Å lage moderne tradisjon - Jeffrey Gibson

Jeg hadde en sjelden opplevelse nylig mens jeg så på verkene til Jeffrey Gibson. Noe med verkene åpnet en dør for meg. Det eksponerte meg for et større og mer interessant forhold til fysisk rom. Du ser, jeg deltar på mange kunstutstillinger. Og jeg har en tendens til å ha den samme generelle typen forhold til hver utstilling jeg deltar på. Du kan sannsynligvis gjette hvilken type forhold det er basert på hvordan jeg snakker om det akkurat nå. Det er definert av det faktum at jeg føler meg adskilt fra kunsten og rommet den befinner seg i. Jeg ser meg selv, kunsten, utstillingen og rommet som fire separate ting, uten noen iboende forbindelse. Jeg går inn i et rom hvor kunsten er utstilt, jeg ser på kunsten, jeg tenker på hva jeg ser på, så senere, etter hvert som tiden går, kan verket eller ikke resonere med meg på forskjellige måter. Selvfølgelig har det vært noen tilfeller der verket har fått meg til å se det på en annen måte, som i en James Turrell Skyspace, der rommet er kunsten. Men for det meste ser jeg nesten alltid kunstutstillinger som sjanser til å gå et sted og se på noe. Det som skjedde med verkene til James Gibson, derimot, var at det lokket frem en annen type forhold fra meg. Det var ikke villig til å akseptere begrensningen av å bare være ting i et rom som blir sett på og tenkt på. Gjennom kraften av sin tilstedeværelse lot det meg vite at jeg ikke så hele bildet. Det fikk meg til å innse at kunst ikke bare okkuperer rom: rom og kunst bebor hverandre. Og når en person kommer inn i det forholdet, skjer det en hendelse der alle tre—kunsten, rommet og personen—blir like samarbeidspartnere. Jeg snakker ikke om noe åndelig eller metafysisk. Jeg sier at på samme måte som en person som tar på seg en militæruniform "blir" en soldat, eller en person som tar på seg en prestekjole "blir" en minister, når et rom har en kunstutstilling "blir" det noe nytt, noe mer. Og når vi går inn i et forhold med denne nye tingen—denne kombinasjonen av kunst og rom—beboer vi det på samme måte som en prest bebor en prestekjole eller en soldat bebor en uniform. Vi puster liv i det. Vi gir det kraft og privilegier. Det er mer enn det ellers ville vært på grunn av vår tilstedeværelse. Og det er opp til oss å demonstrere hva det betyr.

Powwows og Raves

Jeffrey Gibson ble født i Colorado i 1972. Hans familiearv er urfolk, delvis Cherokee og delvis Choctaw. På grunn av farens yrke reiste Gibson som ung mann, og bodde på forskjellige tidspunkter i Sør-Korea, Tyskland, England og ulike steder i USA. Blandingen av kulturelle påvirkninger var til tider opplysende for ham, og til andre tider frustrerende. Et godt eksempel er hans kjærlighet for musikk og dans. Som ung mann ble han innviet i den amerikanske urfolks tradisjonen med powwow, en sosial samling der musikk spilles, og livlige kostymer blir brakt til liv av dansere. Og som tenåring i Asia og Europa, klarte han å bringe den samme ånden inn i livet sitt ved å gå på klubber med vennene sine for å lytte til musikk og danse. Men da han kom tilbake til USA i en alder av 16, ble han kastet inn i en kultur der han var for ung til å komme inn på barer og klubber. Det var en subtil, men gjennomgripende kulturell merkelighet. Han ble tiltrukket av musikk og dans, men hadde lite mulighet til å uttrykke den følelsen på en sosialt akseptabel måte.

En utløp han fant var den underjordiske rave-scenen, som han følte på mange måter hadde den samme ånden som powwow: det var sosialt, det var bygget rundt musikk, og scenen oppmuntret individer til å manifestere sin personlighet gjennom smykker og kostymer, og til å tiltrekke seg oppmerksomhet gjennom dans. Etter å ha fullført videregående skole, fikk han sin BFA fra Art Institute of Chicago i 1995. Deretter, etter å ha fått opptak til Master of Fine Art-programmet ved Royal College of Art i London, fikk han vite fra sin sjef at Mississippi Band of Choctaw Indians var villige til å betale skolepengene hans. Gibson sa i et intervju med ARTnews i 2007, “Min sjef følte at jeg som sterk kunstner gjorde ham sterkere.” Arbeidet Gibson har laget siden han fikk sin MFA i 1998 og flyttet tilbake til USA, er informert av det store og mangfoldige spekteret av kulturelle opplevelser som fylte oppveksten hans, spesielt en følelse av hans mange samfunn, og en tiltrekning til arven fra powwows og raves: rom som kommer til liv når de beboes av mennesker og kunst.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Photo Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Kjempe mot generaliseringer

Gibson sitt arbeid inkorporerer mange medier og former, men formidler et enhetlig estetisk språk. Dette språket domineres av livlige, rene farger, harde geometriske former og optiske mønstre. Bildene bringer umiddelbart til sinns både modernistisk abstraksjon og urfolksestetikk. Det som er så effektivt med denne kombinasjonen er at den umiddelbart åpner opp for hva begge disse estetiske posisjonene potensielt kan tilby. Modernistisk abstrakt kunst bruker former og mønstre på en selvrefererende måte, og kaller trekanter trekanter, og ingenting mer, og ber betrakterne om å nyte fargeforhold på egen fortjeneste uten å lete etter noen form for kodet, underliggende mening. Men den amerikanske urfolks tradisjonen er iboende kodet. En trekant er aldri bare en trekant. Den symboliserer noe: kanskje noe personlig, kanskje noe kulturelt, kanskje noe poetisk. Men uansett har den en mening for noen. På grunn av de doble tradisjonene disse verkene stammer fra, er vi frie til å tolke dem åpent, og legge våre egne tradisjoner, koder og forventninger inn i miksen.

En av de mest ikoniske verkene Gibson har skapt så langt, er en serie med punching bags prydet med fargerik perlebroderi. Han møtte først punching bags da terapeuten hans foreslo at han skulle ansette en personlig trener for å hjelpe ham med sin sinne som ung kunstner som prøvde å finne sin stemme og sin vei i den samtidskunstneriske verden. Formen på sekken er i seg selv symbolsk. Den antyder motstand, isolasjon og overføring av energi. Punching bags beveger seg og svaier. De gir etter for press, men kommer alltid tilbake til sin opprinnelige posisjon. De er myke og harde på samme tid. Gibson skaper bilder på dem ved å bruke medier som perler og strømmende tekstiler, som taler til den forhåndsbestemte forståelsen samtidsmennesker har av urfolkskunst. Han setter noen ganger tekst inn i komposisjonene også, og inviterer til dypere refleksjon over bildene og formen. Punching bags er dekket med det visuelle språket fra kunsthistorien, så vel som det kodede språket av kulturell narrativ og det materielle språket av generalisering. De taler til kampen vi alle opplever når vi prøver å finne ut hva vi skal bli.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Left) and Village, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Right), photo credits De Buck Gallery

Beboende former

Det som mest direkte påvirker meg når jeg vurderer arbeidet til Jeffrey Gibson, er kostymene hans. Han lager flytende, fargerike, detaljerte kostymer og plasserer dem på trestrukturer. Jeg forestiller meg umiddelbart å ta på meg et av dem. Jeg tenker på måtene kostymet ville forvandle meg hvis jeg hadde det på. Så tenker jeg på måten jeg ville forvandle det. Sammen ville vi bli noe mer uttrykksfullt enn hva noen av oss er alene. Formene, fargene og mønstrene på kostymet ville få ny betydning når de kombineres med bevegelsene til kroppen min. Kunstobjektet og jeg ville smelte sammen for å bli en levende form for kommunikasjon.

Noe med måten disse kostymene illustrerer sammensmeltingen av kunst, rom og menneskekroppen på, har gitt meg ny innsikt - ikke bare i disse kunstverkene, men i alle kunstverk. Utstillingsrommet er en holder av bilder og objekter, akkurat som disse kostymene. Jeg går inn i det, akkurat som å ta på meg et kostyme. Når jeg bebor utstillingen og beveger meg rundt i den, blir bildene og objektene på overflatene brakt til liv av bevegelsene mine. Kanskje høres det klisjéaktig ut, men jeg føler ikke lenger at jeg bare er en fyr som går på kunstutstillinger for å se på kunst. Nå innser jeg at hvert rom som viser kunst er som et av disse kostymene Jeffrey Gibson lager. Det venter på oss, venter på pusten og kroppene våre slik at vi kan fylle det opp, animere det, bringe det til liv, og gi hverandre mer mening enn noen av oss noen gang kunne hatt alene.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Venstre) og I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Høyre), foto kreditering Roberts & Tilton, Culver City

Fremhevet bilde: Jeffrey Gibson -Uendelig sampling, 2010, Blyant, akvarell, akrylmaling, tape, tråd, arkivpigmentutskrifter, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 tommer, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.

Av Phillip Park