Louise Bourgeois Kunst og Reduksjon av Form

For dem som ser abstrakt kunst som en vei mot et mer introspektivt og meningsfylt liv, var Louise Bourgeois selve legemliggjøringen av et ideal. Men ikke på grunn av heder eller priser, eller kjendisstatusen hun oppnådde: snarere tvert imot. Det skyldes at Louise Bourgeois-kunst taler til det som er relevant i hverdagen vår. For å parafrasere Gichin Funakoshi, faren til moderne karate: Når vi innser hvordan noe henger sammen med hverdagen vår, er det da vi oppdager essensen i det. Kunstverdenen defineres altfor ofte av manifester og deles inn i bevegelser, epoker og stiler. Kunstnere kategoriseres altfor ofte etter kjønn, rase, nasjonalitet og utdanningsbakgrunn. Vi glemmer lett at kunstens virkelige verdi eksisterer hinsides slike smålige hensyn. Louise Bourgeois' kunstverk hever seg selvsikkert over klassifiseringer. Hennes estetiske bidrag lever oppriktig i et rom som både er figurativt og symbolsk. Det er grotesk og samtidig sublimt. Hun utforsket enhver tenkelig disiplin, uten noen gang å knytte seg til en bestemt trend, og oppfant likevel noen trender underveis. I løpet av en karriere på sju tiår oppnådde hun det få andre abstrakte kunstnere har gjort: Hun skapte personlig kunst som var universell.

Motsigende krefter

Louise Bourgeois ble født inn i en familie full av motsetninger. Faren hennes var en vellykket forsørger, men han var også den største trusselen mot Louises trygghet. Foreldrene hennes var partnere både i forretninger og i livet, men faren innledet skamløst seksuelle forhold som truet stabiliteten til dem begge. Louises hushjelp og lærer, som liksom skulle være en beskytter og veileder, var i virkeligheten farens elskerinne. Louises mor, som var vever i familiens tekstilbedrift, var en kjærlig og beskyttende kraft og hennes ivrigste forkjemper, men hun var også fysisk svak og døde til slutt ung.

Gjennom hele ungdommen var Louise vitne til den daglige brutaliteten i et hjem som samtidig var preget av og truet av hengivenhet. Hun opplevde den rå sannheten om menneskets karakterskjørhet. Hun følte sjalusi, raseri, frykt, ensomhet og forvirring. Likevel manglet hun aldri husly, mat, klær eller skolegang. Hun var elsket og verdsatt, i det minste av én av foreldrene. Da moren døde, var Louise 21 år og studerte matematikk ved universitetet. I stedet for å fortsette på den veien, slik faren ønsket for henne, ble Louise inspirert av morens bortgang til å endre livet sitt drastisk. Hun skapte seg en vei som gjorde det mulig for henne å konfrontere og uttrykke følelsene sine. Hun forlot matematikken og viet seg i stedet til å leve som kunstner.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronse, patina av sølvnitrat. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 tommer; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolikk og psykoterapi

I seks år etter at moren døde, studerte Louise kunst og fikk praktisk opplæring ved å besøke atelierene til fremgangsrike kunstnere og hjelpe til med utstillingene deres. Som 27-åring åpnet hun en kort periode en butikk i et hjørne av farens tekstilforretning, der hun solgte kunsttrykk. Han lot henne bruke plassen siden det var et forretningsforetak. En dag i butikken kom hun i samtale med en samler. Så, som hun selv uttrykte det, «mellom samtaler om surrealisme og de nyeste trendene,» giftet de seg.

Denne samleren var Robert Goldwater, en respektert amerikansk kunsthistoriker. Robert og Louise flyttet til New York, der Louise fortsatte å studere kunst og utvidet bredden i sin estetiske produksjon. Inspirert av surrealismen og psykoterapiens idéer vendte Louise seg mot den traumatiske barndommen sin som motiv for kunsten. Hun utviklet et symbolsk formspråk basert på en kombinasjon av minnene og drømmene sine.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Støpt og polert bronseskulptur. 4 1/2 × 9 × 6 tommer; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Opplag 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Louise Bourgeois' symbolikk

Louises symbolske bildespråk besto av personlige bilder som hadde en tydelig betydning for henne. For betrakterne virket kunsten hennes imidlertid brutal, dristig, abstrakt og til og med sjokkerende. En av Louises vanligste symbolske former var edderkoppen. Allerede på 1940-tallet innlemmet Louise edderkopper og spindelvev i tegninger og trykk, og hun skapte til og med en serie abstrakte, spindelvevinspirerte hekleverk. Hun forklarte at edderkopper var en symbolsk henvisning til moren hennes. Moren var vever, og slik moren var, er edderkopper beskyttere fordi de spiser mygg, som sprer sykdommer. 

Etter hvert fikk edderkoppformene hennes en monumental skala, med et høydepunkt i den 9 meter høye skulpturen med tittelen Maman. I tillegg til edderkopper omfattet Bourgeois' symbolske bildespråk bur, hus, mannlige og kvinnelige kjønnsorganer, husholdningsgjenstander som stoler og klær, og hun fremstilte også ofte biomorfe former som ligner kroppsdeler. Et av hennes mest berømte verk har tittelen The Destruction of the Father, og viser et utvalg gjenstander som ligner organer og kjøtt, spredt utover et bord og omgitt av kuler som fremkaller en enorm, åpen munn full av tenner.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Stål, billedvev, tre, glass, tekstil, gummi, sølv, gull og bein. 177 × 262 × 204 tommer; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isolert sammen

Den røde tråden gjennom hele Bourgeois' verk er at alle bildene hennes knytter seg til hennes private, personlige erfaringer. En av de mektigste følelsene hun søkte å dele med betrakterne, var samspillet mellom fellesskap og isolasjon. På 1940-tallet skapte hun en serie skulpturale former som refererte til ulike mennesker hun kjente. Hun stilte ut formene på måter som virket tilfeldige. Men gradvis, når man betrakter arrangementene, begynner de individuelle formene å uttrykke særtrekkene sine, og hver av dem får en egen personlighet, inntil en følelse av samspill utvikler seg mellom dem.

Følelser av fellesskap og isolasjon er også en integrert del av en serie skulpturelle objekter Bourgeois skapte på 1950-tallet, en periode da hun var opptatt av livets mykere sider, inspirert av ektemannen og barna sine. Objekter som Night Garden, Cumul I og Clamart Other fremstiller hver sin samling av former. Samlingene virker organiske, men ser også ut til å forestille vesener som har søkt sammen for å finne beskyttelse eller trøst.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (støpt 1991). Bronse og rustfritt stål. 67 1/2 × 12 × 12 tommer; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Hinsides merkelapper

Selv om mange av Bourgeois' verk virker figurative, er essensen i arbeidet hennes at det er symbolsk og personlig. Hun fremstilte ofte nakenhet og fokuserte på den kvinnelige formen, men hun avviste bestemt at arbeidene hennes inneholdt sosiale eller politiske utsagn. Hun var kvinne, og seksualitet var en mektig kraft i oppveksten hennes; det lå liten eller ingen sosial eller politisk agenda bak slike bilder. Likevel har hun, på grunn av de sterke bildene i så mye av arbeidet sitt, ofte blitt knyttet til feministisk kunst og LGBTQ-kunst. Selv om hun kanskje ikke ville ha motsatt seg en slik representasjon hvis hun levde i dag, uttalte hun også tydelig at målet hennes ikke var å ta opp noen av disse problemstillingene i arbeidene sine. En gang sa hun: «Arbeidet mitt handler om problemer som kommer før kjønn. Sjalusi er for eksempel verken mannlig eller kvinnelig.»

Det gir mening å betrakte Bourgeois' verk på et personlig plan. Tross alt er symbolikken hennes knyttet til hennes egne erfaringer. Likevel kan hver og en av oss finne noe å relatere seg til i den. Hvis vi er åpne, kan vi ta imot den fra perspektivet til en større visdom. Når vi kan se en kropp uten å tenke i termer av mann eller kvinne, blir vi mindre isolerte og mer universelt menneskelige. Når vi lar oss berike av både lidelsen og kjærligheten hos våre medmennesker, blir resultatet en merverdi for både deres erfaring og vår egen.

Forsidebilde: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronse, polert patina. 33 × 40 × 23 tommer; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle bilder brukes kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio 2016
Redigert av IdeelArt (2026)