Å lage moderne tradisjon - Jeffrey Gibson

Jeg hadde en sjelden opplevelse nylig mens jeg så på arbeidet til Jeffrey Gibson. Noe ved arbeidet åpnet en dør for meg. Det viste meg et større og mer interessant forhold til det fysiske rommet. Du skjønner, jeg går på mange kunstutstillinger. Og jeg har en tendens til å ha samme type forhold til hver utstilling jeg besøker. Du kan sikkert gjette hva slags forhold det er basert på hvordan jeg snakker om det nå. Det kjennetegnes av at jeg føler meg adskilt fra kunsten og rommet den opptar. Jeg ser meg selv, kunsten, utstillingen og rommet som fire separate ting, uten noen iboende forbindelse. Jeg går inn i et rom hvor kunst vises, jeg ser på kunsten, jeg tenker på det jeg ser, og senere, etter hvert som tiden går, kan verket kanskje eller kanskje ikke berøre meg på ulike måter. Selvfølgelig har det vært tilfeller der verket har fått meg til å ikke se det på den måten, som for eksempel en James Turrell Skyspace, hvor rommet er kunsten. Men for det meste ser jeg nesten alltid på kunstutstillinger som muligheter til å gå et sted og se på noe. Det som skjedde med arbeidet til James Gibson, var imidlertid at det lokket fram en annen type forhold hos meg. Det ville ikke godta begrensningen av bare å være ting i et rom som blir sett på og tenkt over. Ved sin tilstedeværelses kraft lot det meg forstå at jeg ikke så hele bildet. Det fikk meg til å innse at kunst ikke bare opptar rom: rom og kunst bor i hverandre. Og når et menneske går inn i det forholdet, skjer en hendelse der alle tre—kunsten, rommet og personen—blir likeverdige samarbeidspartnere. Jeg snakker ikke om noe åndelig eller metafysisk. Jeg sier at på samme måte som en person som tar på seg en militæruniform «blir» en soldat, eller en person som tar på seg en prestekjortel «blir» en prest, når et rom setter opp en kunstutstilling «blir» det noe nytt, noe mer. Og når vi går inn i et forhold til denne nye tingen—denne kombinasjonen av kunst og rom—bor vi i det på samme måte som en prest bor i en kjortel eller en soldat bor i en uniform. Vi puster liv i det. Vi gir det kraft og dets privilegier. Det er mer enn det ellers ville vært på grunn av vår tilstedeværelse. Og det er opp til oss å vise hva det betyr.

Powwows og Raves

Jeffrey Gibson ble født i Colorado i 1972. Hans familiearv er uramerikansk, del Cherokee og del Choctaw. På grunn av farens yrke reiste Gibson som ung mann og bodde til ulike tider i Sør-Korea, Tyskland, England og flere steder i USA. Blandingen av kulturelle påvirkninger var til tider opplysende for ham, og til andre tider frustrerende. Et godt eksempel er hans kjærlighet til musikk og dans. Som ung mann ble han innviet i den uramerikanske tradisjonen med powwow, en sosial samling hvor musikk spilles og fargerike drakter vekkes til liv av dansere. Og som tenåring i Asia og Europa kunne han bringe den samme ånden inn i sitt liv ved å gå på klubber med venner for å høre på musikk og danse. Men da han kom tilbake til USA som 16-åring, ble han kastet inn i en kultur hvor han var for ung til å komme inn på barer og klubber. Det var en subtil, men gjennomgripende kulturell merkelighet. Han var tiltrukket av musikk og dans, men hadde liten mulighet til å uttrykke den følelsen på en sosialt akseptabel måte.

En utløp han fant, var den underjordiske rave-scenen, som han på mange måter følte hadde samme ånd som powwow: den var sosial, bygget rundt musikk, og scenen oppmuntret enkeltpersoner til å uttrykke sin personlighet gjennom pynt og kostymer, og til å trekke oppmerksomhet til seg selv gjennom dans. Etter å ha fullført videregående tok han sin BFA ved Art Institute of Chicago i 1995. Deretter, etter å ha blitt tatt opp til masterprogrammet i kunst ved Royal College of Art i London, fikk han vite fra sin høvding at Mississippi Band of Choctaw Indians var villige til å betale skolepengene hans. Gibson sa i et intervju med ARTnews i 2007, «Min høvding mente at det å sende meg dit, som en sterk kunstner, gjorde ham sterkere.» Arbeidet Gibson har laget siden han tok sin MFA i 1998 og flyttet tilbake til USA, er preget av det store og mangfoldige spekteret av kulturelle erfaringer som fylte oppveksten hans, særlig en følelse av hans mange fellesskap, og en tiltrekning til arven fra powwows og raves: rom som våkner til liv når de bebos av mennesker og kunst.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Blandede medier, Foto: Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Kjempe mot generaliseringer

Arbeidet Gibson lager, omfatter mange medier og former, men formidler et samlende estetisk språk. Dette språket domineres av klare, rene farger, skarpe geometriske former og optiske mønstre. Bildene minner umiddelbart om både modernistisk abstraksjon og uramerikansk estetikk. Det som er så effektivt med denne kombinasjonen, er at den umiddelbart åpner opp for hva begge disse estetiske retningene potensielt kan tilby. Modernistisk abstrakt kunst bruker former og mønstre på en selvhenvisende måte, kaller trekanter for trekanter, og ikke mer, og ber betrakterne nyte fargeforholdene for seg selv uten å lete etter noen slags skjult, underliggende mening. Men uramerikansk tradisjon er iboende kodet. En trekant er aldri bare en trekant. Den symboliserer noe: kanskje noe personlig, kanskje noe kulturelt, kanskje noe poetisk. Men uansett har den en mening for noen. På grunn av de to tradisjonene disse verkene springer ut fra, står vi fritt til å tolke dem åpent, og legge til våre egne tradisjoner, koder og forventninger i blandingen.

En av de mest ikoniske verkseriene Gibson har laget så langt, er en serie med bokseballer dekorert med fargerikt perlearbeid. Han kom først i kontakt med bokseballer da terapeuten hans foreslo at han skulle ansette en personlig trener for å hjelpe ham med sin sinnefølelse som ung kunstner som prøvde å finne sin stemme og vei i samtidskunsten. Formen på ballen er i seg selv symbolsk. Den antyder motstand, isolasjon og overføring av energi. Bokseballer beveger seg og svaier. De gir etter for press, men vender alltid tilbake til sin opprinnelige posisjon. De er myke og harde på samme tid. Gibson lager bilder på dem ved hjelp av medier som perler og flytende tekstiler, som taler til den forutbestemte forståelsen folk i dag har av uramerikansk kunst. Han setter noen ganger tekst inn i komposisjonene også, for å invitere til dypere ettertanke over bildene og formen. Bokseballene er dekket med kunsthistorisk billedspråk, så vel som det kodede språket i kulturell fortelling og det materielle språket i generalisering. De taler til kampen vi alle opplever når vi prøver å finne ut hva vi skal bli.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Akryl og grafitt på lerret, 31 × 27 tommer, 78,7 × 68,6 cm (venstre) og Village, 2017, Akryl og grafitt på lerret, 31 × 27 tommer, 78,7 × 68,6 cm (høyre), foto: De Buck Gallery

Å bo i former

Det som påvirker meg mest direkte når jeg tenker på arbeidet til Jeffrey Gibson, er kostymene hans. Han lager flytende, fargerike, utsmykkede kostymer og plasserer dem på treskjeletter. Jeg forestiller meg straks å ta på meg et av dem. Jeg tenker på hvordan kostymet ville forvandle meg hvis jeg bar det. Så tenker jeg på hvordan jeg ville forvandle det. Sammen ville vi bli noe mer uttrykksfullt enn noen av oss er alene. Formene, fargene og mønstrene på kostymet ville få ny mening når de kombineres med bevegelsene i kroppen min. Kunstobjektet og jeg ville smelte sammen til en levende form for kommunikasjon.

Noe ved måten disse kostymene illustrerer sammensmeltingen av kunst, rom og menneskekropp har gitt meg ny innsikt—ikke bare i disse kunstverkene, men i all kunst. Utstillingsrommet er en bærer av bilder og gjenstander, akkurat som disse kostymene. Jeg går inn i det, akkurat som å ta på meg et kostyme. Når jeg bor i utstillingen og beveger meg rundt i den, blir bildene og gjenstandene på overflatene vekket til liv av bevegelsen min. Kanskje det høres klisjé ut, men jeg føler ikke lenger at jeg bare er en fyr som går på kunstutstillinger for å se på kunst. Nå innser jeg at hvert rom som viser kunst er som et av disse kostymene Jeffrey Gibson lager. Det venter på oss, venter på vår pust og våre kropper slik at vi kan fylle det, gi det liv, bringe det til liv, og gi hverandre mer mening enn noen av oss kunne hatt alene.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 tommer, 45,7 × 29,2 × 33 cm (venstre) og I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 tommer, 47 × 38,1 × 35,6 cm (høyre), foto: Roberts & Tilton, Culver City

Utvalgt bilde: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Blyant, akvarell, akrylmaling, tape, tråd, arkivpigmenttrykk, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 tommer, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio