De fengslende animasjonene til Oskar Fischinger

I år er det 50 år siden Oskar Fischinger døde, et fremsynt geni som kom nærmere enn noen annen kunstner har gjort når det gjelder å uttrykke de mystiske, abstrakte fellestrekkene mellom musikk og bilder. Gjennom animasjonsfilmene sine sammenstilte Fischinger de visuelle språkene til former, figurer, linjer og farger med det musikalske språket til toner, rytmer, harmonier og dissonanser. Gjennom oppfinnelsen av Lumigraph, et lysavgivende apparat som ble håndtert for hånd på samme måte som et musikkinstrument, demonstrerte han potensialet for å skape estetisk-emosjonelle forbindelser gjennom improviserte, dynamiske fargekomposisjoner spilt på en maskin. Og gjennom maleriene sine formidlet han de forsterkede konseptuelle planene som var skjult i filmene hans, ved å fryse dem på forenklede, todimensjonale flater. Samtidig redegjorde han grundig for sine kunstneriske intensjoner gjennom tekster og taler i løpet av karrieren. «Jeg ønsker at dette verket skal oppfylle de åndelige og emosjonelle behovene i vår tid», skrev han i 1950. «For det er noe vi alle søker - noe vi streber etter gjennom et helt liv ... i håp om at ... noe en dag, kanskje, vil bli åpenbart, noe som oppstår fra det ukjente, noe som vil avsløre den Sanne skapelsen: den skapende sannheten!»

Oskar Fischinger: En født kunstner

Noen kunstnere blir skapt; andre blir født. Oskar Fischinger studerte aldri kunst på skolen. Han ble født i 1900 i Hessen i Tyskland og ble, som de fleste i sin generasjon, innkalt til militærtjeneste som tenåring. Men på grunn av sin dårlige fysiske tilstand ble han ikke tvunget til å kjempe for Tyskland i krigen. I stedet tok han arbeid på en orgelfabrikk. Denne tidlige eksponeringen for mekanismene bak musikalsk skapelse skulle senere vise seg å bli skjebnesvanger for Fischinger, særlig kombinert med ingeniørutdanningen han fikk etter krigen, da familien flyttet til Frankfurt. Kanskje var ikke disse erfaringene typiske for en som var bestemt til å bli en stor kunstner, men de var kreative i sitt vesen, og det viste seg at de var perfekte for skjebnen som ventet denne bestemte kunstneren.

I 1921 ble Fischinger kjent med den tyske avantgardefilmregissøren Walter Ruttman. Ruttman var en av en håndfull kunstnere som eksperimenterte med film som et abstrakt medium og utforsket hvordan det kunne samspille med andre kunstformer. Fischinger ble inspirert av arbeidet Ruttman holdt på med, og takket være sin mekaniske og tekniske bakgrunn klarte han til gjengjeld å imponere Ruttman. Det gjorde han gjennom oppfinnelsen av et mekanisk animasjonsapparat: en «voksskjæremaskin». Etter å ha hørt om apparatet ble Ruttman så imponert at han ba Fischinger om retten til å bruke det. Fischinger lisensierte rettighetene til maskinen sin til Ruttman og flyttet senere til München, hvor han fikk tilgang til mer utstyr som gjorde det mulig for ham å eksperimentere videre på egen hånd.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Filmene

Mens han var i München, laget Fischinger noen av sine tidligste filmer. I stedet for å etterligne den realistiske verden undersøkte de andre måter lys og lyd kunne samspille på i en film. I 1926 skrev han et av sine banebrytende essay, med tittelen Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, eller En ny kunst: romlig lysmusikk. Selv om det tilsynelatende aldri ble publisert mens han levde, finnes det nå i arkivet til The Center for Visual Music i Los Angeles, som eier og forvalter Fischingers samlede verk, inkludert filmene og tekstene hans. Tankene Fischinger uttrykte i dette essayet, sammen med prestasjonene som kommer til syne i de tidlige filmene hans, plasserte Fischinger i samme filosofiske selskap som kunstnere som Wassily Kandinsky, som hadde sterk tro på at ikke-figurative bilder kunne kommunisere åndelig på samme abstrakte nivå som musikk. Men ved å fokusere på film i stedet for maleri var Fischinger i stand til å forstå en vesentlig forskjell mellom musikk og bilder: at musikk, i motsetning til statiske bilder, utspiller seg i tid.

En enkelt tone som bare varer et øyeblikk, har ikke samme emosjonelle virkning på en lytter som en symfoni som spilles over en time. Og det samme gjelder bilder. En enkelt visuell komposisjon i et maleri har ikke samme emosjonelle virkning på en betrakter som en visuell komposisjon som utspiller seg over tid i en film. Ved å anvende denne grunnleggende tankegangen brukte Fischinger de neste to tiårene på å skape noen av de mest banebrytende abstrakte animasjonsfilmene som noen gang er laget. Noen var satt til musikk og har blitt kalt de første musikkvideoene. Men de lignet ikke på musikkvideoer slik vi kjenner dem i dag. De ble satt til musikk bare for å undersøke likhetene i hvordan visuelle og musikalske komposisjoner kommuniserer abstrakt til hjernene våre.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition in Blue

I 1935, mens han bodde i Berlin, skapte Oskar Fischinger det mange regner som hans hovedverk: en film med tittelen Composition in Blue. Den animerte kortfilmen ble tatt opp på 35 mm fargefilm og er satt til en melodi fra The Merry Wives of Windsor, en opera av den tyske komponisten Otto Nicolai, basert på skuespillet med samme navn av William Shakespeare. Gjennom hele filmen danser livlige, fargesterke abstrakte former i perfekt takt med musikken. Bakgrunnen ser ut til å skifte fra to til tre dimensjoner og kollapser ofte inn i seg selv, noe som forvandles til en endeløs, lunefull visuell fryd.

Et bemerkelsesverdig aspekt ved Composition in Blue er hvordan den ble laget. Fischinger bygde hver eneste lille form som danser rundt i filmen, for hånd. Det er malte modeller som ble flyttet møysommelig mens filmen ble tatt opp, én filmrute om gangen. Hver frosne filmrute kunne under andre omstendigheter ha utgjort et abstrakt maleri. Eller, om han hadde ønsket det, kunne hver komposisjon før innspillingen ha blitt betraktet som en skulpturell installasjon. Men Fischinger mente at disse abstrakte bildene først kunne oppnå samme virkning som musikalske komposisjoner når de var i bevegelse og utspilte seg over tid, og det var dette målet han rettet arbeidet mot.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

Maleriene

Composition in Blue fikk internasjonal anerkjennelse. Delvis på grunn av suksessen kunne Fischinger komme til Amerika i 1936, hvor han hadde ulike stillinger i Hollywood og arbeidet for Paramount, Walt Disney og andre studioer. Men han lærte raskt om avgrunnen mellom kunstneres idealistiske mål og målene til kommersielle filmproduksjonsselskaper. Da han ikke klarte å finne økonomisk støtte til å fortsette å lage sine rent kunstneriske animasjonsverk, ble Fischinger til slutt tvunget til å forlate filmen. I stedet viet han mye av oppmerksomheten sin på slutten av 1940-tallet til oppfinnelsen sin, Lumigraph. Og ironisk nok tilbrakte han de siste 15 årene av livet som maler.

Maleriene Fischinger skapte, er bemerkelsesverdige i sin variasjon. I likhet med de tidligere animasjonene hans ser de ut til å inneholde det abstrakte visuelle språket til alle andre abstrakte kunstnere på 1900-tallet. Men dette er ikke avledede verk. Tvert imot ble de fleste av disse bildene påbegynt av Fischinger lenge før kunstnere som Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis og Kenneth Noland fant frem til dem på egen hånd. Og i motsetning til det man kunne forvente, tar maleriene ikke noe bort fra filmene hans; de tilfører tvert imot kraft til ideene hans om musikk og bilder og virkningene av å oppleve dem i tid. Hvert maleri er et fanget øyeblikk - et isolert fragment av en større opplevelse. Å se dem i filmene hans tar oss med på en reise. Å se dem i maleriene lar oss verdsette dem som kjennere.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Den verste hyllesten noensinne

Oskar Fischinger var åpenbart en pioner, så det er ikke overraskende at folk ofte ønsker å hylle ham og prestasjonene hans. Men i juni i fjor, på det som ville ha vært hans 117-årsdag, «hyllet» Google Fischinger med en Google Doodle - en av de interaktive avledningene Google tilbyr brukerne på søkesiden sin. Doodlen ga besøkende muligheten til å endre en musikalsk-visuell komposisjon ved å klikke på skjermen. Selv om det var underholdende, var det en absurd hyllest til Fischinger. Fischinger sa en gang, med henvisning til erfaringene sine i Hollywood: «Ingen fornuftig, kreativ kunstner kan skape et fornuftig kunstverk dersom en stab av medarbeidere av alle slag hver skal ha noe å si i den endelige skapelsen ... De endrer ideene, dreper ideene før de blir født, hindrer ideer i å bli født og erstatter de absolutt kreative motivene med billige ideer som passer den laveste fellesnevneren.»

Hvordan Google mente at en høyt betalt programmerer som arbeidet for en kommersiell fabrikk, kunne hylle denne kunstneren ved bokstavelig talt å gi alle med en internettforbindelse «noe å si i den endelige skapelsen», er ukjent. Et eller annet sted går noe tapt i oversettelsen. Men vil resten av menneskeheten noen gang innhente Oskar Fischinger? Kanskje. Det er ikke vanskelig å forstå hva Fischinger ønsket at vi skulle gjøre med verkene hans. Han ønsket at vi skulle bruke dem til åndelig og emosjonell næring. Kanskje den beste måten å hylle arven hans på ikke er å lage tåpelige selskapsleker eller redusere prestasjonene hans til utsagn som «Wow, laget han virkelig alt dette uten en datamaskin?!» I stedet bør vi kanskje anerkjenne ham som kunstner, filosof og poet og forsøke å forstå den dypere hensikten med arbeidet hans, som oppfordrer oss til å gjenforenes med de skjulte mysteriene som knytter sammen våre ulike, og fortsatt svært misforståtte, sansekrefter.

Google feirer Oskar Fischingers 117-årsdag, © Google

Hovedbilde: Oskar Fischinger - stillbilde fra Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle bilder er kun brukt for illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio 2017

Redigert av IdeelArt (2026)