Jim Hodges gjør New Yorks Grand Central til en abstrakt installasjon

Jim Hodges er en av de sjeldne abstrakte kunstnerne hvis verk klarer å uttrykke de mest urolige sider ved vår tids ånd, samtidig som det uttrykker dens skjønnhet. En ny installasjon av Hodges, med tittelen «I dreamed a world and called it Love», åpnet nylig i Grand Central Station i New York City. Den tar sitt navn, og sin materielle tilstedeværelse, fra en navngitt utstilling i 2016 ved Gladstone Gallerys lokaler i 21st Street i New York. Installasjonen dekker flere flater som strekker seg over mer enn 65 kvadratmeter, og består av mer enn 5 000 separate biter av kuttet glass. Verket deler en materiell tradisjon med glassmaleri. I motsetning til et glassmaleri-vindu, som slipper lys gjennom overflaten, er denne installasjonen montert på ugjennomsiktige flater, noe som fremhever de reflekterende egenskapene til det fargede glasset. Hvordan uttrykker dette verket de mest urolige sidene ved vår tids ånd? Det er brutt opp; noen ganger kaotisk; og ser mer enn litt apokalyptisk ut. Hvordan uttrykker det skjønnheten i dette øyeblikket? Det omfavner bevegelse; dynamikk; glans; og det mobiliserer et regnbuespekter av farger som – i motsetning til de fleste visuelle framstillinger av regnbuer – inkluderer svart og brunt. Paletten roper natur, fra havets og atmosfærens blå til skogens grønne og jordens røde og brune toner. Likevel forteller det kunstige utseendet til stykket oss at det tydelig er et resultat av menneskelig inngripen. Til slutt er det noe åpenbart optimistisk ved denne installasjonen. Den kommenterer ikke til byrden av fakta og data, men til de grunnleggende mulighetene som ligger i skapelsesakten. Den hører ikke til den døende informasjonsalderen, som ærlig talt får meg til å føle meg utmattet og utnyttet, men til den gryende fantasialderen, som lover at alt er mulig.

Å utvide det utvidede feltet

Hvert felt inkluderer visse skitne, vanskelige oppgaver som må gjøres. Folk som begynner med en av disse oppgavene, og senere stiger til toppen, pleier å være mine favoritter, fordi de forstår på et grunnleggende, materiell nivå hva deres yrke handler om. Innen billedkunst er en av disse oppgavene kunsthåndterer: de som pakker, sender og henger opp kunsten vi ser på veggene i gallerier og museer. Kunstnere som jobber som kunsthåndterere lærer viktigheten av håndverk, og forstår bokstavelig talt hvor viktig det er for folk å ha et fysisk forhold til kunst. Etter å ha tatt sin MFA i maleri ved Pratt Institute i Brooklyn, begynte Jim Hodges sin karriere som kunsthåndterer. Han gjorde jobben i bytte mot gratis atelierplass. Mens han pakket, bar og hang opp kunst rundt i New York, forvandlet han seg fra en tradisjonell maler til en kunstner som arbeider innen det utvidede feltet for maleri: et teoretisk univers hvor farge, overflate og komposisjon bryter fri fra lerretet og veggen for å bebo alle flater, alle materialer og alle rom.

Installasjonsbilde, Jim Hodges, I Dreamed a World and Called it Love, ved Gladstone Gallery, New York, 2016

Hans retrospektive utstilling midt i karrieren i 2014, med tittelen «Give More Than You Take» ved Institute of Contemporary Art i Boston, var en oppvisning i hvordan Hodges har brukt de tre tiårene siden de tidlige dagene som kunsthåndterer til å utvide det utvidede feltet. En vegg av brukte servietter, hver prydet med et skjøre bilde av en blomst, viste hvordan et malt bilde på noen måter er uhyggelig og vakkert likt en krypt: en vakker beholder for å holde noe som kanskje en gang var, eller kanskje aldri var. Et tak dekket med hengende, blåst glassklokker, hver malt innvendig med en delikat, pastellfarge, ble mer enn en stedsspesifikk installasjon å gå gjennom. Det fanget og slapp ut det skiftende lyset fra et tilstøtende vindu; det pirret sinnet med løftet om sjarmerende lyder; og hvis en betrakter var dristig og modig nok til å legge seg på gulvet og se opp, forvandlet det seg til en komposisjon av farge og form på en flat overflate – et maleri i et utvidet felt.

Pendlere som passerer Jim Hodges' permanente installasjon I dreamed a world and called it Love ved New Yorks Grand Central Terminal. Bilde med tillatelse fra Gladstone Gallery.

Reflekterende potensial

Da han begynte sin karriere på 1980-tallet, var AIDS-krisen en avgjørende bekymring for Hodges. Han har noen ganger snakket om mangelen på menneskelighet i vårt samfunn, en sentral utfordring som gjorde de verste årene av AIDS-pandemien mye mer dødelige enn de trengte å være. I dag, i vår nåværende pandemi, akkurat som da, nekter vi å se oss selv i andre, og unnlater ofte til og med å erkjenne hva vi selv egentlig er. I mange av sine verk har Hodges uttrykt ideen om menneskelighet, og dens konstante følgesvenn død. Et bilde han ofte påkaller, er et spindelvev – en abstrakt allegori for oss som lever av hverandre, og oss som hjelpeløst er bundet i fangenskapet til våre plager.

Jim Hodges' permanente installasjon I dreamed a world and called it Love ved New Yorks Grand Central Terminal. Bilde med tillatelse fra Gladstone Gallery.

Med sine flytende, biomorfe former er «I dreamed a world and called it Love» i Grand Central Station like forankret i naturen som et spindelvev ville være. Mange som møter det, vil uten tvil skynde seg forbi det som en flue, desperate etter ikke å bli fanget i en oppfattet felle. De som stopper opp og grubler over verket, vil først se det overfladiske ved det – dets plastiske kvaliteter; lys og bevegelse. De kan ane vekten av glasset, et materiale født av jord og ild. Over tid kan de få metafysiske reaksjoner – en urolig følelse av grunnleggende krefter som fremkaller grunnleggende forandring. Enten de stopper opp og blir ettertenksomme på denne måten, eller bare haster forbi, vil alle som ser dette verket i det minste intuitivt forstå dets reflekterende potensial. De vil se seg selv i det. De vil se andre i det. Det er et empatisk kunstverk på den måten – et vitnesbyrd om en kunstner som har brukt mange år på å hjelpe oss å forstå hva det betyr å være menneske.

Utvalgt bilde: Jim Hodges' permanente installasjon I dreamed a world and called it Love ved New Yorks Grand Central Terminal. Bilde med tillatelse fra Gladstone Gallery.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio