Følge kurvene til Tony Craggs skulptur
Verker av den anerkjente britiske abstrakte kunstneren Tony Cragg vises denne sommeren på Houghton Hall, et praktfullt britisk herregård som for tiden bebos av David George Philip, den 7. markis av Cholmondeley. Typisk for britisk adel er Lord Cholmondeley hvit, velstående og har arvet sin status. Utypisk er han en profesjonell filmskaper, noen vil si en kunstner. Den nåværende utstillingen på hans forfedres Houghton Hall er den siste i en serie Lord Cholmondeley startet i 2013, med en hjemkomstutstilling av malerier hans forfar Sir Robert Walpole solgte til den russiske keiserinne Katarina den store i 1779. I 2015 ble lys- og romkunstneren James Turrell invitert til å lage en stedsspesifikk installasjon på Houghton Hall, som ble godt mottatt. Richard Long overtok huset og området i 2017, og integrerte sine verk vakkert i omgivelsene i en sublim symbiose av kunst, land og arkitektur. I 2018 satte Damien Hirst opp en fullstendig absurd utstilling på eiendommen, som på en vidunderlig måte matchet det absurde ved dette forfedremonumentet over elitisme og ulikhet. Et utvalg verk av Henry Moore fylte elegant lokalet i 2019. Så i 2020 aktiverte Anish Kapoor huset og området med verk som utstrålte en hjemsøkende vakker, fremmedartet harmoni. For den nåværende Houghton Hall-utstillingen sendte Cragg over en rekke førsteklasses verk fra sitt tyske atelier, noen laget spesielt for anledningen. Likevel, til tross for min beundring for Cragg og disse verkene, er denne utstillingen min minst favoritt i serien så langt. Poesien i tidligere utstillinger lå i hvordan verkene fylte området, ofte med en følelse av at kunsten alltid hadde vært der. Disse Cragg-skulpturene, så flotte som de er, føles som om de bare vises her, plassert på korte sokler som de ville vært i en hvilken som helst annen galleri eller hage. Deres forhold til de nøyaktige omgivelsene virker verken uunngåelig eller gjennomtenkt. Jeg antar at svakheten skyldes de uheldige begrensningene ved internasjonale pandemisamarbeid. Jeg angrer likevel på at den lange historien med avantgardistiske konsepter og metoder som Cragg er kjent for, ikke fikk en mer passende presentasjon.
En naturlig kunstner
De tidligste verkene jeg husker å ha sett av Cragg er en serie steinstabler han laget på slutten av 1960-tallet. På bildene jeg så, ser de akkurat ut som det vi alle har sett utallige ganger mens vi har gått langs stranden: små steiner forsiktig stablet oppå hverandre for å danne en søyle. Cragg var den første samtidskunstneren jeg kjenner til som stablet steiner ute i naturen og kalte det skulptur, og hans stabler befinner seg fortsatt i et merkelig og lunefullt mellomrom mellom Land Art, konseptkunst, performancekunst og lek. Det som gjør dem spesielle er at Cragg ikke bare var interessert i steinene – han prøvde å forstå kreftene som steinstablene samarbeidet med mens de ble det han ønsket at de skulle være. Noen av disse kreftene, som tyngdekraft og masse, er naturlige. Andre, som hensikt og begjær, er utvilsomt menneskelige. Jeg ser i disse tidlige verkene en kunstner som undrer seg over hva forskjellen er mellom naturlige og menneskeskapte materialer; naturlige og menneskeskapte prosesser; og naturlige og menneskestyrte resultater.
Tony Cragg - Mean Average, 2018. Glassfiber. 620 x 261 x 237. Foto: Michael Richter. © Tony Cragg. Med tillatelse fra Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg
Cragg undersøkte videre de samme ideene i flere andre verkserier over flere tiår, før han nådde det folk nå anser som hans modne estetiske uttrykk. Han eksperimenterte med en rekke materialer, fra naturlige elementer som jord og sand, til isopor og funnet plast. Han arbeidet i flere medier, inkludert fotografi, installasjon, tegning og maleri. Underveis ble skulptur hans hovedmedium, og han utviklet en unik evne til å gjenkjenne øyeblikkene når hans skulpturprosess resulterte i gjenstander som overskred det vanlige; når verket nådde et øyeblikk av perfekt balanse mellom naturens ånd og kunstnerens vilje. Den modne skulpturstilen som vises denne sommeren på Houghton Hall uttrykker denne merkelige balansen gjennom biomorfe, abstrakte former som virker delvis som huleformasjoner, delvis som surrealistiske mareritt og delvis som utenomjordiske obduksjoner.
Tony Cragg - Migrant, 2015. Bronse. 220 x 150 x 147. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Med tillatelse fra Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg
På jakt etter harmoni
De nyeste verkene han lager viser Cragg på nye høyder i sin skulpturkarriere. De uttrykker ideer som kraften i bølgeformer, uuttømmelig mangfold og ukontrollert vekst – elegante, og noen ganger skremmende abstrakte uttrykk for våre nåværende bekymringer. Det naturlige utseendet til disse skulpturene gjør dem mer urovekkende, ettersom betrakterne kjemper med vissheten om at selv om vi er en del av naturen, er vi i krig med den, og med oss selv. Cragg er imidlertid knapt en økolog i tradisjonell forstand. Han vokste opp i en tid da økologibevegelsen nettopp var i startfasen, men i motsetning til mange av sine jevnaldrende omfavnet han ideen om å bruke plast og andre forurensende materialer i sin praksis. Når jeg ser på hans verk, har jeg aldri fått inntrykk av at han anser menneskelig innblanding i naturen som grunnleggende negativ. I stedet ser jeg hans arbeid som et uttrykk for potensialet for noe harmonisk som kan oppstå fra vår tilstedeværelse i det biologiske riket.
Tony Cragg - Ferryman, 2001. Bronse. 385 x 190 x 120. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Med tillatelse fra Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg
Å klage over en mulighet til å se kunst mens mesteparten av verden fortsatt er nedstengt føles smålig, men jeg føler at den nåværende utstillingen av flere dusin av hans verk på Houghton Hall kanskje ikke er den mest vellykkede oversikten over hva Cragg så langt har bidratt med til samtidskunsten. Igjen, dette skyldes sannsynligvis bare at det ble hastet gjennom. Teoretisk sett kunne dette stedet vært unikt perfekt som arena for å vise hans verk, siden det er ladet med flere sympatier som ligger tett opp til de ideene Cragg arbeider med, som kolonisering, maktstrukturer og manipulering av naturen. Kanskje om Lord Cholmondeley bare hadde utsatt Cragg-utstillingen til kunstneren personlig kunne ha tilbrakt mer tid med miljøet, og svart mer intimt på dets særegne visuelle og materielle tilstedeværelse, kunne utstillingen ha vist verkets fulle dybde og poesi på en mer passende måte.
Forsidebilde: Tony Cragg - It is, It isn't, 2014. Rustfritt stål. 310 x 100 x 122. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Med tillatelse fra Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg
Av Phillip Barcio
