Den Den Mor av Abstrakt Ekspresjonisme - Betty Parsons

Betty Parsons døde for 35 år siden, da jeg var 13 år gammel. Jeg kjente henne aldri. Teoretisk sett kunne jeg ha møtt henne, hvis jeg hadde visst å prøve. Men jeg hadde ingen anelse om at hun eksisterte før det var altfor sent. Jeg forestiller meg at mange mennesker angrer på at de ikke ble kjent med Parsons. Hun var en revolusjonær innen moderne kunst. Selv om jeg mistenker at hun ikke hadde noen anelse om det, inspirerte hennes eksempel meg, og jeg tror mange medlemmer av min generasjon, til å strebe etter nye modeller for autentisitet og eksepsjonalitet i kunst. Fra ideelle kunstkollektiver, til kunstnerdrevne prosjektrom, til eksperimentelle museer, er kunstverdenen i dag fylt med mennesker og steder som verdsetter stor kunst over stort profitt. Parsons er den jeg takker for den arven. Men hun har blitt skrevet om omfattende, i de mest prestisjefylte kunstmagasinene, av langt mer etablerte forfattere enn meg. Det er ingenting nytt jeg kan rapportere om henne. Men siden hun var unik på en måte min sjel setter pris på, er jeg likevel tilbøyelig til å prøve. Hennes kallenavn, "denne moren av abstrakt ekspresjonisme," dukket opp i en artikkel i ARTnews fra 1979, skrevet av Grace Lichtenstein. Kallenavnet refererte til hvordan Parsons trodde på, pleide, og viste arbeidet til Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still og Barnett Newman da ingen andre i Amerika ville. Den artikkelen avslører også kompleksiteten og dybden Parsons hadde som kunstner, en entusiast, og som forretningsperson. I mellomtiden, et intervju med Parsons i 1977 av kunstneren Helène Aylon ble publisert i sin helhet av Judith Stein i Art in America Magazine i 2013, og går langt i å avsløre hva som var ekstraordinært med Parsons som menneske. Den beste måten jeg føler jeg kan vise min respekt for Parsons er å fokusere på disse to profilene, laget av de som faktisk kjente henne i livet. Her, utdraget fra dem, er ti sitater som har gjort Parsons til en personlig helt for meg for hvordan de minner meg om hva som er viktig når det gjelder skapelse og verdsettelse av kunst.

"Takk Gud, det ser ikke ut til å være noen 'ismer' i dag. Jeg hater moter."

Ofte prøver vi å navngi bevegelsene i dag. Hvorfor gjør vi dette? Fordi merkelapper gjør produkter lettere å selge, spesielt til folk uten mye utdanning eller ekte forståelse. I stedet for å tro på trender, prioriterte Parsons det som var bra, og fant glede i det som var annerledes.

"Jeg har alltid vært fascinert av det jeg kaller 'den usynlige tilstedeværelsen.' Det mest permanente i denne verden er det usynlige; du kommer aldri unna det."

Noen kunstnere tror de bare kan lykkes hvis de har en salgbart identitet, eller hvis de lager kunst spesifikt om et bestemt tema som er populært blant samtidens publikum. Parsons fokuserte på det ukjente. I stedet for å promotere kunsten av det åpenbare, ble hun tiltrukket av kunst som avdekket det som er skjult.

"Jeg tror på spenning. Hvis du maler et bilde, og det ikke har noen spenning, har det ingen begeistring."

Spenningsfeltet i et kunstverk kan stamme fra noe innen det som er uidentifiserbart for en betrakter. Eller det kan stamme fra noe som anses som vulgært eller grovt. Andre ganger kommer spenningen fra noe vi rett og slett ikke finner vakkert. I stedet for å se bort fra disse tingene, omfavnet Parsons dem, og så i dem muligheter til å utfordre seg selv til å vokse.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Jeg er interessert i viktige malerier, ikke i hjemmet."

Parsons viste arbeid i rom med nakne hvite vegger og nakne gulv. Hun gjorde ingen ekstra innsats for å overbevise samlere om å kjøpe. Hun så jobben sin som å ha to deler: å fremme integriteten til kunstneren, og å overbevise publikum om at arbeidet var gyldig av grunner som ikke hadde noe med hvor bra det kunne se ut over sofaene deres.

"Jeg vil ikke være lastet med all denne rikdommen—de ville kjede meg ihjel."

Parsons ble født inn i høyere samfunn, men avviste rikdommens feller. Etter å ha mistet alt under den store depresjonen, begynte hun på nytt. I de neste femti årene hadde hun ofte problemer med å betale regningene. Hun solgte nok arbeid (både sitt eget og av kunstnerne hun representerte) til å holde lysene på, og anså det som definisjonen på økonomisk suksess.

"Den abstrakte verden ble ansett som kald fordi den ikke hadde figurer. Men den hadde ild, energi, natur, lys, rom – den konsentrerte seg om alle disse verdiene."

Parsons hadde selvtillit til å tro på sin egen smak. Hun forsto abstraksjon lenge før de fleste amerikanere. Hun stolte på sin egen visjon, uansett hva resten av kunstverdenen sa eller gjorde.

"Jeg var alltid ti år foran min tid. Det er historien om mitt liv."

Når du ikke lykkes økonomisk, er det fristende å tenke at det er fordi det du gjør ikke har noen verdi. Parsons innså at noen ganger er grunnen til at ingen kjøper arbeidet ditt at de ikke gjenkjenner det, fordi det er av fremtiden.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Alltid identifiser deg med kunsten; aldri identifiser deg med kunstneren."

Parsons forakter noen kunstnere, men beundret arbeidet deres. Hun forsto at kunstnere ikke trenger å være likbare, sosiale eller sjarmerende. Kunstnere er ikke selgere eller politikere. Arbeidet deres taler for seg selv.

"[Kunstnerne jeg representerer] blir friere og mer kreative etter hvert. Jeg har alltid oppmuntret til det."

Noen gallerister oppfordrer kunstnere til å finne en stil som selger, og så holde seg til den. Parsons utfordret kunstnerne hun viste. Hun mente at dynamikk og vekst er nøkkelen til å bli bedre, og at salg er den minst viktige aspekten av en kunstkarriere.

"Vi er alle en del av alt."

Parsons ble ofte spurt om sine meninger om sosiale spørsmål. Dette sitatet var hennes svar på et slikt spørsmål. Hun visste at kunst har evnen til å avsløre virkeligheten at våre fellestrekk langt oppveier de tingene som skiller oss. Dette sitatet har påvirket meg mest. Det bør gjentas konstant, fordi det er så lett å glemme.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Fremhevet bilde: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på lerret, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio