Wadsworth Atheneum Museum of Art hedrer den abstrakte ekspresjonistiske skulptøren Herbert Ferber
Herbert Ferber var et mysterium. Han var en av de mest innflytelsesrike kunstnerne på 1900-tallet, og likevel har de fleste i dag aldri hørt om ham. Ferber omgikk seg med de mest berømte av de berømte—Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Han stilte til og med ut sammen med dem på Betty Parsons-galleriet. Faktisk var Ferber en av de 18 “Irascibles” som skrev et åpent brev til The Metropolitan Museum of Art i protest mot utstillingen American Painting Today i 1950. Han er med i det berømte bildet av den beryktede gruppen som fulgte med Life Magazine-artikkelen som regnes som den som introduserte abstrakt ekspresjonisme for verden. Til tross for alle disse berømmelsene, er Ferber likevel ikke akkurat et kjent navn i de fleste hjem. En grunn til det kan være at det var slik han ønsket det. Ferber er svært utfordrende å skrive om fordi han var sterkt dedikert til tanken om at kunsten burde være langt viktigere enn kunstnerne. Han mente at ideen bak verket er det som burde diskuteres, og at spørsmålet om hvor godt ideen ble realisert burde være hovedfokuset i all kunstskriving. Likevel, så gyldig som dette noe eksistensielle synspunktet kan være, virker det for meg viktig å snakke om kunstneren i noen grad. Uten kunstnere og de særegenhetene som får dem til å gjøre det de gjør, ville det ikke vært noen kunst å se på eller skrive om i det hele tatt. Spesielt i Ferbers tilfelle er detaljene i hans personlige liv avgjørende for de ideene han utviklet. Hvis du ikke er kjent med hans tanker, er dette det perfekte tidspunktet å bli kjent med dem. En retrospektiv utstilling ved Wadsworth Atheneum Museum of Art i Hartford, Connecticut, med tittelen Herbert Ferber: Space in Tension, viser 40 verk av kunstneren, som spenner over hele hans karriere og legger grunnlaget for å forstå hans betydning for utviklingen av abstrakt kunst.
Bygg det opp, bryt det ned
Født i New York City i 1906, kom Ferber til skulptur via tannlegestudiet. Han måtte lage anatomiske studier i timene. En av hans lærere oppdaget at han var spesielt dyktig til å tegne kroppsdeler og anbefalte Ferber å satse på kunst som en slags ekstra-tannlegehobby. Ferber meldte seg straks på kveldsundervisning ved Beaux-Arts Institute of Design i New York. Selv om han fullførte tannlegestudiet og til og med praktiserte tannlegearbeid deltid, ble hans lidenskap for ideene han møtte på kunstskolen raskt altoppslukende i hans fritid. Han begynte med tegning og maling, men følte snart en sterkere dragning mot den konseptuelle verdenen i skulptur.
Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Estate of Herbert Ferber
Hans første skulpturelle eksperimenter besto i å bygge opp lag med gips for å lage figurative modeller av menneskekroppen. Ferber kalte denne prosessen med å bygge en skulpturell form lagvis for en “gammel tradisjon.” Likevel krevde hans nysgjerrighet at han prøvde andre metoder. Han var imponert over hvordan romansk arkitektur skapte en falsk følelse av målestokk og perspektiv. Han likte hvordan det tomme rommet inne i for eksempel en kirke fikk like stor betydning som den fysiske strukturen selv. Han ble inspirert av denne ideen om et rammeverk som samarbeider med åpent rom. Å bygge opp en skulptur, eller til og med skjære ut en skulptur, kunne ikke oppnå den samme romfølelsen, så han bestemte seg for å arbeide med metall. Sveiseprosessen gjorde det mulig for ham å lage det han kalte “åpne skulpturer,” eller former som var satt sammen for å inkludere både faste materialer og tomrom.
Herbert Ferber - Apocalyptic Rider II, 1947, © Estate of Herbert Ferber
Gestisk abstrakt skulptur
Den første store utstillingen Ferber fikk, var på Betty Parsons-galleriet. Den inkluderte det han kalte “gestiske” skulpturer—“naturalistiske” former med “en slags gestisk oppbygning.” Arbeidene ble av noen kritikere ansett som surrealistiske, og av andre som abstrakte. Ferber sa at ingen av beskrivelsene var helt riktige. Han eksperimenterte bare med måter å uttrykke enkle ideer på. Han ønsket å lage former som gjennomboret rommet. Han ville forstå forskjellen mellom form og rom. Han ønsket å utforske hvordan en fysisk gest kunne manifestere seg som et fast objekt. Han ønsket å la materialene og prosessene uttrykke sin egen sannhet. Dette, påpekte Ferber, var de spørsmålene alle kunstnerne i New York-skolen snakket om på den tiden. De var imidlertid ikke viktige spørsmål for kjøperne, som stort sett ignorerte Ferber og de fleste av hans samtidige, i hvert fall i begynnelsen.
Herbert Ferber - Hyllest til Piranesi IV B, 1963-64, © Estate of Herbert Ferber
Til tross for å være fattig og stort sett oversett, forble Ferber og de andre filosofiske og idealistiske. Han husker at han snakket uendelig mye med andre kunstnere om ett enkelt kunstverk, og gikk stadig dypere inn i dets konseptuelle konsekvenser. Som han sa i et intervju i 1968 for Smithsonian Archives of American Art, “vi snakket ikke om den slags ting jeg hører nå, som hvor du stiller ut eller hva du selger, eller hvilke oppdrag du har fått. Men det handlet alltid om ideene involvert i å bryte med eller utvikle seg mot en ny form eller en ny idé.” Til slutt modnet disse ideene til de velkjente temaene som nå definerer utallige museumsutstillinger og essays om amerikansk kunst midt på 1900-tallet. Ferber gikk videre enn dem, derimot. Han fortsatte å utvikle seg og presse seg selv i atelieret sitt. Hvert valg han tok som kunstner, tillot ham å realisere en idé, og det forble hans hovedfokus til slutten. Hans motvilje mot selvskryt kan ha holdt ham under radaren til massemediene siden han alltid ga æren til ideene og ikke sitt eget navn, men det ga også arbeidet hans ekthet, livskraft og kraft. Herbert Ferber: Space in Tension vises til 29. juli 2018 ved Wadsworth Atheneum Museum of Art.
Bilde i toppen: Herbert Ferber: Space in Tension, installasjonsbilde ved Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
