Giorgio de Chirico og maleriene som ikke kan sees

Er erfaringer konkrete? Kan følelser manifestere seg? Hva finnes utenfor det observerbare universet? I 1911, da Giorgio de Chirico malte de første eksemplene på Pittura Metafisica, eller Metafysisk Maleri, var dette noen av spørsmålene han forsøkte å konfrontere. Som så mange av sine samtidige, var De Chirico intimt klar over at det vestlige samfunnet var i ferd med å transformeres på monumentale og ustoppelige måter. I stedet for å male objektive representasjoner av den foranderlige verden, valgte han i stedet å forsøke å uttrykke følelsene til dem som befant seg der. Han var fascinert av hvordan, når de står overfor det ukjente, finner folk trøst i det mystiske, det mysteriøse og det ekstreme. Mens historien raskt ble slukt av en grådig fremtid, ønsket De Chirico å skildre det som ikke kunne sees: de indre livene til tidens ensomme, forvirrede vitner. For å gjøre det sto han overfor en stor utfordring: hvordan visualisere det som ikke er synlig. Inspirert av arbeidet til 1800-tallets symbolister, frigjorde De Chirico seg fra byrden av det virkelige og fant trøst i det symbolske, det uhyggelige og det abstrakte. Som han skrev på baksiden av sitt selvportrett malt i 1911, “Hva skal jeg elske hvis ikke gåten?”

Symbolistenes oppgang

Få vet hvordan det føles å leve i det franske kaller fin de siècle, eller slutten av en epoke. I dag er vi så mange, og ting endrer seg så raskt at et sted i verden skjer slutten av en epoke hver dag. Man kan hevde at den siste gangen menneskelig sivilisasjon opplevde en felles fin de siècle var på slutten av 1800-tallet. Det var en tid da enestående fremskritt skjedde samtidig innen industri, teknologi, krigføring, matproduksjon, medisin, transport, kommunikasjon, vitenskap, utdanning og kultur. Så mange radikale endringer skjedde på en gang at det rev menneskeheten ut av sin egen selvforståelse. Fremtiden fikk fortiden til å virke utdatert, noe som fundamentalt forvandlet måten mennesker så på seg selv, hverandre og den fysiske verden.

I flere tiår frem til denne globale fin de siècle, var den generelle stemningen blant de fleste mennesker ikke god. Folk var pessimistiske og redde. Disse ekstreme følelsene manifesterte seg i form av en kulturell bevegelse kjent som Symbolistisk Kunst. I ordene til den franske symbolistiske poeten Stéphane Mallarmé, var målet til symbolistene, “å skildre ikke tingen, men effekten den produserer.” Symbolistiske malerier er stemningsfulle og representerer ekstreme synspunkter. Betraktere blir ofte overveldet av følelsene de formidler. Deres emne er irrelevant. Det som betyr noe er hvordan de får folk til å føle.

Giorgio de Chirico - Timegåten, 1911. Privat samling

Giorgio De Chirico i München

I 1988, da Giorgio De Chirico ble født, var fin de siècle i full gang. De Chirico ble født i Hellas av italienske foreldre. Da Giorgio var 17 år, døde faren hans. Året etter flyttet Giorgio til München og meldte seg på kunstklasser. Han studerte klassiske maleteknikker og leste filosofi, spesielt verkene til Arthur Schopenhauer, som mente at menneskelig atferd er bestemt av et forsøk på å oppfylle ukjente ønsker basert på metafysisk angst. Også mens han var i München, ble De Chirico kjent med de uhyggelige maleriene til symbolisten Arnold Böcklin, som adresserte moderne frykt og angst med klassisk bildebruk og ikonografi.

De Chirico flyttet til Italia etter skolen. Mens han bodde i Milano, Firenze og Torino, ble han konfrontert med de sterke kontrastene mellom Italias gamle arkitektur og dens moderniserende kultur. Han beskrev hvordan den metafysiske kvaliteten i miljøet fylte ham med en overveldende følelse av melankoli. I 1910, mens han var i Firenze, uttrykte han den følelsen gjennom en serie innovative og høystiliserte malerier, inkludert The Enigma of an Autumn Afternoon og The Enigma of the Oracle. Det sterke lyset, isolerte figurer og blandingen av moderne og klassisk ikonografi ble en integrert del av De Chiricos signaturstil, som senere skulle bli kjent som Metafysisk Maleri.

Giorgio de Chirico - Oraklets Enigma, 1911. Olje på lerret.

Å gjøre det usynlige synlig

Hva forsøkte De Chirico å formidle med sine "enigma" malerier? De isolerte statuene, de mørke gardinene som skjuler deler av bildet, figurene med ryggen til, de harde forskjellene mellom skygge og lys. Dette er bilder av en verden full av relikvier og mysterier, av mystiske hemmeligheter fra fortiden. De er bilder av private øyeblikk fulle av ukjente bekymringer. Selv om de er figurative, er disse bildene rikt symboliske. I stedet for å forsøke å klargjøre, abstraherer de gladelig fakta, uklare budskapet, og gjør innholdet ikke-tolkbart bortsett fra stemningen.

Gjennom årene la han til flere abstrakte symboler som ytterligere forvirrer betydningen av bildene hans, samtidig som de øker følelsen av melankoli og stemning. Han la til et gjentakende bilde av et tog, alltid i det fjerne, alltid som puster ut små røykskyer mens det passerer forbi. Han la til klokker, et sånt symbol på lengsel ettersom øyeblikk, som ensomme tog og seilskip, passerer forbi. Og så er det tårnene, alene som ser ut over landskapet, deres ensomme synspunkter objektivisert og marginalisert mens de glir inn i avstanden. Bildene er uhyggelige—kjente og likevel ukjente—som drømmer.

Giorgio de Chirico - Kjærlighetens sang, 1914. Olje på lerret. 28 3/4 x 23 3/8" (73 x 59,1 cm). Museum of Modern Art (MoMA) samling. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Roma

Symbolikken utvidet

I 1911 flyttet De Chirico til Paris, hvor han opplevde stor interesse for sin unike nye stil. Arbeidet hans ble inkludert i flere store utstillinger, og han fanget blikket til den innflytelsesrike kunstkritikeren Guillaume Apollinaire, som hjalp ham med å skaffe en kunsthandler. Men i 1915, da første verdenskrig brøt ut, returnerte De Chirico til Italia, som så mange andre europeiske kunstnere som ble tvunget til å returnere til hjemlandet for å kjempe. Selv om dette kunne ha ødelagt hans fremdrift, opplevde han en mystisk skjebnesvanger vending. Ansett som fysisk uegnet for kamp, ble De Chirico stasjonert for å arbeide på et sykehus. Der møtte han maleren Carlo Carrà, en maler som delte De Chiricos abstrakte, symbolske visjon.

Carràs selskap førte til en dypere avhengighet av abstrakt symbolikk hos De Chirico. Maleriene hans begynte å inkludere enda mer drømmeaktige bilder, noe som bidro til et stadig mer uhyggelig visuelt språk. Naturen til disse nye bildene var helt relevant for omstendighetene som hadde forårsaket den store krigen. Så mange ble etterlatt, fortvilet vandrende gjennom den øde, ensomme arkaden fra fortiden, uten mål og uten retning. De Chirico tok opp temaer som kjærlighet, inspirasjon og spøkelser, og plasserte merkelige arrangementer av materielle objekter på sterkt belyste steder, og skapte en estetisk menagerie preget av forvirring og tap av identitet.

Giorgio de Chirico - De urolige musene, 1916 - 1918. Privat samling

Innflytelse på surrealistene

I årene etter krigen ble De Chiricos visjon bredt omfavnet, og hans berømmelse økte raskt. Likevel anså han sin stil som umoden. Så i 1919 bestemte De Chirico seg for å forlate metafysisk maleri. I sitt essay Håndverkets tilbakekomst, kunngjorde han sin hensikt om objektiv ikonografi og klassiske emner.

Ironien i De Chiricos timing var at bare ett år senere ville den surrealistiske forfatteren André Breton se et av maleriene hans, Barnets hjerne, henge i et gallerivindu. Det tilfeldige møtet ville deretter føre til at en hel generasjon unge malere, inkludert Salvador Dalí og René Magritte, ble interessert i De Chiricos arbeid. Disse malerne, som skulle bli kjent som surrealistene, ble inspirert av den drømmeaktige kvaliteten i disse maleriene og måten de tapte inn i den abstrakte estetikken til det underbevisste.

Giorgio de Chirico - Barnets hjerne, 1917. Olje på lerret. Nationalmuseum, Stockholm, Sverige

Den samtidige metafysiske arven

I tillegg til å skape en unikt fengslende stil, etterlot De Chiricos forsøk på å male "det som ikke kan sees" en sti av estetiske smuler. Vi kan følge den når vi ønsker å vende tilbake til våre primordiale symbolske røtter for å konfrontere våre egne spørsmål om essensen av å være, tidens natur eller rommets mysterier, eller når vi er plaget av vår egen daglige følelse av den uendelige fin de siècle. Fordi selv om vi besitter mye mer data om vår verden enn våre tidlige forfedre fra tidlig 1900-tall, gjenstår det fortsatt mye som er usett.

Til tross for våre vitenskapelige fremskritt er vi ikke nærmere enn De Chirico var til å svare på de essensielle spørsmålene i Metafysikk, som: "Hva betyr det å eksistere?" Vi har ikke besvart spørsmålet om vi bare er legemer eller om sjelen eksisterer, og hvis den gjør det, om alle ting har en sjel eller om det bare er levende ting som har det. Men takket være kunstnere som De Chirico har vi modeller for integrering av symbolikk, kunst og mysterium med livene våre. Vi kan fortsatt være de ensomme, forvirrede vitnene til tiden, men vi er i det minste kanskje nærmere å akseptere vår iboende metafysiske tvetydighet, slik at vi kanskje kan lære å elske, i stedet for å frykte, de varige mysteriene i vår eksistens.

Fremhevet bilde: Giorgio de Chirico - Gåten om en høstettermiddag, 1910
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio