Definerende øyeblikk i historien om abstrakt kunst

Ord kan være så kontroversielle. Vi ønsker bare å diskutere historien om abstrakt kunst. Men den setningen er full av konseptuelle farer. (Hvis historie? Hva er kunst? Hva betyr det å være abstrakt?) For å være presis, kanskje vi burde titlere denne artikkelen noe som, "Definerende øyeblikk i kjeden av hendelser som utgjør den generelt aksepterte tidslinjen for vestlig sivilisasjon relatert til objekter og fenomener skapt av selvbeskrevne kunstnere som ikke har til hensikt å være representasjonelle for objektiv visuell virkelighet." Men det er ikke akkurat en klikkbar overskrift. (Eller er det?) For sinnets skyld, la oss i denne artikkelen legge semantikken til side og bare starte fra begynnelsen.

Forhistorien til abstrakt kunst

Blant de tidligste sporene etter forhistoriske huleboere var linjer, riper og håndavtrykk. Vår beste tolkning er at de var symbolske. Så gjør det dem til de første eksemplene på abstrakt kunst ? Kanskje. Men selv de representasjonelle bildene som ble etterlatt av våre gamle forfedre er ikke akkurat foto-realistiske. Det som mangler i våre analyser er en forståelse av de tidligste kunstnernes intensjon. Når vi snakker om abstrakt kunst, mener vi kunst som var spesifikt ment å være abstrakt. Siden vi ikke kan vite hva forhistoriske kunstnere mente å kommunisere gjennom bildene sine, kan vi ikke bedømme om det var abstrakt, eller til og med om det er kunst. Det kan ha hatt nytteformål for alt vi vet. Så vi hopper frem, langt frem, til en tid som er bedre dokumentert, når kunstnernes intensjoner var klarere.

Henri Matisse - Kvinne med hatt, 1905, Olje på lerret, 31 3/4 × 23 1/2 tommer, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Før tidlig på 1800-tallet er det trygt å si at det store flertallet av kunstnere stort sett ikke hadde luksusen av å bestemme hva de skulle lage. De fleste kunstnere før den romantiske epoken var avhengige av støtte fra religiøse institusjoner eller annen autoritær makt for å overleve. Konger og hellige menn bestemte derfor emnet for de fleste av disse kunstnernes verk. Etter hvert som dette systemet med beskyttelse avtok, dukket det opp andre overlevelsesmetoder for kunstnerne. Et galleri-system oppsto; uavhengige kunsthandlere begynte å representere kunstnernes arbeid; velstående individer og private institusjoner begynte å støtte kunstnere og samle verkene deres. For første gang fikk kunstnerne sjansen til å svare på spørsmålet: "Hva vil jeg lage?" Umiddelbart kom det neste uunngåelige spørsmålet: "Hvorfor vil jeg lage det?" Svaret på dette spørsmålet er en ledende årsak til den eventuale oppkomsten av abstrakt kunst, og er kanskje det mest varige konseptet som kom fra den romantiske epoken; et som ble uttrykt av mange tenkere på den tiden, og oppsummert av franskmennene som, "L'art pour l'art." Kunst for kunstens skyld. Eller som forfatteren Edgar Allen Poe sa det i 1850:"…hvis vi bare tillot oss å se inn i våre egne sjeler, skulle vi umiddelbart oppdage at under solen eksisterer det verken eller kan eksistere noe verk som er mer grundig verdig, mer supre edelt, enn dette diktet… skrevet utelukkende for diktets skyld."

Andre Derain - De tørkende seilene, 1905, olje på lerret, 82 x 101 cm, © Pushkin-museet, Moskva

Førsteinntrykk

Når kunstnere ble frigjort fra begrensningene av forhåndsbestemt emne, begynte de også å frigjøre seg fra andre begrensninger. Fra omtrent 1850-tallet til 1870-tallet ga den estetiske bevegelsen kunstnere muligheten til å lage kunst utelukkende for estetiske formål, i stedet for å fokusere på emner relatert til kultur, samfunn og politikk. Så kom impresjonistene, Paris-baserte kunstnere som laget verk som sterkt fokuserte på skildringen av lyskvaliteter, og begynte en destillering av de individuelle estetiske elementene i et kunstverk. På 1880-tallet utviklet maleren Georges Seurat en teknikk for å konstruere et bilde helt fra små prikker. Denne teknikken, kjent som Pointillisme, skapte forvrengte, men representasjonelle bilder. Pointillisme bidro til fremveksten av eksperimentelle penselstrøk og komposisjonsteknikker som antydet en trend mot abstraksjon. Denne trenden ble utvidet gjennom post-impresjonistisk periode ettersom kunstnere begynte å eksperimentere med symbolikk og vilkårlig bruk av farge, form og linje.

Det hele er subjektivt

På 1900-tallet bidro ekspresjonistene til trenden mot ren abstraksjon med sitt fokus på subjektivitet. Ved dramatisk å forvrenge bildene sine, søkte de å presentere et dypt personlig synspunkt, mer representativt for følelser enn for fysisk virkelighet. I løpet av denne perioden kom også fremveksten av fauvismen, malere som nesten utelukkende fokuserte på levende farger og maleriske penselstrøk. For fauvistene var motivet sekundært i forhold til de estetiske komponentene i verket. På dette tidspunktet var fremveksten av ren abstraksjon uunngåelig. Overalt arbeidet kunstnere med symbolske representasjoner av virkeligheten, og strevde etter å kommunisere ideer og følelser på måter som ikke var relatert til motivet. De var per definisjon abstrakte. Men hvem var den første som lyktes i å lage et maleri som var helt abstrakt?

Hans Hofmann - Rising Moon, 1965, Olje på lerret, Privat samling, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Vil den ekte første abstraktøren vennligst reise seg?

Nesten alle historikere er enige om at det første abstrakte maleriet var Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor), malt i 1910. Bestående av livlig fargede flekker, sirkler, linjer, kruseduller og fargefelt samlet på en tilsynelatende tilfeldig måte, refererer verket på ingen måte til eksisterende visuelle elementer fra den fysiske verden. Konspiratorisk kan vi, bare for moro skyld, postulere at Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) ikke var det første rent abstrakte maleriet. Et år tidligere, i 1909, malte den franske avantgarde-maler Francis Picabia Caoutchouc, et proto-kubistisk verk med uidentifiserbare geometriske former innhyllet i tilsynelatende urelaterte fargefelt. Dette verket ser på ingen måte ut til å representere objektiv visuell virkelighet. Imidlertid betyr ordet Caoutchouc løst naturlig gummisaft, en referanse til råmaterialet for å lage vulkanisert gummi. Siden vi aldri har analysert de visuelle elementene av uvulkanisert gummi, kan vi ikke si, men kanskje dette maleriet er representativt. Hvem vet? Det vi vet er at Kandinsky var en ivrig kunstteoretiker og produktiv kunstskribent. Han skrev entusiastisk om sin jakt på å skape verdens første rent abstrakte kunstverk. Han snakket åpent om både sin intensjon om å bli grunnleggeren av abstrakt kunst, og sin suksess i å oppnå det. Ingen kan benekte at det var hans intensjon å være den første, uavhengig av om noen som kom før ham tilfeldigvis slo ham til det.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Olje på lerret, 85 1/4 x 73 1/2 tommer (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Hva Kandinsky Definitivt Gjorde

Ved å åpent kunngjøre sin intensjon om å lage ren abstrakt kunst, frigjorde Kandinsky kunstnere fra deres avhengighet av referanser til den observerbare verden. Han skiltet kunst fra sin tidligere logikk. Han åpnet feltet for dyp og rask eksperimentering. Han brakte til modenhet løftet fra romantikerne, at, som Caspar David Friedrich, den tyske romantiske kunstneren, sa, “Kunstnerens følelse er hans lov.”

Wassilly Kandinsky - Komposisjon IV, 1911, olje på lerret, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Tyskland

Verden i krig

Gjennom de følgende tiårene eksperimenterte kunstnere vilt med abstraksjon. Mange nye stiler kom til eksistens, påvirket av abstraksjonens kall til frihet, og også av grusomhetene fra første verdenskrig og fremveksten av den mekaniske tidsalder. Kubismen påvirket kunstnere til å redusere sitt visuelle språk til sine mest grunnleggende byggeklosser. Futurismen demonstrerte vitaliteten og kraften i linjen. Dadaisme utfordret meningen med kunst, og gjenbekreftet kunstens frihet fra og avvisning av borgerskapet. På 1920-tallet åpnet surrealismen kunstneres sinn for kraften i det underbevisste. Med sitt fokus på drømmelignende bilder og sin avvisning av bevisst logikk, påvirket det abstrakte kunstnere dypt til å eksperimentere mer med teknikker, medier og metoder som kunne knytte dem mer direkte til deres underbevisste selv.

Wassiliy Kandinsky - Komposisjon 6, 1913, Olje på lerret, 76 2/5 × 115 7/10 tommer, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Gjør det nytt!

På 1930-tallet blir den tyskfødte amerikanske maleren Hans Hofmann kreditert for å ha spredt de essensielle filosofiene til det som kom til å bli kjent som modernisme til Amerika, den nyeste iterasjonen av avvisningen av fortidens former og metoder. Selv en abstrakt maler, oppmuntret Hofmann studentene sine fra California til New York til å ta i bruk nye metoder for bildeproduksjon, i søken etter måter å konfrontere og uttrykke angsten og undrene i et raskt industrialiserende samfunn. I 1934 oppsummerte poeten Ezra Pound holdningen til modernistene med sin nå berømte oppfordring til kunstnere: “Gjør det nytt!” Pound var en kontroversiell skikkelse, og flyttet til slutt til Italia, hvor han støttet de ledende fascistfigurene under andre verdenskrig. Likevel fikk hans entusiastiske avvisning av det gamle fotfeste i sinnet til abstrakte kunstnere, noe som førte til kraftige endringer på den nære horisonten.

Wasilly Kandinsky - Svart flekk I (detalj), 1912, Olje på lerret. 39,4 × 51,2 tommer (100,0 × 130,0 cm), Det russiske museum, St. Petersburg, Russland

En ny renhet

Etter to verdenskriger, en global depresjon, hungersnød, grusomheter og to atomangrep på befolkede byer, kan omfanget av angst som den gjennomsnittlige mennesket opplevde på midten av 1940-tallet ikke overdrives. Denne angsten ga opphav til ny og utbredt interesse for det relativt unge feltet psykoanalyse. Blant de mange millioner mennesker som henvendte seg til psykoanalyse i løpet av denne tiden var Jackson Pollock , et av de ledende medlemmene av en gruppe kunstnere kjent som Abstract Expressionists. Pollock ble eksponert for psykoanalyse mens han var i rehabilitering. Det åpnet sinnet hans for verden av urkunnskap låst inne i hans underbevissthet. Mange av hans samtidige søkte nye måter å knytte seg til den skjulte essensen av deres menneskelighet, og arbeidet for å uttrykke rå, primitiv følelser gjennom maleriene sine. Pollock søkte skjult bilde, i håp om at han kunne knytte seg til noe dypt inne i seg selv, noe mer rent enn det som hittil hadde blitt uttrykt av abstrakt kunst. Rundt 1947, var Pollock pioner for sin nå ikoniske dryppteknikk. Denne teknikken involverte påføring av maling på en overflate ved hjelp av krefter som tyngdekraft og momentum, i stedet for gjennom direkte kontakt med verktøy til et lerret. Ved å omfavne dette nye nivået av fysisk tilstedeværelse, og fullstendig avvise all følelse av gjenkjennelig form, trådte Pollock inn i et nytt rike av ren abstraksjon basert utelukkende på underbevisst hensikt, farge, bevegelse, kraft og styrke.

Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarell, 1910, Akvarell og indisk blekk og blyant på papir, 19,5 × 25,5 tommer, (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

Begynnelsens slutt

Pollocks arbeid oppfylte på mange måter løftet om abstraksjon: den totale frigjøringen av kunstneren fra begrensningene av estetiske forventninger. Kanskje førte også hans innsats til abstraksjonens logiske slutt. Pollock brakte i skarp fokus viktigheten av tekstur, materialitet, prosess og ideen om å se et kunstverk ikke som en overflate for å formidle kunst, men som en samlet form i seg selv. Selv om disse konseptene reflekteres i en primitiv forstand i Pollocks arbeid, er de integrale for arbeidet til Minimalistene , som ville erstatte de abstrakte ekspresjonistene som de mest innflytelsesrike kunstnerne på 1960-tallet. Som Kandinsky, den ledende medlem av Minimalistbevegelsen, var Donald Clarence Judd en ivrig kunstteoretiker og forfatter. Selv om han avviste Minimalistetiketten, ble Judd representativ for dens ideer om å redusere det visuelle språket, og rense konseptene om form og rom. I stedet for å avvise gjenkjennelige visuelle referanser og objektiv virkelighet, fokuserte Minimalistiske kunstnere som Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt og Frank Stella på form, bruken av livlige og rene farger, harde linjer, minimal tekstur og moderne materialitet. I stedet for å abstrahere virkeligheten, manifesterte Minimalistene formene, fargene, formene og linjene som ofte ble utforsket i abstrakt kunst, og bebo dem i fysisk rom på en representativ måte.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Det nye nye

Historien om abstrakt kunst er historien om kunstneres søken etter frihet. Hva det betyr i dag er at kunstnere er frie til å uttrykke seg på hvilken som helst måte de velger, og utforske hvilken som helst metode som driver dem. Skjønnheten i dagens åpne stil er at en kunstner kan bruke hvilken som helst stil, medium eller metode som fungerer best for realiseringen av en idé. Selv om minimalisme kan ha sidelagt abstrakt kunst på 1970-tallet, har abstraksjon kommet tilbake i forkant av mange kunstneres praksis. Samtidsabstrakte malere drar nytte av den åpne sinnsstemningen til sine forgjengere. Abstraksjon fortsetter å knytte oss til noe som objektiv virkelighet ikke kan forklare; noe dypt inne i oss som strekker seg utover synlig virkelighet.

Utvalgt bilde: Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarell, 1910, foto via Wikipedia

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.

Av Phillip Barcio