Den Den Mor av Abstrakt Ekspresjonisme - Betty Parsons
Betty Parsons døde for 35 år siden, da jeg var 13 år gammel. Jeg kjente henne aldri. Teoretisk sett antar jeg at jeg kunne ha møtt henne, om jeg hadde visst at jeg burde prøve. Men jeg hadde ingen anelse om at hun eksisterte før det var altfor sent. Jeg forestiller meg at mange angrer på at de ikke fikk bli kjent med Parsons. Hun var en revolusjonær innen moderne kunst. Selv om jeg mistenker at hun ikke hadde noen anelse om det, inspirerte hennes eksempel meg, og jeg tror mange i min generasjon, til å strebe etter nye modeller for ekthet og særpreg i kunsten. Fra ideelle kunstkollektiver, til kunstnerdrevne prosjektrom, til eksperimentelle museer, myldrer dagens kunstverden av mennesker og steder som verdsetter stor kunst over stor profitt. Parsons er den jeg takker for den arven. Men hun er skrevet om i stor grad, i de mest prestisjefylte kunstmagasinene, av langt mer erfarne skribenter enn meg. Det er ingenting nytt jeg kan fortelle om henne. Men siden hun var unik på en måte som min sjel setter pris på, føler jeg likevel trang til å prøve. Hennes kallenavn, «morstjernen for abstrakt ekspresjonisme», dukket opp i en artikkel i ARTnews fra 1979, skrevet av Grace Lichtenstein. Tilnavnet viste til hvordan Parsons trodde på, pleiet og viste verkene til Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still og Barnett Newman da ingen andre i Amerika ville. Den artikkelen avslører også kompleksiteten og dybden Parsons hadde som kunstner, entusiast og forretningskvinne. Samtidig går et intervju med Parsons fra 1977, tatt opp av kunstneren Helène Aylon og publisert i sin helhet av Judith Stein i Art in America Magazine i 2013, langt i å avdekke hva som var ekstraordinært med Parsons som menneske. Den beste måten jeg føler jeg kan vise min respekt for Parsons på, er å fokusere på disse to portrettene, laget av de som faktisk kjente henne i livet. Her, utdrag fra dem, er ti sitater som har gjort Parsons til en personlig helt for meg, fordi de minner meg på hva som er viktig når det gjelder skapelsen og verdsettelsen av kunst.
«Takk og lov finnes det ikke noen ‘ismer’ i dag. Jeg hater moter.»
Ofte prøver vi å sette navn på dagens bevegelser. Hvorfor gjør vi det? Fordi merkelapper gjør produkter lettere å selge, spesielt til folk uten mye utdanning eller ekte forståelse. I stedet for å tro på trender, prioriterte Parsons det som var godt, og fant glede i det som var annerledes.
«Jeg har alltid vært fascinert av det jeg kaller ‘den usynlige tilstedeværelsen.’ Det mest varige i denne verden er det usynlige; du kommer aldri bort fra det»
Noen kunstnere tror de bare kan lykkes hvis de har en salgbar identitet, eller hvis de lager kunst som handler om et bestemt tema som er populært blant samtidige. Parsons fokuserte på det ukjente. I stedet for å fremme åpenbar kunst, ble hun tiltrukket av kunst som avslører det skjulte.
«Jeg tror på spenning. Hvis du maler et bilde, og det ikke har spenning, har det ingen spenning.»
Spenning i et kunstverk kan komme fra noe inni det som er uforståelig for en betrakter. Eller det kan komme fra noe som anses som vulgært eller grovt. Andre ganger kommer spenning fra noe vi rett og slett ikke synes er vakkert. I stedet for å vende seg bort fra disse tingene, omfavnet Parsons dem, og så i dem muligheter til å utfordre seg selv til å vokse.
Betty Parsons - Green #1, 1971, akryl på lerret, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
«Jeg er interessert i viktige malerier, ikke i hjemmet.»
Parsons viste verk i rom med nakne hvite vegger og nakne gulv. Hun gjorde ingen ekstra innsats for å overtale samlere til å kjøpe. Hun så sin oppgave som todelt: å fremme kunstnerens integritet, og å overbevise publikum om at verket var gyldig av grunner som ikke hadde med hvor fint det kunne se ut over sofaen deres.
«Jeg vil ikke være lastet med all denne rikdommen – det ville kjede meg ihjel.»
Parsons ble født inn i overklassen, men avviste rikdommens pyntegjenstander. Etter å ha mistet alt i den store depresjonen, startet hun på nytt. I femti år hadde hun ofte vanskeligheter med å betale regningene. Hun solgte nok verk (både sine egne og av kunstnerne hun representerte) til å holde lysene på, og anså det som definisjonen på økonomisk suksess.
«Den abstrakte verden ble ansett som kald fordi den ikke hadde figurer. Men den hadde ild, energi, natur, lys, rom – den konsentrerte seg om alle disse verdiene.»
Parsons hadde selvtillit til å tro på sin egen smak. Hun forstod abstraksjon lenge før de fleste amerikanere. Hun stolte på sin egen visjon, uansett hva resten av kunstverdenen sa eller gjorde.
«Jeg var alltid ti år foran min tid. Det er historien om mitt liv.»
Når du ikke lykkes økonomisk, er det fristende å tro at det er fordi det du gjør ikke har verdi. Parsons forsto at noen ganger er grunnen til at ingen kjøper arbeidet ditt at de ikke kjenner det igjen, fordi det er fra fremtiden.
Betty Parsons - Challenge, 1976, akryl på lerret (venstre) / Sputnik, 1961, akryl på lerret (høyre), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
«Alltid identifiser deg med kunsten; aldri identifiser deg med kunstneren.»
Parsons mislikte noen kunstnere, men elsket verkene deres. Hun forstod at kunstnere ikke trenger å være likandes, sosiale eller sjarmerende. Kunstnere er ikke selgere eller politikere. Deres verk taler for seg selv.
«[Kunstnerne jeg representerer] blir friere og mer kreative etter hvert. Det har jeg alltid oppmuntret.»
Noen gallerister oppmuntrer kunstnere til å finne en stil som selger og holde seg til den. Parsons utfordret kunstnerne hun viste. Hun mente at drivkraft og vekst er nøkkelen til å bli bedre, og at salg er den minst viktige delen av en kunstkarriere.
«Vi er alle en del av alt.»
Parsons ble ofte spurt om sine synspunkter på samfunnsspørsmål. Dette sitatet var hennes svar på et slikt spørsmål. Hun visste at kunsten har evnen til å avsløre virkeligheten at våre fellestrekk langt overgår det som skiller oss. Dette sitatet har påvirket meg mest. Det bør gjentas stadig, fordi det er så lett å glemme.
Betty Parsons - Requiem, 1963, akryl på lerret, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Fremhevet bilde: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på lerret, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
