Hvem er redd for Jackson Pollock?

Jeg maler ikke natur. Jeg er natur. - Jackson Pollock

En måte å bedømme et kunstverks kraft på, er å måle hvor mange mennesker som raser mot det. Hat, avsky, forvirring og sinne er primale følelser. For å vekke slike følelser hos mennesker, for virkelig å opprøre dem, må et kunstverk knytte seg til noe personlig.

Siden forhistoriske hulemalere laget sine første merker, har få malere inspirert så konsekvent opprør som Jackson Pollock. Spesielt Pollocks over 60 år gamle, gestural abstrakte malerier (også kjent som sprutmalerier, aksjonsmalerier eller dryppmalerier) forblir noen av verdens mest kontroversielle kunstverk, samtidig hatet og elsket.

Hvordan føles det for deg?

Stå i en time foran et verk som Pollocks "Number 1A, 1948," et 68" x 8' 8" dryppmaleri, og du kan føle at du lytter inn på en gruppeterapisession. Seere sier: "Jeg kunne ha gjort det," eller "Min 6-åring kunne ha gjort det,". Noen sier: "Kaller du dette kunst?" eller, "Er dette en spøk?" eller erklærer: "Det er grusomt!" Andre igjen finner verket vakkert, mediterende, transcendent eller dypt. Det får til og med noen til å gråte.

Folk ser seg selv i "Nummer 1A, 1948." Det, og mange av Pollocks andre aksjonsmalerier, fremkaller ikke bare en følelsesmessig respons; de er legemliggjøringen av følelser. Når de blir konfrontert med dem, føler seerne noe. Det er derfor Pollock, 60 år etter hans død, fortsatt er en av historiens mest innflytelsesrike og omtalte kunstnere.

Jackson Pollock - Nummer 1A, 1948. Olje- og emaljemaling på lerret, 68″ x 8’8″. Museum of Modern Art, New York. Kjøp. © 2013 Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York

Hvorfor gjorde han det?

New Yorks MoMA har for tiden en utstilling av deres betydelige Jackson Pollock-samling. "Jackson Pollock: A Collection Survey, 1934–1954," varer til 1. mai 2016. Utstillingen utforsker kunstnerens utviklende stil, som begynner med hans mer figurative tidlige verk og kulminerer med de transformative gesturmaleriene som han ble berømt (eller beryktet, avhengig av hva du føler).

Den definerende essensen av abstrakt kunst, det som gjorde det til et avvik fra tidligere metoder, er at det i stedet for å forsøke å presentere et bilde av noe gjenkjennelig, som et objekt eller et landskap eller en menneskelig figur, forsøkte å skape nye bilder som ville inspirere en følelsesmessig respons fra betrakterne. Abstrakt ekspresjonisme, påvirket av surrealisme og psykologien etter andre verdenskrig, utvidet dette målet, med håp om ikke bare å inspirere en følelsesmessig respons fra betrakterne, men også å påvirke dem på et underbevisst, ubevisst eller primalt nivå.

Jackson Pollock - Uten tittel (Dyr og figurer), 1942. Gouache og blekk på papir. 22 1/2 x 29 7/8" (57,1 x 76 cm). Mr. og Mrs. Donald B. Straus Fond. MoMA Samling. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Hvordan gjorde de det?

Abstrakt ekspresjonister benyttet en rekke teknikker for å finne det skjulte, totemiske bildene de håpet ville knytte seerne til deres underbevisste selv. Ved å bruke ulike metoder og medier, engasjerte de seg i personlige, lidenskapelige forsøk på å manifestere primordiale bilder og overføre dem til lerret. Pollocks ikoniske spruteteknikk var så vellykket i å oppnå abstrakt ekspresjonistiske mål at den ble emblematiske for bevegelsen. Så integrert var det i den offentlige forståelsen av abstrakt ekspresjonisme, Gestural Abstraction brukes ofte om hverandre for å beskrive stilen.

Pollocks metode innebar å kaste, sprute og helle lag med tynn maling på lerretet. Når han brukte pensler eller pinner, svevde han verktøyet litt over lerretet i stedet for å komme i kontakt. Hans ubegrensede fysiskhet var avgjørende for det ferdige produktet. Han jobbet ikke bare med materialer, men også med krefter, som tyngdekraft, momentum og hjerte. Action painting tilbyr en måte å bryte fri fra begrensende forestillinger om bildeproduksjon. Det var ikke den eneste teknikken som ble brukt av første generasjons abstrakte ekspresjonister, men det ble den mest varige og gjenkjennelige.

Jackson Pollock- Flammen, ca. 1934-38. Olje på lerret montert på fiberplate. 20 1/2 x 30" (51,1 x 76,2 cm). Enid A. Haupt-fond. MoMA-samlingen. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Tidens herjinger

Da New Yorks MoMA forberedte seg til sin nåværende Pollock-retrospektiv, begynte museet den tidkrevende prosessen med å restaurere flere av verkene. Siden tidlig på 1970-tallet hadde den eneste vedlikeholdet som var utført på dem vært sporadisk støvtørking. Restaureringen av tre av verkene, "Echo," "One," og "Number 1A, 1948," tok teamet rundt 18 måneder å fullføre. Arbeidet begynte med en nøye prosess med å rengjøre malerienes overflater. Deretter ble de eksponerte områdene av lerret analysert for skader og metikuløst restaurert. Så ble malingslagene analysert og sammenlignet med tidligere bilder og beretninger om verkene. Der det var tap av maling, ble disse områdene systematisk tatt hånd om. Til slutt ble strekkene støttet og reparert.

Restaureringen av verkene brakte dem tilbake til en tilstand av livlighet og glans. De besitter en enorm energi, som reiser spørsmål om hvordan det må ha vært å se dem nye. Å møte hans restaurerte aksjonsmalerier gjentar hvorfor Pollock forblir så kontroversiell og så populær. Disse kunstverkene får oss ikke bare til å føle noe. De knytter oss til noe inni oss selv, noe både gammelt og moderne. De antyder hva vi er laget av, og hva vi kanskje ennå kan bli. De er kaotiske og grusomme og kompliserte og lagdelte og vakre, akkurat som oss.

Fremhevet bilde:Jackson Pollock - Stenografisk figur, 1942. Olje på lin. 40 x 56" (101,6 x 142,2 cm). Mr. og Mrs. Walter Bareiss Fond. MoMA Samling. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.