"Avkledning av lerretet - Farvel til Ron Gorchov"

Under et intervju i 2017 med den sveitsiske kuratoren Hans Ulrich Obrist, ga den amerikanske maleren Ron Gorchov (1930 - 2020) følgende råd til unge kunstnere: “Vær desperat og tålmodig.” Den tilsynelatende oksymoriske uttalelsen oppsummerer perfekt holdningen som Gorchov, som døde tidligere denne måneden, hadde til sin praksis. Født i Chicago i 1930, flyttet familien hans fra by til by mer enn et dusin ganger under den store depresjonen mens hans entreprenøraktige far søkte arbeid. Omstendighetene kan ha gjort dem desperate etter penger, men faren lærte Gorchov å se penger som adskilt fra formål. Familien hans var blakk, sier Gorchov, men aldri fattig. Gorchov jobbet som livredder da han først flyttet til New York på 1950-tallet, og senere underviste han i kunst: jobber som ga ham tiden han trengte for å nærme seg kunsten sin med den tålmodigheten den fortjente. Hans ledende prinsipp var at kunstnere alltid burde lage arbeid for det neste århundret, ikke det århundret de lever i. Hans idé for å flytte maleriet fremover inn i det 21. århundre var å kombinere det, i akkurat de rette mengdene, med skulptur og arkitektur. “For meg,” sa Gorchov, “er essensen av skulptur masse. I arkitektur føler du volum. Og maleri understreker overflaten.” De “sadelformede” maleriene han ble kjent for, var hans løsning på problemet. Så tidlig som i 1949 hadde Gorchov tanken om at malerverdenen hadde blitt for knyttet til ideen om rektangelet, en tilknytning som ble fremskyndet av Piet Mondrian, som Gorchov resonerer hadde uttømt formen. Gorchov vurderte ulike alternativer for å endre flatheten til et typisk rektangulært lerret, som å plassere en tennisball bak det for å skape en bule. Det tok ham 19 år å utvikle de “sadelstrekkerne” han brukte for å lage sine nå ikoniske konvekse, buede maleriflater. Hans første sadelformede maleri, som han laget i 1968, heter “Mine”—et dobbel betydning som refererer til det faktum at han så verket som unikt hans, og også så det som en potensiell gullgruve full av uoppdagede kreative muligheter.

Abstrakt eller Konkret

De fleste seere anser arbeidet Gorchov gjorde for å være abstrakt. Imidlertid hevder hans forhandler John Cheim, prinsipal og direktør for utstilling ved Cheim & Read-galleriet – som har et fremragende rykte for å jobbe med gigantene innen abstraksjon som Joan Mitchell, Milton Resnick og Louis Fishman – at Gorchov ikke bør betraktes som helt abstrakt. "Formene har et sterkt forhold til arbeidet til Giorgio Morandi. Gorchov er ikke en rent abstrakt maler, akkurat som Morandi ikke er rent figurativ," sier Cheim. Galleridirektør Stephen Truax legger til: "Ron ville bruke ting han så og møtte i det virkelige liv som inspirasjon for formene han brukte i sine abstraksjoner."

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Olje på lin, 85 x 75 x 13 tommer, 215,9 x 190,5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle kunstverkbilder er vennligst utlånt av kunstneren og Cheim & Read, New York.

Et ledetråd til det emosjonelle innholdet i maleriene hans kan finnes i titlene Gorchov ga dem, som ofte refererer til klassiske myter, eller historier fra teologiske tekster som Bibelen. Imidlertid begynte ikke Gorchov med å prøve å male en bestemt figur eller scene fra en myte. I stedet malte han på en intuitiv, underbevisst måte, ofte malte han høyre side av lerretet med høyre hånd og venstre side med venstre hånd. Han tenkte på innholdet etterpå. "Når jeg lager et maleri og ser på det," forklarte Gorchov en gang, "må jeg spørre meg selv, hvordan følte jeg meg da jeg gjorde det? Fordi jeg var involvert i å lage det, vet jeg ikke hvordan jeg følte meg. Så da studerer jeg maleriet for å finne ut av det... og jeg prøver å finne en historie som føles som hvordan jeg følte meg." Denne vekselvirkningen mellom ting sett i livet, den underbevisste handlingen av å male, og de senere analysene av følelser virker for meg å være både abstrakt og konkret. Det minner meg om hvordan Jean Arp snakket om den sanne betydningen av Dada: som uforutsigbarheten, meningsløsheten, og den perfekte logikken i naturen uttrykt gjennom kunst.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olje på lin. 49 x 65 x 10 1/2 tommer / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle kunstverkbilder er vennligst utlånt av kunstneren og Cheim & Read, New York.

Den revolusjonære reformatoren

For meg er det noe dypt amerikansk ved verket Gorchov skapte. Amerika er både en konkret ting og et abstrakt konsept, som konstant er revet mellom revolusjon og reform. Da han først utviklet sine sadelstrekker, var Gorchov en revolusjonerende kunstner, en som var fast bestemt på å undergrave den århundregamle sentrale ideen om maleri: at det skulle gjøres på rektangulære, flate overflater. Selv da han utviklet sitt første buede lerret, ble faktisk ideen om flathet igjen hyllet av ledende kunstkritikere som Clement Greenberg som målet for Post Painterly Abstraction, den nyeste trenden innen maleri ifølge Greenberg. Likevel, etter å ha dristig undergravd de strukturelle systemene av rektangler og flathet, forpliktet Gorchov seg helt til sitt nye system, og gjentok det for resten av sin karriere, og erstattet det gamle normale med det nye normale. Hva kan være mer amerikansk enn å gi slipp på revolusjonære impulser til tvangen for endeløs reform, og arbeide innenfor nyetablerte systemer for å skape endeløse intrikate variasjoner?

PORTRAIT MED EAST JAMB Ron Gorchov i hans Brooklyn-studio. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Olje på lin 77 x 77 x 12 1/2 tommer 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Sannelig, når du først ser ett Gorchov-maleri, er alle fremtidige Gorchov-maleri du møter umiddelbart gjenkjennelige som hans. Men dette er ikke en fornærmelse. Det er den samme kritikken man kan gi til naturen, som også arbeider innenfor sine egne spesielle systemer for å skape uendelige og vakre variasjoner. Faktisk, i konteksten av hans forhold til naturens måter, føler jeg at Gorchov best hører hjemme i linjen til Hans Arp—en annen biomorfisk kunstner, som var delvis Dadaist, delvis Surrealist, og delvis abstraksjonist, men som alltid refererte til kunsten sin som konkret. Gorchov skapte et kunstverk som er både intellektuelt og lekent—helt idiosynkratisk og likevel umiddelbart gjenkjennelig—og så, også som Arp, tror jeg at dette plasserer Gorchov i sin egen spesielle kategori.
Jeg er imponert over hvordan Gorchov lyktes i å oppnå sitt opprinnelige veiledende prinsipp, og minner oss gjennom sitt eksempel om hvor viktig både tenkning og følelser er for kunstnere som ønsker å være relevante ikke bare i sitt århundre, men også i det neste.

Utvalgt bilde: PORTRETT AV AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Reprodusert med tillatelse.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio