Hva er konseptuell maleri?

Hvert kunstverk var en gang bare en idé i noens hode. Det er en morsom tanke, tatt i betraktning hvor flyktige ideer kan være, og hvor vanskelig det kan være å gjøre selv de beste ideene til virkelighet. Konseptuell maleri, som et felt innen kunstnerisk praksis, forsøker å møte gapet mellom ideer og fysisk virkelighet. Det vurderer muligheten for at for hvert maleri som ender opp på en vegg, finnes det utallige andre som aldri kom på lerretet, og utallige alternative måter å male det som faktisk kom opp på veggen. Det går til og med så langt som å si at maleriet kanskje ikke betyr noe i det hele tatt; at det eneste som virkelig betyr noe er ideen.

Bare Tenk Det

Noen ganger er den beste måten å få noe gjort på å ikke tenke på det. Bare gjør det, som slagordet sier. Når vi stopper opp og tenker på hva vi gjør, kan det lamme oss, mens vi spør oss om det vi gjør er verdt innsatsen, eller har noen verdi i det hele tatt. Da de første abstrakte malerne begynte sin ferd for å skape rent abstrakte verk, foregikk det mye tenking, og de var fulle av ideer. Men samtidig stilte noen kunstnere spørsmål ved verdien av disse, eller andre ideer.

I 1917 skapte Marcel Duchamp et kunstverk kalt «Fountain». Det var et urinal snudd opp ned og signert «R. Mutt.» Duchamp tok et vanlig objekt og forvandlet det, i dette tilfellet ved å snu det opp ned og fjerne det fra dets nytteorienterte omgivelser, noe som gjorde den opprinnelige bruken utdatert og åpnet for nye muligheter for mening. «Fountain» ble avvist av utstillingen det ble sendt til, men det ble målestokken for det som til slutt skulle bli kjent som Konseptuell kunst, en tendens til å sette verdien av kunstnerens ideer over verdien av kunstnerens prosesser eller gjenstander.

Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9,8 tommer, © Sarah Hinckley

Bildet er Ingenting

Mange av de første konseptuelle maleriene var ikke malerier i det hele tatt. I 1953 fikk kunstneren Robert Rauschenberg ideen om å viske ut et maleri. Han hadde til hensikt å få selve objektet til å forsvinne, og bare la ideen stå igjen, og dermed løfte den til ny ære. Han mente at for å oppnå full manifestasjon av sin idé, måtte noen andre holde objektet i aktelse. Han trengte å viske ut arbeidet til en annen maler, ellers ville det bare være som å nekte noe som aldri var.

Rauschenberg henvendte seg til sin venn Willem de Kooning og ba ham donere et kjært maleri til hans konsept. Selv om de Kooning først motsto, endte han opp med å gi Rauschenberg en tegning, en han hatet å se forsvinne og som ville være vanskelig å viske ut. Rauschenberg brukte mer enn et dusin viskelær over mer enn en måned, og klarte til slutt å viske ut hele bildet. Resultatet, kalt «Erased de Kooning Drawing», uttalte med sikkerhet at ideen om et kunstverk er det viktigste, og at verket ikke trenger å eksistere i det hele tatt.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Spor av tegneredskaper på papir, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation

Å Skape det Usynlige

Tanken om ideens primære betydning spredte seg raskt over den vestlige verden. Kunstnere begynte å eksperimentere med alle mulige måter å manifestere en idé på, i troen på at hvis en idé skal manifestere seg, kan det skje på mange måter. Kunst om et bilde av et tre kunne manifestere seg som et fotografi av et tre, et maleri av et tre, en tegning av et tre, et abstrakt maleri av et tre, ordene «bilde av et tre» skrevet på en flate, en utøver som peker på et ekte tre, en tolkende dans som etterligner et tre, eller til og med en kunstner som sitter på gulvet med lukkede øyne og tenker på et bilde av et tre.

I 1958 holdt kunstneren Yves Klein en maleriutstilling i Paris ofte kalt «Tomrommet.» Den fulle tittelen på utstillingen var «Spesialiseringen av følsomhet i råmaterialets tilstand til stabilisert billedlig følsomhet, Tomrommet.» Ifølge legenden kom mer enn 3000 besøkende for å se utstillingen. Ved inngangen til galleriet møtte de et hvitt rom uten malerier, med bare et tomt skap. Klein sa om utstillingen, «Mine malerier er nå usynlige, og jeg ønsker å vise dem på en klar og positiv måte.»

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Olje på papir, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

I 1968 tilføyde den abstrakte maleren Sol LeWitt en ny dimensjon til konseptuell maling. Han teoretiserte at det ikke bare er uten betydning om en idé noen gang manifesterer seg som et fysisk maleri, men det spiller heller ingen rolle hvordan det males eller hvem som maler det. Det eneste som betyr noe er kunstnerens opprinnelige uttrykte idé om maleriet. Som en demonstrasjon av dette konseptet begynte LeWitt å utforme veggmalerier som kunne, og vanligvis ble, utført av andre enn ham selv.

LeWitts idé var at hver enkelt hånd ville tegne hver linje forskjellig, så selv om de arbeidet etter de samme planene, ville hver kunstner tegne veggmaleriet annerledes enn alle andre. De ferdige produktene ville variere fra det opprinnelige designet og fra hverandre, men siden det opprinnelige designet er det eneste som betyr noe, er variasjonen uten betydning, det samme gjelder produksjonsmåten. Arven etter LeWitts idé er at hans konseptuelle veggmalerier fortsatt blir gjenskapt i dag, etter hans død.

John Monteith - Nattehimmelen, 2010, grafitt på håndlaget papir, 24 x 17,7 tommer, © John Monteith

Idéenes Fremtid

Samtidskonseptuell maling fortsetter å utvide vår forståelse av ideene som danner grunnlaget for et kunstverk. Arbeidet til den samtidsamerikanske abstrakte maleren Debra Ramsay er forankret i ideer som er grunnleggende for vår tid. Hennes prosess er å følge de skiftende fargene i naturen, som de sesongmessige plantene, og deretter analysere disse fargeendringene i et dataprogram. De resulterende dataene brukes til å lage en fargepalett som refererer til de skiftende naturlige fargene. Hun bruker så denne paletten til å lage en abstrakt framstilling av objekter i rom som endrer seg over tid.

Ramsays arbeid bringer tankene til to grunnleggende ideer som dominerer vår nåværende kultur. Den første er ideen om data, og forestillingen om at alle aspekter av livene våre overvåkes, digitaliseres, beregnes og analyseres i en monumental søken etter forståelse. Den andre er ideen om at naturen endrer seg, og at vi kanskje nå bare kan se på at det skjer og på en eller annen måte finne estetisk skjønnhet i det. Ramsays ideer er vakkert gjengitt i form av abstrakte malerier, men det er ideene selv som gjør hennes arbeid så relevant for vår kultur nå.

Debra Ramsay- Et År med Farge, Justert for Dagslengde, 2014, Akryl på polyesterfilm, 39,8 x 59,8 tommer.

H7

Den kanadiske abstrakte maleren John Monteith arbeider i flere forskjellige medier mens han søker etter den mest vellykkede fysiske manifestasjonen av sine kunstneriske konsepter. Et område han ofte utforsker, er tekst. Monteith henter biter av tekst fra andre kilder han tilfeldigvis møter mens han arbeider, som dagsnyheter, en bok eller en samtale. Han presenterer deretter teksten utenfor kontekst i et gallerimiljø, noe som inviterer til nye konseptuelle tolkninger av ideene som ligger i ordene.

Ved å hente tekst fra flere mediekilder bringer Monteiths tekstbaserte tegninger et samtidsblikk til verkene til første generasjons konseptkunstnere som Robert Barry, som også ofte arbeider med tekst. Barrys arbeid innebærer å vise biter av tekst på papir, lerret, vegger, gulv eller andre flater som passer til ideen. Hans ord er ofte hans egne, men noen ganger hentet fra andre tekster, og de presenteres på en måte som inviterer til nye assosiasjoner og betydninger. Ofte gir disse konseptuelle verkene langt mer informasjon enn et tradisjonelt maleri ved å kreve deltakelse fra betrakterens egen fantasi.

Stoff og Mening

I 1965, i et banebrytende verk innen konseptkunst kalt One and Three Chairs, presenterte konseptkunstneren Joseph Kosuth en faktisk stol, et fotografi av en stol og en skriftlig beskrivelse av hva en stol er. Som så mange andre konseptuelle verk, satte det spørsmålstegn ved hva forskjellen er mellom ideer, gjenstander og abstraksjoner.

Vi aksepterer nå at et konseptuelt maleri ikke trenger å være et maleri, og heller ikke trenger å eksistere i materiell form i det hele tatt. Men når det eksisterer, er det viktig? Betyr det noe at det er her, i den fysiske verden? Er det virkelig ingen forskjell mellom objektet og ideen? Verdsetter vi virkelig ideen mer? Hvis vi sultet, ville vi heller ha en oppskrift, et maleri av mat, eller ekte mat? I praktiske termer stiller og svarer konseptuell maling på et av menneskehetens viktigste spørsmål: Betyr det noe hva vi gjør?

Utvalgt bilde: Robert Barry - Untitled (Something which can never be any specific thing), 1969, Skriving på papir, 4 x 6 tommer, © Robert Barry

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål