Louise Bourgeois Kunst og Reduksjon av Form

For de som ser abstrakt kunst som en vei mot et mer introspektivt og meningsfylt liv, var Louis Bourgeois legemliggjøringen av et ideal. Men ikke på grunn av hennes utmerkelser eller priser, eller berømmelsen hun oppnådde: tvert imot. Det er fordi Louis Bourgeois kunst taler til det som er relevant for våre hverdagsliv. For å parafrasere Gichin Funakoshi, faren til moderne karate, når vi innser hvordan noe relaterer seg til våre hverdagsliv, er det da vi oppdager essensen. Kunstverdenen er altfor ofte definert av manifest og delt opp i bevegelser, epoker og stiler. Kunstnere blir altfor ofte kategorisert etter kjønn, rase, nasjonalitet og utdanningsbakgrunn. Vi glemmer lett at kunstens sanne verdi eksisterer utover slike smålige hensyn. Kunstverket til Louise Bourgeois hever seg selvsikkert over klassifiseringer. Hennes estetiske bidrag bebor oppriktig et rom som er både figurativt og symbolsk. Det er grotesk og likevel sublimt. Hun utforsket hver tenkelig disiplin, uten å knytte seg til noen bestemt trend, og likevel oppfant hun noen trender underveis. I løpet av en karriere på syv tiår oppnådde hun det få andre abstrakte kunstnere har: hun laget personlig kunstverk som var universelt.

Motstridende krefter

Louise Bourgeois ble født inn i en familie av motsetninger. Faren hennes var en vellykket forsørger, men han var også den største trusselen mot Louises sikkerhet. Foreldrene hennes var partnere i både forretning og liv, men faren hennes engasjerte seg uten unnskyldning i seksuelle affærer som truet stabiliteten til begge. Louises barnepike og lærer, som angivelig skulle være en beskytter og veileder, var faktisk farens elskerinne. Louises mor, en vever for familiens tekstilvirksomhet, var en kjærlig, beskyttende kraft og var hennes mest ivrige talskvinne, men var også fysisk svak og døde til slutt ung.

Gjennom hele sin ungdom var Louise vitne til den daglige brutaliteten i et hjem som samtidig var definert av og truet av kjærlighet. Hun opplevde den rå sannheten om menneskets skrøpelighet. Hun følte sjalusi, sinne, frykt, ensomhet og forvirring. Likevel manglet hun aldri ly, mat, klær eller skolegang. Hun ble elsket og verdsatt, i det minste av en av foreldrene. Da moren hennes døde, var Louise 21 år og studerte matematikk ved universitetet. I stedet for å fortsette på den veien, som var farens ønske for henne, ble Louise inspirert av morens bortgang til å dramatisk endre livet sitt. Hun laget en vei som ville tillate henne å konfrontere og uttrykke følelsene sine. Hun forlot matematikk og viet seg i stedet til å leve livet som kunstner.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronse, sølvnitrat patina. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 tommer; 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolisme og psykoterapi

I seks år etter at moren hennes døde, studerte Louise kunst og fikk en praktisk utdannelse ved å besøke studioene til suksessrike kunstnere og bistå med utstillingene deres. I en alder av 27 åpnet hun kortvarig en butikk i et hjørne av farens tekstilbutikk, hvor hun solgte kunsttrykk. Han lot henne bruke plassen siden det var et forretningsforetak. En dag i butikken begynte hun en samtale med en samler. Så, som hun sa, “mellom samtaler om surrealisme og de nyeste trendene,” giftet de seg.

Den samleren var Robert Goldwater, en respektert kunsthistoriker fra Amerika. Robert og Louise flyttet til New York hvor Louise fortsatte å studere kunst og utvidet omfanget av sin estetiske produksjon. Påvirket av surrealisme og konseptet om psykoterapi, vendte Louise seg til sin traumatiske barndom for motiv til kunsten sin. Hun utviklet et symbolsk språk av former basert på en kombinasjon av minnene sine og drømmene sine.

Louise Bourgeois - Gi eller Ta (Hvordan Føler Du Deg I Morgen), 1990. Støpt og polert bronse skulptur. 4 1/2 × 9 × 6 tommer; 11,4 × 22,9 × 15,2 cm. Utgave 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Symbolikken til Louise Bourgeois

Louises symbolske visuelle språk besto av personlig bilder som for henne hadde åpenbar betydning. Men for betrakterne virket kunsten hennes vill, dristig, abstrakt og til og med sjokkerende. En av Louises mest vanlige symbolske former var edderkoppen. Allerede på 1940-tallet begynte Louise å inkorporere edderkopper og nett i tegninger og trykk, og hun produserte til og med en serie abstrakte, nett-inspirerte heklearbeider. Hun forklarte at edderkopper var en symbolsk referanse til moren hennes. Moren hennes var vever, og akkurat som moren hennes er edderkopper beskyttere siden de spiser mygg, som sprer sykdom. 

Til slutt fikk hennes edderkoppformer en monumental skala, og nådde et høydepunkt med en 9 meter høy skulptur med tittelen Maman. I tillegg til edderkopper inkluderte Bourgeois' symbolske visuelle språk bur, hus, mannlige og kvinnelige kjønnsorganer, husholdningsgjenstander som stoler og klær, og hun portretterte også ofte biomorfe former som ligner kroppsdeler. Et av hennes mest kjente verk har tittelen The Destruction of the Father, og inneholder et utvalg av gjenstander som ligner organer og kjøtt spredt ut på et bord, omgitt av kuler som fremkaller en gigantisk åpen munn full av tenner.

Louise Bourgeois - Edderkopp, 1997. Stål, tapet, tre, glass, stoff, gummi, sølv, gull og bein. 177 × 262 × 204 tommer; 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isolert sammen

Den røde tråden som går gjennom alt Bourgeois' arbeid er at alle bildene hennes relaterer seg til hennes private, personlige erfaringer. En av de mest kraftfulle følelsene hun ønsket å dele med sine seere, var den mellomspill mellom fellesskap og isolasjon. På 1940-tallet skapte hun en serie skulpturelle former som refererte til ulike mennesker hun kjente. Hun stilte ut formene på måter som virker tilfeldige. Men gradvis, når man ser på arrangementene, begynner de individuelle formene å uttrykke sine egenskaper, og hver av dem får en individuell personlighet inntil en følelse av interaksjon utvikler seg mellom dem.

Følelser av fellesskap og isolasjon er også integrert i en serie skulpturelle objekter Bourgeois laget på 1950-tallet, en tid da hun var fokusert på den mykere siden av livet inspirert av mannen og barna sine. Gjenstander som Night Garden, Cumul I og Clamart Other skildrer hver en samling av former. Samlingene virker organiske, men de ser også ut til å skildre enheter som har samlet seg for beskyttelse eller trøst.

Louise Bourgeois - Knivpar, 1949 (støpt 1991). Bronse og rustfritt stål. 67 1/2 × 12 × 12 tommer; 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Beyond Labels

Selv om mange av Bourgeois' verk kan virke figurative, er essensen av hennes arbeid at det er symbolsk og personlig. Hun portretterte ofte nakenhet og fokuserte på den kvinnelige formen, men hun var bestemt i å nekte for at det var noen sosiale eller politiske uttalelser i hennes arbeid. Hun var kvinne, og seksualitet var en kraftfull kraft i hennes oppvekst; det var lite eller ingen sosial eller politisk agenda ment i slike bilder. Likevel, på grunn av de kraftfulle bildene i så mye av hennes arbeid, har hun ofte blitt identifisert med feministisk og LGBTQ-kunst. Selv om hun kanskje ikke ville motsette seg slik representasjon hvis hun var i live i dag, uttalte hun også klart at hennes mål ikke var å ta opp noen av disse problemene i sitt arbeid. Hun sa en gang: “Mitt arbeid handler om problemer som er pre-kjønn. For eksempel, sjalusi er ikke mannlig eller kvinnelig.”

Det gir mening å vurdere Bourgeois' arbeid på et personlig nivå. Tross alt er symbolikken hennes relatert til hennes egne erfaringer. Likevel kan hver av oss finne noe i det å relatere til. Hvis vi er åpne, kan vi akseptere det fra perspektivet til en større visdom. Når vi kan se en kropp og ikke tenke i termer av mann eller kvinne, blir vi mindre isolerte og mer universelt menneskelige. Når vi lar oss selv dra nytte av både lidelsen og kjærligheten til våre medmennesker, er sluttresultatet verdi lagt til både deres erfaring og vår egen.

Fremhevet bilde: Louise Bourgeois - Hysteriens bue, 1993. Bronse, polert patina. 33 × 40 × 23 tommer; 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio