Hvorfor er kunsten til Georg Baselitz i hovedsak abstrakt?

Kunsten til Georg Baselitz har blitt kalt sjokkerende, kontroversiell og grotesk. Den har også blitt kalt episk og blant den mest internasjonalt innflytelsesrike tyske kunsten de siste 50 årene. Maleriene, skulpturene og trykkene hans inneholder nesten alltid gjenkjennelige bilder fra den objektive verden, uansett hvor tvetydige de måtte være. Og oftere enn ikke refererer de åpenlyst til et politisk, historisk eller sosialt tema. Likevel, til tross for sin erklærende, ofte direkte natur, betrakter vi kunsten til Georg Baselitz som grunnleggende abstrakt. For oss er det tydelig at det finnes så mye mer i arbeidene hans enn motivet. Selv Baselitz ser ut til ikke å vite nøyaktig hvor dypt lagene går. Verkene hans ser ut til allerede å være i ferd med å spørre hva de egentlig er, før vi får anledning til å spørre. For oss er de mer enn bilder. De er de nyeste levende nedtegnelsene av en pågående kamp mellom fortid og nåtid, mening og intethet, kunstner og kunst.

Talent er irrelevant

Georg Baselitz har beskrevet seg selv som grunnleggende vanskelig å plassere. «Jeg gjør det ikke enkelt for folk,» har han sagt. «Det er vanskelig å identifisere. Man kjenner ikke igjen kunsten min med én gang.» Gjennom sin fem tiår lange karriere har Baselitz utviklet seg gjennom en rekke ulike stiler og utforsket forskjellige teknikker. Nylig introduserte han til og med det han kaller remikser: raskt omarbeidede oppdateringer av sine egne klassiske verk. Men ett ord beskriver alt arbeidet hans på en treffende måte, uavhengig av medium eller tidspunkt: brutalt. Jean-Michel Basquiat, som en gang var Baseliz' samtidige, fordømte kritikere av sin egen brutale stil ved å si: «Tro det eller ei, jeg kan faktisk tegne.» Når det gjelder Baselitz, får den brutale karakteren i arbeidene hans oss til å undre: Kan han også tegne? Og for den saks skyld, ønsker han i det hele tatt det?

Baselitz regnes av mange som sexistisk fordi han ofte sier at kvinner lager de dårligste maleriene, siden de bryr seg for mye om virtuositet og ikke nok om ting som ambisjon, opprør og aggresjon. Er han en hemmelig virtuos som ganske enkelt velger å lage ambisiøse, opprørske og aggressivt grovhogde bilder fordi det gjør ham til en bedre maler? Kanskje. Men da Baselitz gikk på kunstskole, ble han utvist det første året fordi han var «sosialt og politisk umoden». Kanskje den brutale stilen hans er en nødvendighet. Kanskje det ikke er sexisme som får ham til å komme med disse påstandene om kvinner. Kanskje det bare er den feilen mange vellykkede mennesker gjør når de tror at de også må være kloke fordi de er vellykkede.

Georg Baselitz med skulpturene sine Dresdener Frauen (Dresden-kvinner), 1990. Treskåret med motorsag. © Georg Baselitz

Bildet er ingenting

Men selv om den brutale stilen hans skyldes nødvendighet snarere enn valg, kan vi fortsatt se den abstrakte signaturen til en kunstner som strever etter et sant uttrykk. Et av verkene som først gjorde Baselitz kjent for offentligheten, var et maleri kalt Die grosse Nacht im Eimer eller The Big Night Down the Drain. Det viser en liten, forvridd, toppløs og barnlig mannsfigur som står dumt med buksesmekken åpen og svinger sitt enorme fallos. Sovjetiske myndigheter i Øst-Tyskland beslagla maleriet som uanstendig da det først ble stilt ut, og mange har sagt at det fremkaller et bilde av Adolph Hitler.

Men The Big Night Down the Drain har også blitt kalt et selvportrett. For noen ligner det til og med en Pinocchio-dukke med nesen revet av og stappet ned i buksene, kanskje en humoristisk referanse til den klassiske mannlige løgnen. Uansett hva den egentlige betydningen er, er fargevalgene mørke og ville, penselstrøkene hans levende, de kompositoriske valgene lekne, og figuren både truende og grotesk. Alle disse elementene taler til eksistensielle ambisjoner og antyder at vi bør la oss styre mer av disse følelsene enn av motivet når vi møter verket.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Olje på lerret. Museum Ludwig, Köln, Tyskland (høyre) og en remiks av dette maleriet fra 2005 (høyre) © 2019 Georg Baselitz

Helter er monstre

På midten av 1960-tallet dro Baselitz til Firenze og studerte maleriene til italienske manieristiske malere. Inspirert av deres dramatiserte kroppslighet begynte han på en omfattende serie verk som fremstilte samtidige figurer i lignende mytiske positurer. Disse figurene lignet ofte soldater som vendte hjem fra krig, eller bønder som vandret gjennom apokalyptiske landskap. Han omtalte maleriene som New Types og kalte figurene i dem helter, opprørere og gjetere. Det mest berømte eksempelet i serien heter The Great Friends. Det viser to slike figurer som holder hverandre i hånden mens de går gjennom et marerittaktig tomrom foran et amerikansk flagg som ligger på bakken.

Maleriene i New Types virker utvilsomt narrative i sin hensikt. Men det er vanskelig å forklare hva fortellingen er. Ansiktsuttrykkene minner faktisk om heroiske malerier av helgener fra fortiden. De massive, mishandlede kroppene fremkaller en følbar styrke, men har bittesmå hoder. Kommenterer de heltemotet i dumhet, uvitenheten i krig eller nødvendigheten av å være fysisk sterk, men mentalt liten, hvis man vil overleve? Igjen fremkalles, bortsett fra motivet, abstrakte følelser av angst, meningsløshet og mørke gjennom fargevalgene, billedflatens flathet og komposisjonens underlighet.

Georg Baselitz - The Great Friends, 1965. Olje på lerret. 98 2/5 × 118 1/10 tommer. 250 × 300 cm. Städel Museum, Frankfurt © 2019 Georg Baselitz. Foto: Frank Oleski, Köln

Verden er opp ned

Mens han malte New Types, begynte Baselitz å fragmentere noen av bildene sine og flytte komposisjonselementer rundt på måter som gjorde motivet mer tvetydig og la større vekt på den estetiske komponenten. Fragmenteringen avslørte en tiltrekning Baselitz hadde mot abstraksjon, og denne nådde sin fulle modenhet i 1969, da han begynte å male bildene sine opp ned. For å lage de opp-ned-maleriene la han lerretene på gulvet og malte dem fra et opp-ned-perspektiv, for deretter å henge dem opp ned på veggen da de var ferdige.

Han forble opptatt av betydningen av motivet. Et av hans mest berømte opp-ned-malerier viser for eksempel en ørn, en mulig referanse til tysk historie. Han ønsket den følelsen som kunne oppstå når en betrakter grunnet over motivet i arbeidene hans, men han ønsket også at malerienes objektkarakter skulle være det primære. Han ønsket at malingen skulle holde på betrakterens oppmerksomhet og dermed gjøre verket til et objekt, samtidig som det beholdt sitt symbolske potensial. De opp-ned-vendte maleriene frigjorde ham fra fellen med bokstavelig tolkning og hjalp ham med å lage verk som kunne betraktes som rent estetiske objekter.

Georg Baselitz - Portrat K. L. Rinn, 1969. Olje på lerret. 63 3/4 × 51 1/8 tommer. 161.9 × 129.9 cm (venstre) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Olje på lerret (høyre) © 2019 Georg Baselitz

Kunstens brutalitet

Georg Baselitz' kunst har ofte blitt satt inn i en kontekst av kritikere, historikere og til og med Baselitz selv gjennom henvisninger til det tyske begrepet Vergangenheitsbewältigung, som i hovedsak betyr å kjempe med fortiden. Det viser til måtene tyske kunstnere etter andre verdenskrig har blitt tvunget til å bidra til å forklare de uforsvarlige handlingene i deres kollektive fortid. I et intervju med Spiegel Online i 2013 beskrev Baselitz følelsene sine rundt dette konseptet slik: «Alle tyske malere har en nevrose knyttet til Tysklands fortid: krigen, etterkrigstiden fremfor alt, Øst-Tyskland. Jeg tok for meg alt dette i en dyp depresjon og under stort press. Maleriene mine er, om du vil.» Maleriene hans er virkelig kamper. De er fysiske kamper, ettersom han aldri har hatt en assistent til tross for den utmattende vanskeligheten i arbeidsprosessen. Og de er følelsesmessige kamper, mens han kjemper mellom sitt forhåndseksisterende syn og fremdriften mot noe annet som tar over når maleriet først har begynt.

Et av de mest berømte verkene Baselitz har laget, er faktisk en referanse til en virkelig kamp. Det heter ’45, og de 20 panelene viser indirekte til bombingen av Dresden i 1945. I det møter Baselitz brutalitet med brutalitet på en direkte og personlig måte. Han viser at det viktigste for å skape en akseptabel fremtid ikke er perfeksjon, talent eller ynde. Det viktigste er å erkjenne menneskets rå begjær. Det som betyr noe, er følelser, lidenskap og hjerte. Og dette verket viser også på en effektiv måte at brutalitet er avgjørende for en kunstner: brutalitet overfor fortiden, overfor andre kunstnere, overfor sitt eget arbeid, overfor motivet og overfor mediet. Uavhengig av motivet er alle kunstverkene Georg Baselitz har laget abstrakte fordi de viser oss verden samtidig som de avviser den, snur den på hodet og gjenskaper den. De krever at vi ser den, men også at vi leter etter noe annet, noe annerledes, noe som ennå ikke er forestilt. De uttrykker doble realiteter: at det finnes skapelse i ødeleggelse, vår fremtid i historien, og noe det er verdt å kjempe for i enhver kamp.

Forsidebilde: Georg Baselitz - Dinner in Dresden (detalj), 1983. Olje på lerret. © 2019 Georg Baselitz
Alle bilder brukes kun som illustrasjoner
Av Phillip Barcio 2017
Redigert av IdeelArt (2026)