"De gjør abstraksjon - Et intervju med Pompidou-sjefkurator Christine Macel"

Centre Pompidou vil skrive historie denne sommer med Elles font l’abstraction – den mest omfattende forklaringen noensinne på kvinnenes bidrag til utviklingen av abstrakt kunst. Pompidous sjefskurator Christine Macel samlet mer enn 500 verk av 106 kunstnere til utstillingen. Langt fra bare å fylle gallerier med kunst, benyttet Macel denne anledningen til å vise hva en kurators rolle virkelig er – kuratorer skriver, og på sitt beste korrigerer, kunsthistorien. Dusinvis av kunstnerne hun valgte ut vil være kjent for publikum. Mange andre vil være helt nye, selv for eksperter på feltet. Det skyldes at Macel og hennes team har gjort det utrolig krevende arbeidet med å oppdage og sette søkelys på kvinnelige stemmer fra hele verden som, til tross for sitt geni og sin innflytelse, har blitt utelatt fra den kunsthistoriske kanon. Utstillingen og støttende dokumentasjon – inkludert tekster, filmer og foredrag – spenner fra 1860-tallet til 1980-tallet og vil for alltid endre vår forståelse av abstraksjonens utvikling som et plastisk språk. Etter mitt nylige intervju med Macel har jeg kommet til å tro at dette bare er begynnelsen. Vår samtale følger nedenfor.

Takk for at du snakker med oss, Christine. Jeg har vært fan av arbeidet ditt siden du kuraterte Venezia-biennalen i 2017. Er Elles font l’abstraction det mest ambisiøse institusjonelle forsøket du kjenner til for å på riktig vis anerkjenne det internasjonale bidraget fra kvinnelige abstrakte kunstnere?

Ja, absolutt. Det er derfor jeg bestemte meg for å gjøre denne forskningen og utstillingen. Det var tydelig en prosess med usynliggjøring av kvinnelige kunstnere i abstraksjonens historiografi.

Hva var den største utfordringen med å få denne utstillingen til Centre Pompidou?

Låneprosessen og budsjettspørsmål, samt pandemisituasjonen. Men jeg må si at det var en utrolig støtte fra museer og private samlere over hele verden, samt sponsorer. Midt i pandemien kunne jeg stole på støtten fra Van Cleef and Arpels, Luma Foundation, Friends of the Pompidou, osv., som var avgjørende for å realisere dette prosjektet. Ikke å forglemme samarbeidet med Guggenheim Bilbao, som var helt avgjørende for denne utstillingen. Mange kunsthistorikere og forskere har også vært svært støttende. Først og fremst Griselda Pollock, som er en av de mange forfatterne av katalogen og vår æresgjest under symposiet med Aware-foreningen. Kunstnerne selv var også veldig entusiastiske. Det ga et stort energiløft! Jeg hadde gode samtaler med Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud og Jessica Stockholder, for å nevne noen få.

Disse fire kunstnerne har særlig så forskjellige visuelle språk. Det er forfriskende å se det utrolig brede spekteret av visuelle uttrykk som er representert i denne utstillingen.

Mitt mål er å åpne definisjonen av de medier som berøres av abstraksjon, i tråd med kunstnernes egne posisjoner. Åndelighet, dans, dekorativ kunst, fotografi og film har vært en del av denne historiografien. Jeg vil også understreke hver kunstner som særegen og original.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Med tillatelse fra Caland-familien. Foto Elon Schoenholz, med tillatelse fra Caland-familien

Hva vil du si er tonen du ønsker å sette med denne utstillingen?

En eksplosjon av glede og lyst; en beundring og respekt for alle disse kunstnerne; en bevissthet om den lange veien foran oss for virkelig å utdype denne historien.

Så mange kunstnere i denne utstillingen har aldri mottatt riktig beundring og respekt. Er det fortsatt en fremmedgjørende opplevelse å være kvinnelig abstrakt kunstner i dag?

Nei, i dag er vi ikke i en situasjon av fremmedgjøring, men av åpenhet, oppdagelse og gjenoppdagelser. Døren står vidåpen, og mange museer, kunsthistorikere og unge forskere arbeider for å skape en annen fremtid.

Du kunne utvilsomt ha inkludert mange flere kunstnere i denne utstillingen. Hvordan begrenset du utvalget?

Det er en så kompleks prosess at jeg ikke kan beskrive den med få ord. Tilgjengelighet av verkene, transportkostnader, plassbegrensninger osv. er også en del av det endelige resultatet. Men jeg har fått til en stor del av det jeg ønsket å gjøre.

Georgiana Houghton - Album of Spirit Art, 1866-84. Bilde med tillatelse fra The College of Psychic Studies, London

Var du redd for å utelate noen avgjørende?

Det er mindre en frykt enn en viss tristhet, et savn, noen ganger, over å måtte velge. Utelatelse er alltid en del av jobben, siden historien alltid er en delvis fortelling. Denne bevisstheten om den totale fortellingens umulighet er noe som ligger i kjernen av forskning generelt. Kunsthistorien er alltid uferdig og omskrevet. Ingenting er definitivt, bare et forslag.

Du var åtte år gammel da du først besøkte Centre Pompidou. Hvordan ville oppfatningen din som barn ha vært annerledes om Elles font l’abstraction hadde vært utstillingen som sto på den gangen?

Det ville vært en helt annen tilnærming. Det tok tid å innse hvordan kunsthistorien var dominert av mannlige kunsthistorikere og kunstnere. Jeg husker tydelig kunstnerne jeg oppdaget da jeg var barn og besøkte Pompidou: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, alle menn! Men som ungdom var jeg veldig opptatt av kvinnelige forfattere: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Jeg husker også at jeg leste Shere Hite, som sto på samme hylle som Freud på folkebiblioteket! Derfor bestemte jeg meg kanskje som student for å skrive oppgaven min om Rebecca Horn og oversette alle filmene hennes fra tysk til fransk.

For å omformulere spørsmålet du stilte i 2017 som leder for den visuelle kunstsektoren ved Venezia-biennalen: Hva betyr det å være kvinnelig abstrakt kunstner i dag?

Egentlig burde det riktige være å være kunstner "rett og slett". Vi er nå over essensialismen, forhåpentligvis. Jeg har aldri tenkt på meg selv som en «kvinnelig kurator». Som jeg pleide å si, har ingen spurt Okwui Enwezor om han var far eller gift under intervjuene som leder for Venezia-biennalen. Jeg syntes det var veldig irriterende alltid å bli spurt om kjønn og såkalt situasjon som «kvinne», i stedet for om arbeidet mitt. Vi trenger fortsatt mye forskning og utstillinger for å komme dit også for «kvinnelige kunstnere». Men døren står nå vidåpen, og det blir ingen tilbakegang takket være den yngre generasjonen kunststudenter.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Joan Mitchells bo © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Så hele karrieren din har du fortalt en mer fullstendig historie. Men abstraksjon handler ikke så mye om å fortelle historier som om å utfordre oppfatning. Signalerer denne utstillingen nå at du mener vår generasjon trenger å vende tilbake til mer esoteriske sysler?

Nei, det ville jeg ikke si. Men i en tid hvor folk lever med virtuell virkelighet og bilder, i en parallell verden, for det meste figurativ, føler jeg at tilstedeværelsen av abstrakt kunst leder oss inn i en annen sfære. Den forteller oss om noe som er forankret både i våre kognitive og åndelige dimensjoner. Du kan føle veldig presist hva et abstrakt verk forteller deg, om det for eksempel er materialistisk eller transcendentalt, om det er morsomt eller taktilt, uten ord. Det er litt som musikk. Oppfatningen er nok til å forstå poengene, og til og med å føle hvem kunstneren bak er. I en tid hvor kunsten noen ganger er for tungt lastet med forklaringer og parallelle diskurser, elsker jeg å være med verk som «snakker» for seg selv.

Vår takk til Christine Macel for at hun gav IdeelArt dette intervjuet. Elles font l’abstraction vises 5. mai – 23. august 2021 ved Centre Pompidou i Paris.

Fremhevet bilde: Hilma Af Klint - Svanen, nr. 16, Gruppe IX/SUW, 1915. Med tillatelse fra Hilma af Klint-stiftelsen. Foto: Moderna Museet, Stockholm
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Intervju av Phillip Barcio