De fengslende animasjonene til Oskar Fischinger

I år er det 50 år siden dødsfallet til Oskar Fischinger, et foruttenkende geni som kom nærmere enn noen annen kunstner til å uttrykke de mystiske, abstrakte fellestrekkene som finnes mellom musikk og bilder. Gjennom sine animerte filmer korrelerte Fischinger de visuelle språkene av former, figurer, linjer og farger med det musikalske språket av toner, slag, harmonier og dissonanser. Gjennom sin oppfinnelse av Lumigrafen, en lysutstrålende enhet som ble manipulert for hånd på samme måte som et musikkinstrument, viste han potensialet for estetisk-følelsesmessige bånd som kunne skapes ved improviserte, dynamiske fargesammensetninger spilt på en maskin. Og gjennom sine malerier formidlet han de hevede konseptuelle planene skjult i hans filmverk ved å fryse dem på forenklede, todimensjonale flater. Samtidig la han gjennom hele sin karriere, i skrifter og taler, grundig fram sine kunstneriske intensjoner. «Jeg ønsker at dette verket skal oppfylle vår tids åndelige og følelsesmessige behov,» skrev han i 1950. «For det finnes noe vi alle søker—noe vi prøver på gjennom et liv... i håp om... at en dag, kanskje, noe vil bli åpenbart, oppstått fra det ukjente, noe som vil avsløre Den Sanne Skapelsen: den Skapende Sannhet!»

Oskar Fischinger: En Født Kunstner

Noen kunstnere blir skapt; andre er født. Oskar Fischinger studerte aldri kunst på skole. Født i 1900 i Hessen, Tyskland, ble han, som de fleste i sin generasjon, innkalt til militærtjeneste som tenåring. Men på grunn av dårlig fysisk form ble han ikke tvunget til å kjempe for Tyskland i krigen. I stedet tok han jobb i en orgelfabrikk. Den tidlige kontakten med mekanismene bak musikalsk skapelse skulle vise seg å bli skjebnesvanger for Fischinger senere, særlig da han etter krigen fikk ingeniørutdannelse da familien flyttet til Frankfurt. Kanskje var ikke disse erfaringene typiske for noen som var bestemt til å bli en stor kunstner, men de var kreative i sin kjerne, og som det viste seg, perfekte for skjebnen som ventet denne kunstneren.

I 1921 ble Fischinger kjent med den avantgardistiske tyske filmregissøren Walter Ruttman. Ruttman var en av få kunstnere som eksperimenterte med film som et abstrakt medium, og utforsket hvordan det kunne samhandle med andre kunstformer. Fischinger ble inspirert av arbeidet Ruttman gjorde, og takket være sin mekaniske og ingeniørmessige bakgrunn klarte han å finne en måte å imponere Ruttman på. Det gjorde han gjennom oppfinnelsen av en mekanisk animasjonsmaskin: en «voksskivemaskin». Etter å ha hørt om maskinen ble Ruttman så imponert at han ba Fischinger om rettighetene til å bruke den. Fischinger lisensierte rettighetene til maskinen til Ruttman, og flyttet senere til München, hvor han fikk tilgang til mer utstyr som gjorde det mulig for ham å eksperimentere videre på egen hånd.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Filmene

Mens han var i München laget Fischinger noen av sine tidligste filmer. I stedet for å etterligne den realistiske verden, studerte de andre måter lys og lyd kunne samhandle i en film. I 1926 skrev han et av sine viktige essays, med tittelen Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, eller En ny kunst: Romlys-musikk. Selv om det ser ut til at det aldri ble utgitt i hans levetid, finnes det nå arkivert ved The Center for Visual Music i Los Angeles, som eier og forvalter Fischingers verk, inkludert hans filmer og papirer. Tankene Fischinger uttrykte i dette essayet, sammen med prestasjonene i hans tidlige filmer, plasserer ham i filosofisk selskap med kunstnere som Wassily Kandinsky, som sterkt trodde på evnen til ikke-figurative bilder til å kommunisere åndelig på samme abstrakte nivå som musikk. Men ved å fokusere på film i stedet for maleri, klarte Fischinger å forstå en vesentlig forskjell mellom musikk og bilder: at musikk, i motsetning til statiske bilder, foregår i tid.

En enkelt tone som varer bare et øyeblikk har ikke samme følelsesmessige virkning på en lytter som en symfoni spilt over en time. Det samme gjelder for bilder. En enkelt visuell komposisjon på et maleri har ikke samme følelsesmessige virkning på en betrakter som en visuell komposisjon som utspiller seg over tid i en film. Ved å anvende denne grunnleggende tankegangen brukte Fischinger de neste to tiårene på å lage noen av de mest banebrytende abstrakte, animerte filmene som noen gang er laget. Noen var satt til musikk, og har blitt kalt de første musikkvideoene. Men de var ikke som musikkvideoer slik vi kjenner dem i dag. De var satt til musikk kun i et forsøk på å undersøke likhetene i måtene visuelle komposisjoner og musikalske komposisjoner kommuniserer abstrakt til hjernen vår.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Komposisjon i Blått

I 1935, mens han bodde i Berlin, fullførte Oskar Fischinger det mange anser som hans hovedverk: en film med tittelen Komposisjon i Blått. Filmen, som er filmet på 35 mm fargefilm, er satt til en melodi fra De glade koner i Windsor, en opera av den tyske komponisten Otto Nicolai, basert på stykket med samme navn av William Shakespeare. Gjennom hele filmen danser livlig fargede, abstrakte former i perfekt takt med musikken. Bakgrunnen synes å skifte fra to til tre dimensjoner, og kollapser ofte inn i seg selv, og forvandles til en endeløs, lunefull visuell fryd.

Et bemerkelsesverdig aspekt ved Komposisjon i Blått er hvordan den ble laget. Fischinger bygde for hånd hver av de små formene som danser rundt i filmen. Det er malte modeller, nøye flyttet mens filmen ble tatt opp, ett bilde om gangen. Hvert frosset bilde kunne, under andre omstendigheter, utgjøre et abstrakt maleri. Eller, om han hadde ønsket, kunne hver komposisjon før den ble filmet ha blitt betraktet som en skulpturell installasjon. Men det var først i bevegelse, utspilt over tid, at Fischinger mente disse abstrakte bildene kunne oppnå samme virkning som musikalske komposisjoner, og det var mot dette målet han styrte arbeidet.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Komposisjon i Blått, 1935, © Center for Visual Music

Maleriene

Komposisjon i Blått oppnådde internasjonal anerkjennelse. Delvis på grunn av suksessen kunne Fischinger komme til Amerika i 1936, hvor han tok ulike stillinger i Hollywood, blant annet hos Paramount, Walt Disney og andre studioer. Men han lærte raskt om kløften som finnes mellom idealistiske mål hos kunstnere og de kommersielle filmselskapenes mål. Uten å finne økonomisk støtte til å fortsette å lage sin rent kunstneriske animasjonskunst, ble Fischinger til slutt tvunget til å gi opp film. Han konsentrerte seg i stedet mye av sin oppmerksomhet på slutten av 1940-årene om sin oppfinnelse, Lumigrafen. Og ironisk nok tilbrakte han de siste 15 årene av sitt liv som maler.

Maleriene Fischinger skapte er bemerkelsesverdige i sin variasjon. Som hans tidligere animasjoner synes de å inneholde det abstrakte visuelle språket til alle andre abstrakte kunstnere fra 1900-tallet. Men disse er ikke avledede verk. Tvert imot ble de fleste av disse bildene startet av Fischinger lenge før kunstnere som Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis og Kenneth Noland kom fram til dem på egen hånd. Og i motsetning til forventningene, i stedet for å ta noe bort fra hans filmer, tilfører maleriene hans kraft til hans ideer om musikk og bilder og effektene av å oppleve dem i tid. Hvert maleri er et fanget øyeblikk—et isolert fragment av en større opplevelse. Å se dem i filmene hans tar oss med på en reise. Å se dem i maleriene hans lar oss sette pris på dem som kjennere.

Oskar Fischinger - stillbilde fra Motion Painting nr. I, 1947, © Center for Visual Music

Den Verste Hyllesten Noensinne

Oskar Fischinger var åpenbart en pioner, så det er ikke overraskende at folk ofte ønsker å hylle ham og hans prestasjoner. Men i juni i fjor, på det som ville vært hans 117. fødselsdag, «hyllestet» Google Fischinger med en Google Doodle—en av de interaktive avledningene Google tilbyr brukere på sin søkeside. Doodlen ga besøkende mulighet til å endre en musikk-visuell komposisjon ved å klikke på skjermen. Selv om det var underholdende, var det en absurd hyllest til Fischinger. Fischinger sa en gang med henvisning til sine erfaringer i Hollywood: «Ingen fornuftig skapende kunstner kunne lage et fornuftig kunstverk hvis en stab av medarbeidere av alle slag hver har sin mening i den endelige skapelsen... De endrer ideene, dreper ideene før de er født, hindrer ideer i å bli født, og erstatter de absolutte skapende motivene med bare billige ideer for å passe den laveste fellesnevner.»

Hvordan Google trodde at en høyt betalt programmerer som jobber for en kommersiell fabrikk kunne hylle denne kunstneren ved å gi bokstavelig talt alle med internettforbindelse en «stemme i den endelige skapelsen» er ukjent. Et eller annet sted går noe tapt i oversettelsen. Men vil resten av menneskeheten noen gang innhente Oskar Fischinger? Kanskje. Det er ikke vanskelig å forstå hva Fischinger ønsket at vi skulle gjøre med hans verk. Han ønsket at vi skulle bruke det til åndelig og følelsesmessig næring. Kanskje de beste måtene å hedre hans arv på ikke er ved å lage tullete selskapsleker, eller ved å redusere hans prestasjoner til utsagn som «Wow, han gjorde alt det uten en datamaskin?!» I stedet bør vi kanskje gi ham hans rettmessige plass som kunstner, filosof og poet og prøve å forstå det dypere formålet med hans verk, som kaller oss til å gjenknytte med de skjulte mysteriene som binder våre forskjellige, og fortsatt ganske misforståtte, sanseevner.

Google feirer Oskar Fischingers 117-årsdag, © Google

Utvalgt bilde: Oskar Fischinger - stillbilde fra Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio