisensiert av VAGA ved Artists Rights Society (ARS), New York

Endrer vår oppfatning av fremtiden

Dagens samtidskunstnere innen abstrakt kunst skylder en stor takk til hver av disse kunstnerne, både for måtene de søkte frihet i sine uttrykksformer og for måtene de hjalp betraktere til å åpne sine sinn for nye måter å se på. Abstraksjon fortsetter å åpne nye dører for oss mens vi prøver å forstå de endeløse kompleksitetene vårt stadig skiftende samfunn byr på. Ved å trekke på eksemplene fra de store abstrakte kunstnerne fra fortiden, kan dagens og morgendagens abstrakte kunstnere forhåpentligvis hjelpe oss med å oversette våre samtidige bekymringer og frykt, og hjelpe oss til å se forbi begrensningene i våre egne øyne.

Fremhevet bilde: Wassily Kandinsky - Komposisjon VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio