"Avkledning av lerretet - Farvel til Ron Gorchov"

Under et intervju i 2017 med den sveitsiske kuratoren Hans Ulrich Obrist, ga den amerikanske maleren Ron Gorchov (1930 - 2020) følgende råd til unge kunstnere: «Vær desperat og tålmodig.» Den tilsynelatende selvmotsigende uttalelsen oppsummerer perfekt holdningen Gorchov, som døde tidligere denne måneden, hadde til sitt arbeid. Født i Chicago i 1930, flyttet familien hans fra by til by mer enn et dusin ganger under den store depresjonen, mens hans foretagsomme far søkte arbeid. Omstendighetene kan ha gjort dem desperate etter penger, men faren lærte Gorchov å se penger som noe adskilt fra hensikten. Familien hans var blakk, sier Gorchov, men aldri fattig. Gorchov jobbet som badevakt da han først flyttet til New York på 1950-tallet, og underviste senere i kunst: jobber som ga ham den tiden han trengte for å nærme seg kunsten med den tålmodigheten den fortjente. Hans ledende prinsipp var at kunstnere alltid burde lage verk for neste århundre, ikke det århundret de lever i. Hans idé for å føre maleriet videre inn i det 21. århundre var å kombinere det, i akkurat riktige mengder, med skulptur og arkitektur. «For meg,» sa Gorchov, «er essensen av skulptur masse. I arkitektur føler du volum. Og maleri legger vekt på overflaten.» De «salformede» maleriene han ble kjent for, var hans løsning på problemet. Allerede i 1949 hadde Gorchov en tanke om at malerverdenen hadde blitt for knyttet til ideen om rektangelet, en tilknytning som ble forsterket av Piet Mondrian, som Gorchov mente hadde uttømt formen. Gorchov vurderte ulike muligheter for å endre flatheten i et typisk rektangulært lerret, som å plassere en tennisball bak det for å skape en utbuling. Det tok ham 19 år å utvikle de «sal-strekkene» han brukte for å lage sine nå ikoniske konvekse, buede maleflater. Hans første salformede maleri, som han laget i 1968, har tittelen «Mine» — en dobbel betydning som refererer til at han så verket som unikt sitt, og også som en potensiell gullgruve full av uoppdagede kreative muligheter.

Abstrakt eller konkret

De fleste betrakter arbeidet Gorchov gjorde som abstrakt. Imidlertid hevder hans forhandler John Cheim, leder og utstillingsdirektør ved Cheim & Read-galleriet — som har et anerkjent rykte for å arbeide med giganter innen abstraksjon som Joan Mitchell, Milton Resnick og Louis Fishman — at Gorchov ikke bør sees som helt abstrakt. «Formene har et sterkt slektskap med arbeidet til Giorgio Morandi. Gorchov er ikke en rent abstrakt maler mer enn Morandi er rent figurativ,» sier Cheim. Galleridirektør Stephen Truax legger til: «Ron brukte ting han så og møtte i det virkelige liv som inspirasjon for formene han brukte i sine abstraksjoner.»

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, olje på lin, 85 x 75 x 13 tommer, 215,9 x 190,5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle kunstverkbilder med tillatelse fra kunstneren og Cheim & Read, New York.

Et hint om det følelsesmessige innholdet i maleriene hans kan finnes i titlene Gorchov ga dem, som ofte refererer til klassiske myter eller historier fra teologiske tekster som Bibelen. Gorchov begynte imidlertid ikke med å prøve å male en bestemt skikkelse eller scene fra en myte. Snarere malte han på en intuitiv, underbevisst måte, ofte med høyre hånd på høyre side av lerretet og venstre hånd på venstre side. Han tenkte på innholdet i etterkant. «Når jeg maler og ser på det,» forklarte Gorchov en gang, «må jeg spørre meg selv hvordan jeg følte meg da jeg gjorde det? Fordi jeg var involvert i å lage det, vet jeg ikke hvordan jeg følte meg. Så studerer jeg maleriet for å finne det ut… og prøver å finne en historie som føles som hvordan jeg følte meg.» Denne vekselvirkningen mellom ting sett i livet, den underbevisste malerihandlingen og den senere analysen av følelser virker for meg både abstrakt og konkret. Det minner meg om hvordan Jean Arp snakket om den sanne meningen med dada: som naturens uforutsigbarhet, meningsløshet og perfekte logikk uttrykt gjennom kunst.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olje på lin. 49 x 65 x 10 1/2 tommer / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle kunstverkbilder med tillatelse fra kunstneren og Cheim & Read, New York.

Den revolusjonære reformatoren

For meg er det noe dypt amerikansk ved det verket Gorchov skapte. Amerika er både en konkret ting og et abstrakt begrep, som stadig rives mellom revolusjon og reform. Da han først utviklet sine sal-strekkere, var Gorchov en revolusjonær kunstner, en som var fast bestemt på å undergrave det århundrelange sentrale prinsippet i maleri: at det skulle gjøres på rektangulære, flate flater. Selv mens han utviklet sitt første buede lerret, ble ideen om flathet igjen hyllet av ledende kunstkritikere som Clement Greenberg som målet for Post Painterly Abstraction, den siste trenden i maleri ifølge Greenberg. Likevel, etter å ha modig undergravd de strukturelle systemene med rektangler og flathet, viet Gorchov seg helt til sitt nye system, og gjentok det resten av karrieren, og erstattet den gamle normalen med den nye normalen. Hva kunne være mer amerikansk enn å gi fra seg revolusjonære impulser til trangen etter endeløs reform, og arbeide innenfor nyopprettede systemer for å skape uendelig spennende variasjoner?

PORTRÆTT MED EAST JAMB Ron Gorchov i hans Brooklyn-atelier. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Olje på lin 77 x 77 x 12 1/2 tommer 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Virkelig, når du har sett ett Gorchov-malerier, er alle fremtidige Gorchov-malerier du møter umiddelbart gjenkjennelige som hans. Men dette er ikke en fornærmelse. Det er samme kritikk man kunne gi til naturen, som også arbeider innenfor sine egne spesielle systemer for å skape uendelige og vakre variasjoner. Faktisk, i sammenheng med hans forhold til naturens måter, føler jeg at Gorchov best hører hjemme i slekten til Hans Arp — en annen biomorf kunstner, som var delvis dadaist, delvis surrealist og delvis abstraksjonist, men som alltid kalte sin kunst konkret. Gorchov skapte et verk som er både intellektuelt og lunefullt — helt særegent og likevel umiddelbart gjenkjennelig — og slik som Arp, mener jeg det plasserer Gorchov i sin egen spesielle kategori.
Jeg er imponert over hvordan Gorchov lyktes med å oppnå sitt opprinnelige ledende prinsipp, og minner oss gjennom sitt eksempel om hvor viktig både tenkning og følelse er for kunstnere som ønsker å være relevante ikke bare i sitt århundre, men også i det neste.

Utvalgt bilde: PORTRÆTT AV AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Gjenbrukt med tillatelse.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio