Louise Bourgeois Kunst og Reduksjon av Form

For dem som ser abstrakt kunst som en vei mot et mer innadvendt og meningsfylt liv, var Louis Bourgeois legemliggjørelsen av en ideal. Men ikke på grunn av hennes æresbevisninger eller priser, eller kjendisskapet hun oppnådde: tvert imot. Det er fordi Louis Bourgeois kunst taler til det som er relevant i våre daglige liv. For å parafrasere Gichin Funakoshi, faren til moderne karate, når vi innser hvordan noe relaterer seg til våre daglige liv, er det da vi oppdager dets kjerne. Kunstverdenen blir altfor ofte definert av manifest og delt opp i bevegelser, epoker og stilarter. Kunstnere blir altfor ofte kategorisert etter kjønn, rase, nasjonalitet og utdanningsbakgrunn. Vi glemmer lett at kunstens sanne verdi eksisterer utover slike smålige hensyn. Kunstverkene til Louise Bourgeois stiger selvsikkert over klassifiseringer. Hennes estetiske bidrag inntar oppriktig et rom som er både figurativt og symbolsk. Det er grotesk og likevel opphøyd. Hun utforsket alle tenkelige disipliner, uten å knytte seg til noen bestemt trend, og likevel oppfant hun noen trender underveis. Gjennom en syv tiår lang karriere oppnådde hun det få andre abstrakte kunstnere har: hun skapte personlig kunst som var universell.

Motstridende krefter

Louise Bourgeois ble født inn i en familie full av motsetninger. Hennes far var en vellykket forsørger, men han var også den største trusselen mot Louises trygghet. Foreldrene var partnere i både forretning og liv, men faren hadde uten anger seksuelle forhold som truet stabiliteten i begge deler. Louises barnepike og veileder, som skulle være en beskytter og veiviser, var i realiteten farens elskerinne. Louises mor, en veverske i familiens tekstilbedrift, var en kjærlig, beskyttende kraft og hennes ivrigste forkjemper, men var også fysisk svak og døde tidlig.

Gjennom hele sin ungdom var Louise vitne til den daglige brutaliteten i et hjem som samtidig var preget av og truet av hengivenhet. Hun erfarte den rå sannheten om menneskets skrøpelighet. Hun følte sjalusi, raseri, frykt, ensomhet og forvirring. Likevel manglet hun aldri husly, mat, klær eller skolegang. Hun var elsket og verdsatt, i det minste av en forelder. Da moren døde, var Louise 21 år og studerte matematikk ved universitetet. I stedet for å fortsette på den veien, som var farens ønske for henne, ble Louise inspirert av morens bortgang til å endre livet sitt dramatisk. Hun banet vei for å konfrontere og uttrykke sine følelser. Hun forlot matematikken og viet seg i stedet til å leve som kunstner.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronse, sølvnitratpatina. 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolikk og psykoterapi

I seks år etter morens død studerte Louise kunst og fikk praktisk opplæring ved å besøke atelierene til suksessrike kunstnere og hjelpe til med deres utstillinger. Som 27-åring åpnet hun kortvarig en butikk i et hjørne av farens tekstilbutikk, hvor hun solgte kunsttrykk. Han tillot henne å bruke plassen siden det var en forretningsvirksomhet. En dag i butikken startet hun en samtale med en samler. Så, som hun sa det, «mellom samtaler om surrealisme og de siste trendene,» giftet de seg.

Den samleren var Robert Goldwater, en anerkjent kunsthistoriker fra Amerika. Robert og Louise flyttet til New York hvor Louise fortsatte å studere kunst og utvidet sitt estetiske uttrykk. Påvirket av surrealisme og psykoterapibegrepet vendte Louise seg til sin traumatiske barndom som motiv for kunsten. Hun utviklet et symbolsk formspråk basert på en kombinasjon av minner og drømmer.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Støpt og polert bronse. 11,4 × 22,9 × 15,2 cm. Opplag 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Symbolikken til Louise Bourgeois

Louises symbolske billedspråk besto av personlige bilder som for henne hadde åpenbar mening. Men for betraktere virket kunsten hennes vill, dristig, abstrakt og til og med sjokkerende. En av Louises mest brukte symbolske former var edderkoppen. Allerede på 1940-tallet inkluderte Louise edderkopper og nett i tegninger og trykk, og laget til og med en serie abstrakte, nettinspirerte heklearbeider. Hun forklarte at edderkopper var en symbolsk henvisning til moren. Moren var veverske, og som moren var, er edderkopper beskyttere siden de spiser mygg som sprer sykdom.

Etter hvert fikk edderkoppformene hennes monumental størrelse, med høydepunkt i en 9 meter høy skulptur kalt Maman. I tillegg til edderkopper inkluderte Bourgeois’ symbolske billedspråk bur, hus, mannlige og kvinnelige kjønnsorganer, husholdningsgjenstander som stoler og klær, og hun skildret ofte biomorfe former som lignet kroppsdeler. Et av hennes mest kjente verk heter Faderens ødeleggelse, og viser en samling objekter som ligner organer og kjøtt spredt utover et bord, omgitt av kuler som minner om en gigantisk åpen munn full av tenner.

Louise Bourgeois - Edderkopp, 1997. Stål, gobeleng, tre, glass, stoff, gummi, sølv, gull og bein. 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isolert sammen

Den røde tråden i alt Bourgeois’ arbeid er at alle bildene hennes relaterer til hennes private, personlige erfaringer. En av de sterkeste følelsene hun ønsket å dele med betrakterne var samspillet mellom fellesskap og isolasjon. På 1940-tallet skapte hun en serie skulpturelle former som refererte til ulike personer hun kjente. Hun stilte ut formene på tilsynelatende tilfeldige måter. Men gradvis, når man ser på oppstillingene, begynner de enkelte formene å uttrykke sine egenskaper, og hver får sin egen personlighet til det utvikler seg en følelse av samspill mellom dem.

Følelser av fellesskap og isolasjon er også sentrale i en serie skulpturelle gjenstander Bourgeois laget på 1950-tallet, en tid da hun var opptatt av livets mykere sider inspirert av ektemannen og barna. Gjenstander som Night Garden, Cumul I og Clamart Other viser hver en samling former. Samlingene virker organiske, men de ser også ut til å skildre vesener som har samlet seg for beskyttelse eller trøst.

Louise Bourgeois - Knivpar, 1949 (støpt 1991). Bronse og rustfritt stål. 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Utover merkelapper

Selv om mange av Bourgeois’ verk virker figurative, er kjernen i arbeidet hennes at det er symbolsk og personlig. Hun skildret ofte nakenhet og fokuserte på den kvinnelige form, men hun var bestemt på å avvise enhver sosial eller politisk uttalelse i sitt arbeid. Hun var kvinne, og seksualitet var en sterk kraft i oppveksten; det var liten eller ingen sosial eller politisk agenda i slike bilder. Likevel har hun på grunn av de sterke bildene i mye av arbeidet sitt ofte blitt knyttet til feministisk og LHBTQ-kunst. Selv om hun kanskje ikke ville motsatt seg slik representasjon om hun levde i dag, uttalte hun også klart at hennes mål ikke var å ta opp noen av disse spørsmålene i kunsten. Hun sa en gang, «Mitt arbeid handler om problemer som er før kjønn. For eksempel er ikke sjalusi mannlig eller kvinnelig.»

Det gir mening å betrakte Bourgeois’ arbeid på et personlig plan. Tross alt er symbolikken hennes knyttet til egne erfaringer. Likevel kan hver av oss finne noe i det å kjenne oss igjen i. Hvis vi er åpne, kan vi ta det inn fra et større visdomsperspektiv. Når vi kan se en kropp uten å tenke i termer av mann eller kvinne, blir vi mindre isolerte og mer universelt menneskelige. Når vi tillater oss å hente styrke fra både lidelsen og kjærligheten til våre medmennesker, blir resultatet en berikelse av både deres og vår egen erfaring.

Utvalgt bilde: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronse, polert patina. 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio