De fengslende animasjonene til Oskar Fischinger

I år er det 50-årsjubileum for døden til Oskar Fischinger, et forutsigende geni som kom nærmere enn noen annen kunstner til å uttrykke de mystifiserende, abstrakte fellestrekkene som eksisterer mellom musikk og bilder. Gjennom sine animerte filmer korrelerte Fischinger de visuelle språkene av former, linjer og farger med det musikalske språket av noter, takter, harmonier og dissonanser. Gjennom sin oppfinnelse av Lumigraph, en lysutstrålende enhet som manipuleres for hånd på samme måte som et musikalsk instrument, demonstrerte han potensialet for estetisk-emotionelle bånd som kan skapes av improviserte, dynamiske fargekomposisjoner spilt på en maskin. Og gjennom sine malerier formidlet han de hevede konseptuelle planene skjult i sine filmatiske verk ved å fryse dem på forenklede, todimensjonale flater. I løpet av sin karriere la han grundig ut sine kunstneriske intensjoner i skrifter og taler. “Jeg ønsker at dette verket skal oppfylle de åndelige og emosjonelle behovene i vår tid,” skrev han i 1950. “For det er noe vi alle søker—noe vi prøver å oppnå i løpet av et liv...håper...en dag, kanskje, vil noe bli avslørt, som stiger opp fra det ukjente, noe som vil avsløre Den Sanne Skapelsen: Den Kreative Sannheten!”

Oskar Fischinger: En Født Kunstner

Noen kunstnere blir laget; andre blir født. Oskar Fischinger studerte aldri kunst på skole. Født i 1900 i Hesse, Tyskland, ble han, som de fleste medlemmene av sin generasjon, innkalt til militærtjeneste som tenåring. Men på grunn av sin dårlige fysiske tilstand ble han ikke tvunget til å kjempe for Tyskland i krigen. I stedet tok han en jobb i en orgelfabrikk. Den tidlige eksponeringen for mekanismene i musikalsk skapelse skulle vise seg å være skjebnesvanger for Fischinger senere, spesielt når den ble lagt til den ingeniørutdanningen han fikk etter krigen, da familien hans flyttet til Frankfurt. Kanskje var ikke disse erfaringene typiske for noen som var bestemt til å bli en stor kunstner, men de var kreative i sin essens, og som det viser seg, var de perfekte for skjebnen som ventet denne spesielle kunstneren.

I 1921 ble Fischinger kjent med den avantgarde tyske filmregissøren Walter Ruttman. Ruttman var en av få kunstnere som eksperimenterte med film som et abstrakt medium, og utforsket måtene det kunne samhandle med andre kunstformer. Fischinger ble inspirert av arbeidet Ruttman gjorde, og takket være sin mekaniske og ingeniørbakgrunn klarte han å finne en måte å imponere Ruttman på i retur. Han gjorde dette gjennom oppfinnelsen av en mekanisk animasjonsenhet: en "voks skjæremaskin." Etter å ha hørt om enheten, var Ruttman så imponert at han ba Fischinger om rettighetene til å bruke den. Fischinger lisensierte rettighetene til maskinen sin til Ruttman, og flyttet også senere til München, hvor han fikk tilgang til mer utstyr, noe som gjorde det mulig for ham å eksperimentere videre på egen hånd.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Filmene

Mens han var i München, laget Fischinger noen av sine tidligste filmer. I stedet for å etterligne den realistiske verden, studerte de andre måter lys og lyd kunne samhandle i en film. I 1926 skrev han et av sine sentrale essays, med tittelen Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, eller A New Art: Spatial Light Music. Selv om det ser ut til at det aldri ble publisert i hans levetid, er det nå arkivert ved The Center for Visual Music i Los Angeles, som eier og forvalter Fischinger-verkene, inkludert hans filmer og papirer. Tankene Fischinger uttrykte i dette essayet, sammen med prestasjonene som er tydelige i hans tidlige filmer, plasserte Fischinger i det filosofiske selskapet til kunstnere som Wassily Kandinsky, som trodde sterkt på evnen til ikke-objektive bilder til å kommunisere åndelig på samme abstrakte nivå som musikk. Men ved å fokusere på filmer i stedet for maleri, var Fischinger i stand til å forstå en essensiell forskjell mellom musikk og bilder: at musikk, i motsetning til statiske bilder, skjer i tid.

En enkelt note som varer bare et øyeblikk har ikke den samme følelsesmessige effekten på en lytter som en symfoni spilt over en time. Og det samme gjelder for bilder. En enkelt visuell komposisjon i et maleri har ikke den samme følelsesmessige effekten på en seer som en visuell komposisjon som utspiller seg over tid i et bevegelig bilde. Ved å anvende denne grunnleggende tankegangen, brukte Fischinger de neste to tiårene på å lage noen av de mest banebrytende abstrakte, animerte filmene som noen gang er laget. Noen var satt til musikk, og har blitt kalt de første musikkvideoene. Men de var ikke i nærheten av musikkvideoer slik vi kjenner dem i dag. De var satt til musikk kun i et forsøk på å undersøke likhetene i måtene visuelle komposisjoner og musikalske komposisjoner kommuniserer abstrakt til hjernen vår.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Komposisjon i blått

I 1935, mens han bodde i Berlin, oppnådde Oskar Fischinger det mange anser for å være hans mesterverk: en film med tittelen Komposisjon i blått. Filmet på 35 mm fargefilm, er den animerte kortfilmen satt til en melodi fra De glade konene i Windsor, en opera av den tyske komponisten Otto Nicolai, basert på stykket med samme navn av William Shakespeare. Gjennom filmen danser levende fargede, abstrakte former i perfekt synk med musikken. Bakgrunnen ser ut til å skifte fra to til tre dimensjoner, og kollapser ofte inn i seg selv, og forvandler seg i en endeløs, lunefull, visuell glede.

Et bemerkelsesverdig aspekt ved Composition in Blue er hvordan den ble laget. Fischinger bygde for hånd hver av de små formene som danser rundt i filmen. Det er malte modeller, nøye flyttet mens filmen ble tatt opp, ett bilde av gangen. Hver fryst ramme kunne, under andre omstendigheter, utgjøre et abstrakt maleri. Eller, hadde han ønsket det, kunne hver komposisjon før filming vært betraktet som en skulpturell installasjon. Men det var først i bevegelse, som utspilte seg over tid, at Fischinger mente disse abstrakte bildene kunne oppnå samme innvirkning som musikalske komposisjoner, så det var mot dette målet han rettet arbeidet.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Komposisjon i Blått, 1935, © Center for Visual Music

Maleriene

Komposisjon i Blått oppnådde internasjonal anerkjennelse. Dels på grunn av suksessen, kunne Fischinger komme til Amerika i 1936, hvor han tok ulike stillinger i Hollywood og jobbet for Paramount, Walt Disney og andre studioer. Men han lærte raskt om kløften som eksisterer mellom de idealistiske målene til kunstnere og de kommersielle filmproduksjonsselskapene. Ute av stand til å finne den økonomiske støtten som var nødvendig for å fortsette å lage sitt rent kunstneriske animasjonsarbeid, ble Fischinger til slutt tvunget til å forlate film. Han fokuserte i stedet mye av oppmerksomheten sin på slutten av 1940-tallet på sin oppfinnelse, Lumigraph. Og så ironisk nok, tilbrakte han de siste 15 årene av livet sitt som maler.

Malene Fischinger skapte er bemerkelsesverdige i sin variasjon. Som hans tidligere animasjoner, ser de ut til å inneholde det abstrakte visuelle språket til hver annen abstrakt kunstner fra 1900-tallet. Men disse er ikke avledede verk. Tvert imot, de fleste av disse bildene ble initiert av Fischinger lenge før kunstnere som Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis og Kenneth Noland kom frem til dem på egen hånd. Og i motsetning til forventningene, i stedet for å ta noe bort fra filmene hans, tilfører maleriene hans kraft til ideene hans om musikk og bilder og effektene av å oppleve dem i tid. Hvert maleri er et fanget øyeblikk—et isolert fragment av en større opplevelse. Å se dem i filmene hans tar oss med på en reise. Å se dem i maleriene hans lar oss sette pris på dem som kjennere.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Verste hyllest noensinne

Oskar Fischinger var åpenbart en pioner, så det er ikke overraskende at folk ofte ønsker å hedre ham og hans prestasjoner. Men i juni i fjor, på det som ville vært hans 117. bursdag, "hedret" Google Fischinger med en Google Doodle—en av de interaktive distraksjonene Google tilbyr brukere på sin søkeside. Doodlen ga besøkende muligheten til å endre en musikalsk-visuell komposisjon ved å klikke på skjermen. Selv om det var underholdende, var det en absurd hyllest til Fischinger. Fischinger sa en gang i referanse til sine erfaringer i Hollywood: “Ingen fornuftig kreativ kunstner kunne skape et fornuftig kunstverk hvis et team av medarbeidere av alle slag hver har sin mening i den endelige skapelsen... De endrer ideene, dreper ideene før de blir født, forhindrer ideer fra å bli født, og erstatter de absolutte kreative motivene med bare billige ideer for å passe til den laveste fellesnevner.”

Hvordan Google tenkte at en høyt betalt programmerer som jobbet for en kommersiell fabrikk kunne hedre denne kunstneren ved å tilby bokstavelig talt alle med en Internett-tilkobling en "stemme i den endelige skapelsen" er ukjent. Et sted, noe går tapt i oversettelsen. Men vil resten av menneskeheten noen gang innhente Oskar Fischinger? Kanskje. Det er ikke vanskelig å forstå hva Fischinger mente vi skulle gjøre med hans verk. Han mente vi skulle bruke det til åndelig og emosjonell næring. Kanskje de beste måtene for oss å hedre hans arv på ikke er å lage dumme selskapsleker, eller å redusere hans prestasjoner til utsagn som, "Wow, han gjorde alt dette uten en datamaskin?!" I stedet burde vi kanskje gi ham det han fortjener som kunstner, filosof og poet, og prøve å forstå den dypere hensikten med hans arbeid, som kaller oss til å gjennoppleve de skjulte mysteriene som binder våre varierte, og fortsatt ganske misforståtte, sansekræfter.

Google feirer 117-årsdagen til Oskar Fischinger, © Google

Utvalgt bilde: Oskar Fischinger - stillbilde fra Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.

Av Phillip Barcio