Hvem er redd for Jackson Pollock?

Jeg maler ikke naturen. Jeg er naturen. - Jackson Pollock

En måte å bedømme et kunstverks kraft på, er å måle hvor mange som raser mot det. Hat, avsky, forvirring og sinne er grunnleggende følelser. For å vekke slike følelser hos mennesker, for virkelig å opprøre dem, må et kunstverk knytte an til noe personlig.

Siden forhistoriske hulemalere satte sine første merker, har få malere inspirert så vedvarende opprør som Jackson Pollock. Spesielt Pollocks over 60 år gamle, gestiske abstrakte malerier (også kalt sprutemalerier, handlingsmalerier eller dryppemalerier) er fortsatt noen av verdens mest omstridte kunstverk, samtidig hatet og elsket.

Hvordan Får Det Deg Til Å Føle Deg?

Stå en time foran et verk som Pollocks «Number 1A, 1948», et dryppemaleri på 68" x 8' 8", og du kan føle at du lytter til en gruppeterapitime. Besøkende sier: «Det kunne jeg ha gjort,» eller «Min seksåring kunne ha gjort det.» Noen sier: «Kaller dere dette kunst?» eller «Er dette en spøk?» eller erklærer: «Det er fryktelig!» Andre finner verket vakkert, meditativt, opphøyet eller dypt. Det får til og med noen til å gråte.

Folk ser seg selv i «Number 1A, 1948». Det, og mange av Pollocks andre handlingsmalerier, vekker ikke bare en følelsesmessig reaksjon; de er selve legemliggjøringen av følelse. Når man møter dem, føler betrakteren noe. Derfor er Pollock, 60 år etter sin død, fortsatt en av historiens mest innflytelsesrike og omtalte kunstnere.

Jackson Pollock - Number 1A, 1948. Oljemaling og emaljemaling på lerret, 68″ x 8’8″. Museum of Modern Art, New York. Kjøpt. © 2013 Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York

Hvorfor Gjorde Han Det?

New Yorks MoMA viser for tiden en utstilling av sin omfattende Jackson Pollock-samling. «Jackson Pollock: A Collection Survey, 1934–1954» varer til 1. mai 2016. Utstillingen utforsker kunstnerens utviklende stil, fra hans mer figurative tidlige arbeider til de transformative gestiske maleriene som gjorde ham berømt (eller beryktet, avhengig av hva du mener).

Abstrakt kunsts kjennetegn, det som skilte den fra tidligere metoder, er at den i stedet for å forsøke å fremstille et gjenkjennelig bilde, som et objekt, et landskap eller en menneskefigur, søkte å skape nye bilder som skulle vekke en følelsesmessig reaksjon hos betrakterne. Abstrakt ekspresjonisme, påvirket av surrealisme og psykologien etter andre verdenskrig, utvidet dette målet ved å håpe ikke bare å vekke en følelsesmessig reaksjon, men også å påvirke på et underbevisst, ubevisst eller grunnleggende plan.

Jackson Pollock - Uten tittel (Dyr og figurer), 1942. Gouache og blekk på papir. 22 1/2 x 29 7/8" (57,1 x 76 cm). Mr. and Mrs. Donald B. Straus Fund. MoMA-samlingen. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Hvordan Gjorde De Det?

Abstrakte ekspresjonister brukte ulike teknikker for å finne det skjulte, totemiske bildet de håpet ville knytte betrakterne til deres underbevisste selv. Ved å bruke forskjellige metoder og materialer, engasjerte de seg i personlige, lidenskapelige forsøk på å gi form til urgamle bilder og overføre dem til lerret. Pollocks ikoniske spruteteknikk var så vellykket i å nå målene for abstrakt ekspresjonisme at den ble et symbol for bevegelsen. Den var så sentral for folkets forståelse av abstrakt ekspresjonisme at gestisk abstraksjon ofte brukes om hverandre for å beskrive stilen.

Pollocks metode besto i å helle, sprute og dryppe lag med tynn maling på lerretet. Når han brukte pensler eller pinner, holdt han verktøyet litt over lerretet i stedet for å berøre det. Hans frie kroppslige bevegelse var avgjørende for det ferdige verket. Han arbeidet ikke bare med materialer, men også med krefter som tyngdekraft, bevegelse og hjerte. Handlingsmaling gir en måte å bryte fri fra snevre forestillinger om billedskapning. Det var ikke den eneste teknikken som ble brukt av første generasjon abstrakte ekspresjonister, men det ble den mest varige og gjenkjennelige.

Jackson Pollock- The Flame, ca. 1934-38. Oljemaling på lerret montert på fiberplate. 20 1/2 x 30" (51,1 x 76,2 cm). Enid A. Haupt Fund. MoMA-samlingen. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Tidens Herjinger

Da New Yorks MoMA forberedte sin nåværende Pollock-retrospektiv, startet museet den tidkrevende prosessen med å restaurere flere av verkene. Siden tidlig på 1970-tallet hadde det eneste vedlikeholdet vært sporadisk støvtørking. Restaureringen av tre av verkene, «Echo», «One» og «Number 1A, 1948», tok rundt 18 måneder å fullføre. Arbeidet begynte med en nøye rengjøring av malerienes overflater. Deretter ble de eksponerte lerretsområdene analysert for skader og omhyggelig restaurert. Så ble malingslagene analysert og sammenlignet med tidligere bilder og beskrivelser av verkene. Der det var tap av maling, ble disse områdene systematisk tatt hånd om. Til slutt ble rammene støttet og reparert.

Restaureringen brakte verkene tilbake til en tilstand av livfullhet og glans. De har en enorm energi, og reiser spørsmål om hvordan det må ha vært å oppleve dem som nye. Å møte hans restaurerte handlingsmalerier understreker hvorfor Pollock fortsatt er så kontroversiell og så populær. Disse kunstverkene får oss ikke bare til å føle noe. De knytter oss til noe inni oss selv, noe både gammelt og moderne. De antyder hva vi er laget av, og hva vi ennå kan bli. De er kaotiske og fryktelige og kompliserte og lagdelte og vakre, akkurat som oss.

Fremhevet bilde: Jackson Pollock - Stenographic Figure, 1942. Oljemaling på lin. 40 x 56" (101,6 x 142,2 cm). Mr. and Mrs. Walter Bareiss Fund. MoMA-samlingen. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål