Hvordan tegning revitaliserte etterkrigs-Amerika - på MoMA
Med at COVID-restriksjonene i New York nå oppheves, lokker flere museumsutstillinger som fikk forlenget åpningstid under pandeminedstengningen. Blant de beste for fans av abstraksjon er Degree Zero: Drawing at Midcentury ved MoMA, en utstilling av 79 for det meste abstrakte tegninger laget mellom 1950 og 1961. Det som gjør denne utstillingen ekstraordinær, er to spørsmål kuratorene reiser, om tegningens natur og verdi som kunstnerisk medium, og om institusjonenes makt til å skape og gjenopprette offisielle versjoner av kunsthistorien. Når det gjelder tegningens verdi som medium, føles innsatsen vanligvis lavere enn for dens toeggede tvillinger, maleri og skulptur. Papir, penner og blyanter er rimelige og lett tilgjengelige sammenlignet med gode malinger, lerret, metall, leire eller stein. Kunstnere anser ofte tegninger som øvelse for andre verk. Ironisk nok fører slike lave forventninger noen ganger til mesterverk ved at tegningen får en frihet som mer planlagte og gjennomtenkte medier motstår. Degree Zero undersøker dette fenomenet på to måter. For det første fokuserer kuratoren på dusinvis av tegninger som tydelig var ment som ferdige – ikke forberedende – verk, som en fantastisk, gul, uten tittel tegning av den sveitsiske kunstneren Sonja Sekula, eller den perfekte «Composition with One Flag» av den italiensk-brasilianske kunstneren Alfredo Volpi. For det andre inkluderer den flere angivelig forberedende arbeider – mest bemerkelsesverdig Ellsworth Kellys tegninger «Study for La Combe II» (1950) og «Study for Window, Museum of Modern Art, Paris» (1949) – som på mange måter er bedre enn de endelige versjonene de gikk forut for. Når det gjelder hva Degree Zero gjør for å adressere institusjoner som MoMAs makt til å skrive og omskrive kunsthistorien, er hele utstillingen i bunn og grunn et forsøk på å rette opp den snevre fortellingen MoMA bidro til i utgangspunktet, at etterkrigskunst i stor grad var en amerikansk, hvit, mannlig affære dominert av abstrakt ekspresjonisme. Hentet helt fra MoMAs faste samling, inkluderer Degree Zero kunstnere av to kjønn fra fem kontinenter, representerer flere rasebakgrunner og inkluderer noen selvlærte kunstnere. Det sletter ikke gamle synder, men vitner i det minste om MoMAs ønske i dag om å begynne å rette opp en brutt fortid.
Tegnerne av tegninger
Kanskje det mest bemerkelsesverdige med Degree Zero er at utstillingen i det hele tatt finnes. Enhver profesjonell tegner vil fortelle deg at grunnen til at tegninger vanligvis har lavere priser enn malerier på både primær- og sekundærmarkedet, er at samlere ofte ikke ser på tegninger som arkivverdige. Mange tegnere investerer faktisk verken tid i å velge kvalitets-papir, forberede overflaten, velge gode medier eller beskytte verket når det er ferdig. Når du kjøper en tegning, må du ofte bruke mye penger på innramming, velge riktig type glass og henge den et sted hvor den ikke blir skadet av vær og vind. Selv når de er riktig laget og beskyttet, forringes tegninger raskere enn malerier. Derfor ender mange tegninger i museumsamlinger opp i flate arkivskuffer i flere tiår, oversett og til slutt glemt. Når de blir gjenoppdaget, er de noen ganger for ødelagte til å reddes.
Norman Lewis - The Messenger, 1952. Kull og blekk på papir. 26 x 30 3/8′′ (66,1 x 77,3 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gave fra Blanchette Hooker Rockefeller © Norman Lewis’ bo; Med tillatelse fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY
På en eller annen måte klarte MoMA ikke bare å samle 79 tegninger fra ett tiår, men nå som de er over 60 år gamle, er mange av disse tegningene fortsatt i usedvanlig god stand. Et fantastisk eksempel er «Untitled (Smoke Drawing)» (1959) av Otto Piene. Kunstneren laget dette verket ved å henge et ark papir på en metallramme over en brennende flamme, slik at røyken brente et sirkulært mønster på papiret. På en eller annen måte er dette sotede papiret fortsatt helt intakt og sublimt uttrykksfullt, 62 år senere. Et annet bemerkelsesverdig eksempel er «The Messenger» (1952), en kull- og blekktegning på papir av Norman Lewis. Dette verket beholder så mye detalj, ømhet og nyanse at det nesten 70 år etter skapelsen fortsatt synes å bære ekkoet av det høflige, ettertenksomme, levende hjertet til denne ekstraordinære kunstneren. Den flotte bevaringen av disse verkene avkontekstualiserer mediet, ikke som noe dømt til å forfalle, men som noe unikt uttrykksfullt for sinnet og kroppen til tegneren som laget det, og som er verdt å beskytte og samle på.
Installasjonsbilde av Degree Zero: Drawing at Midcentury, 1. november 2020–6. februar 2021 ved The Museum of Modern Art, New York. Digitalt bilde © 2020 The Museum of Modern Art, New York. Foto av Robert Gerhardt
Å rette opp historien
Samantha Friedman, assisterende MoMA-kurator for tegninger og trykk, fortjener ekstra ros for hvor godt hun valgte verk som formidler et globalt, flerkjønnet, flerfarget, flerfaglig perspektiv. Likevel er jeg like imponert over hvilken effekt Degree Zero har hatt på min forståelse av de enkelte verkene til noen av kunstnerne i utstillingen. Et par tegninger av Louise Bourgeois fengslet meg fullstendig, og gjentok barnet som lever i voksne, og ga et herlig glimt av den ungdommelige sjelen til denne kunstneren hvis skulpturer jeg finner skremmende og dypt voksne. «Untitled (Florence)» (1952) av Jay DeFeo er det eneste småskalaverket av denne kunstneren jeg noen gang har sett. Dets sjokkerende klarhet og lidenskap brente bildet fast i mitt sinn, sannsynligvis for alltid. En uten tittel, svart-hvitt tegning av Georges Mathieu fra 1958 hevet respekten for denne maleren enda høyere. Jeg hadde alltid vært fan av hans særegne kosmiske abstraksjoner, men å se hva han gjorde her uten hjelp av farge og tekstur beviste hans mesterlighet for meg.
Joan Mitchell - Untitled, 1957. Oljemaling på papir. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49,5 x 44,5 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings Funds © Joan Mitchells bo
Den siste måten jeg føler at Degree Zero «retter» historien på, er i dens vilje til å strekke seg utenfor det som normalt ville bli regnet som en tegning. New City (1953), en akvarell og blekk på papir av Dorothy Dehner, ville normalt bli sett på som et akvarellmaleri, men dens lineære uttrykk antyder at den hører hjemme i denne utstillingen. På samme måte ville et fargerikt, uten tittel verk i pastell av Beauford Delaney normalt bli vist som et maleri, eller bare et verk på papir. Det samme kan sies om det fantastiske uten tittel oljemaleriet på papir av Joan Mitchell fra 1957; et kastet-ball akryl på papir av Saburo Murakami; et blekkavtrykk av Sari Dienes; og kollasjen «2Letters Ms» (1961) av Vera Molnar. Å kategorisere disse verkene som tegninger visker ut definisjoner på en subtil, undergravende måte, og bidrar til den samlede effekten denne utstillingen oppnår ved å utvide opplevelsen av tegning og kunsthistorie til å være mer åpen enn den har vært tidligere.
Utvalgt bilde: Otto Piene - Untitled (Smoke Drawing), 1959. Sot på papir. 20 x 29′′ (51 x 73 cm). The Museum of Modern Art, New York. Kjøpt med midler gitt av Sheldon H. Solow © 2019 Otto Piene / Artists Rights Society (ARS), New York / VG. Bild-Kunst, Tyskland
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
