Wadsworth Atheneum Museum of Art hedrer den abstrakte ekspresjonistiske skulptøren Herbert Ferber
Herbert Ferber var en gåte. Han var en av de mest innflytelsesrike kunstnerne på 20th århundre, og likevel har de fleste mennesker i dag aldri hørt om ham. Ferber omga seg med de mest kjente av de kjente—Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Han stilte til og med ut sammen med dem i Betty Parsons Gallery. Faktisk var Ferber en av de 18 "Irascibles" som skrev et åpent brev til The Metropolitan Museum of Art i protest mot deres American Painting Today utstilling i 1950. Han er inkludert i den berømte av den beryktede gruppen som fulgte med Life Magazine-artikkelen som krediteres for å ha introdusert abstrakt ekspresjonisme for verden. Til tross for alle disse kravene til berømmelse, er imidlertid Ferber ikke akkurat et husholdningsnavn. En grunn til dette kan være fordi det var slik han ønsket det. Ferber er ekstremt utfordrende å skrive om fordi han var veldig dedikert til ideen om at kunst burde være langt viktigere enn kunstnere. Han mente at ideen bak verket er det som bør diskuteres, og at spørsmålet om hvor godt ideen ble realisert, burde være fokuset for all kunstskriving. Likevel, så gyldig som dette noe eksistensielle synspunktet kan være, virker det for meg avgjørende å snakke om kunstneren i noen grad. Uten kunstnere og de særtrekkene som får dem til å gjøre det de gjør, ville det ikke vært noen kunst å se på eller skrive om i det hele tatt. Spesielt i tilfellet Ferber, er detaljene i hans personlige liv essensielle for ideene han utviklet. Hvis du ikke er kjent med ideene hans, er dette den perfekte tiden for å bli kjent. En retrospektiv utstilling ved Wadsworth Atheneum Museum of Art i Hartford, Connecticut, med tittelen Herbert Ferber: Space in Tension, viser 40 verk av kunstneren, som spenner over hele hans karriere og legger grunnlaget for å forstå hans betydning for utviklingen av abstrakt kunst.
Bygg det opp, bryt det ned
Født i New York City i 1906, kom Ferber til skulptur via tannlegeskolen. Han måtte lage anatomiske studier i timene. En av instruktørene hans innså at han var spesielt talentfull til å tegne kroppsdeler og anbefalte Ferber å forfølge kunst som en slags ekstra-dental hobby. Ferber meldte seg raskt på kveldsundervisning ved Beaux-Arts Institute of Design i New York. Selv om han fullførte tannlegeskolen, og til og med praktiserte tannlege deltid, ble lidenskapen hans for ideene han møtte på kunstskolen raskt altoppslukende for all fritiden hans. Han begynte med tegning og maling, men følte snart en sterkere tilknytning til det konseptuelle området av skulptur.
Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Estate of Herbert Ferber
Hans første skulpturelle eksperimenter involverte å bygge opp lag av gips for å lage figurative modeller av den menneskelige figuren. Ferber omtalte denne prosessen med å bygge en skulptural form med lag som en "tids-honored" tradisjon. Likevel krevde hans nysgjerrighet at han forfulgte andre metoder. Han var imponert over måten romansk arkitektur skapte en falsk følelse av skala og perspektiv. Han likte hvordan det tomme rommet innenfor, si, en kirke, fikk like mye betydning som den fysiske strukturen selv. Han ble inspirert av denne ideen om en ramme som samarbeider med åpen plass. Å bygge opp en skulptur, eller til og med å hogge ut en skulptur, kunne ikke oppnå den samme følelsen av rom, så han bestemte seg for å jobbe med metall. Sveiseprosessen tillot ham å lage det han kalte "åpne skulpturer," eller former som ble samlet for å inkludere både solide materialer og tom plass.
Herbert Ferber - Apokalyptisk Rytter II, 1947, © Estate of Herbert Ferber
Gestural Abstrakt Skulptur
Den første store utstillingen Ferber fikk, var på Betty Parsons Gallery. Den inkluderte det han refererte til som "gestural" skulpturer—"naturalistiske" former med "en slags gestural oppsett." Arbeidet ble ansett som Surrealistisk av noen kritikere, og abstrakt av andre. Ferber sa at ingen av beskrivelsene var helt nøyaktige. Han eksperimenterte bare med måter å komme til enkle ideer på. Han ønsket å lage former som trengte gjennom rommet. Han ønsket å forstå hva forskjellen er mellom form og rom. Han ønsket å utforske hvordan en fysisk gest kunne manifestere seg som et solid objekt. Han ønsket å la materialene og prosessene sine uttrykke sin sannhet. Disse, påpekte Ferber, var spørsmålene som alle kunstnerne i New York-skolen snakket om på den tiden. De var imidlertid ikke viktige spørsmål for kjøpende publikum, som stort sett ignorerte Ferber, og de fleste av hans samtidige også, i hvert fall i de tidlige dagene.
Herbert Ferber - Hyllest til Piranesi IV B, 1963-64, © Estate of Herbert Ferber
Til tross for å være fattig og stort sett ignorert, forble Ferber og de andre filosofiske og idealistiske. Han husker at han snakket uendelig med andre kunstnere om et enkelt kunstverk, og dykket dypere og dypere inn i dets konseptuelle konsekvenser. Som han sa i et intervju i 1968 for Smithsonian Archives of American Art, "vi snakket ikke om den typen butikk som jeg hører nå til dags, som er hvor du stiller ut eller hva du selger, eller hvilke oppdrag du har fått. Men det handlet alltid om ideene involvert i å bryte bort fra eller utvikle seg mot en ny form eller en ny idé." Til slutt modnet disse ideene til de veletablerte samtalepunktene som nå definerer utallige museumutstillinger og essays om amerikansk kunst fra midten av 1900-tallet. Ferber gikk imidlertid videre fra dem. Han fortsatte å utvikle seg og presse seg selv i studioet sitt. Hver valg han tok som kunstner tillot ham å oppfylle en idé, og det forble hans primære fokus til slutten. Hans aversjon mot selvhevdelse kan ha holdt ham under radaren til massemediene siden han alltid ga kreditt til ideene og ikke sitt navn, men det ga også arbeidet hans autentisitet, vitalitet og kraft. Herbert Ferber: Space in Tension går frem til 29. juli 2018 på Wadsworth Atheneum Museum of Art.
Fremhevet bilde: Herbert Ferber: Space in Tension, installasjonsvisning ved Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio
