Kombinere det Abstrakte og det Figurative - Kunst av Albert Oehlen

Ved første øyekast kan mange av maleriene til Albert Oehlen virke kompliserte, som den visuelle ekvivalenten til støy. De kombinerer figurative elementer med elementer som er rent abstrakte. De innlemmer et vidt og stadig utviklende utvalg av prosesser, materialer og teknikker. Når vi fokuserer på disse ulike elementene, kan komposisjonene til tider virke usammenhengende og disharmoniske. Men når man ser dem fra et bredere perspektiv, ikke som endelige visuelle utsagn, men som utløsere for en dypere estetisk respons, trer en følelse av harmoni fram i maleriene hans. Oehlen var elev av Sigmar Polke, en tysk maler, fotograf og professor som utfordret grensene mellom figurativt og abstrakt. Han var også tidligere samboer med Martin Kippenberger, en tyskfødt multimediekunstner kjent for å utforske hvordan den objektive verden krysser med det abstrakte. I tillegg er han en mangeårig venn av Christopher Wool, en maler som kombinerer dristige tekstbaserte budskap med abstraksjon på måter som skaper skarpe skiller mellom de to, samtidig som de antyder at de er det samme. På den måten han kombinerer figurativt og abstrakt, deler Oehlens kunstneriske produksjon en tydelig arv med disse tre andre kunstnerne. Men den deler også en annen viktig, mindre åpenbar likhet: den er enklere enn den ser ut.

Utviklingen til Albert Oehlen

Albert Oehlen ble født i 1954 i Krefeld, Tyskland, nordvest for Düsseldorf. Han vokste opp i en kunstnerisk familie. Oehlens far var kunstner, og hans yngre bror Markus, to år yngre, har også blitt en dyktig abstrakt popkunstner som arbeider med maleri og skulptur. Albert har sagt at han alltid visste at han skulle bli kunstner, som om det bare var noe han tok for gitt. Men valget om å fokusere på maleri, og spesielt abstrakt maleri, kom til ham gradvis over tid.

Oehlen fullførte sin utdannelse ved Kunstakademiet i Hamburg i 1978. Etter skolen eksperimenterte han med ulike uttrykksformer, inkludert musikk. Men det var etter at han flyttet fra Tyskland til Spania, hvor han delte bolig med Martin Kippenberger, at han fant sin stemme som abstrakt maler. I et intervju med Interview Magazine i 2009 sier Oehlen at han grep muligheten til å forvandle sin tilnærming til kunsten. «Jeg ønsket å starte noe nytt som jeg hadde drømt om lenge, nemlig abstrakt maleri», sa Oehlen, «og jeg tok sjansen på å begynne med det der [i Spania], noe som var veldig bra fordi vi var veldig isolert. Det var bare Martin og jeg i det huset, så man kunne gjøre sine feil og se hvordan den andre reagerte.»

Albert Oehlen - Uten tittel, 1989. Olje og harpiks på lerret. 23 4/5 × 28 9/10 tommer. 60,4 × 73,5 cm. © Albert Oehlen

Maleriets uforutsigbarhet

Å ha frihet til å eksperimentere og feile ga Oehlen en forståelse av usikkerhetens viktighet i kunsten hans. Det finnes en iboende spenning i det å ikke vite hvordan noe vil ende opp. Det finnes en levende kraft som driver en kunstner til å manifestere det ukjente, eller det uforestilte. Men en mulig ulempe ved full frihet til å eksperimentere er at det kan virke lammende. Hvor begynner man hvis man ikke har noen anelse om hvor man skal? For å gi seg selv nok struktur til å holde fokus samtidig som han kunne nyte friheten til å eksperimentere, begynte Oehlen å finne på enkle regler for seg selv i atelieret.

Disse vilkårlige reglene har ingen annen hensikt enn å utfordre ham i prosessen, for å skape uforutsigbarhet og strid. Han begrenser noen ganger verkene sine til én enkelt farge. Andre ganger gir han seg selv begrensningen å bare gå saktere fram. En av Oehlens favorittregler, som han pleide å dele med studentene sine da han underviste ved Kunstakademiet i Düsseldorf, var: «Bytt materiale. For mange avgjørelser er du ikke bevisst. Det begynner når du skal handle kunstrekvisita. Du tar avgjørelser, og de er alltid de samme, som hvilken type pensler du kjøper. Og hvis du blir tvunget til å endre noe, gir det en usikkerhet til arbeidet som er veldig nyttig. Det får deg til å finne ut hva du egentlig trenger.»

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Olje på lerret. © Albert Oehlen

Ingenting er stygt

Gjennom tiår med eksperimentering og selvpålagte vilkårlige begrensninger har Oehlen kommet til en morsom erkjennelse. På grunn av de unike fysiske egenskapene verkene har, er det lite noen kan gjøre for å få et maleri til å bli stygt. Det var en tid da ideen om dårlige malerier var i tankene til mange kuratorer og kunstnere, inkludert Oehlen. Ulike definisjoner av dårlige malerier ble vurdert. Noen mente det hadde med prosessen å gjøre. Andre mente det var grunnleggende for komposisjonen eller de estetiske kvalitetene i et verk.

Oehlen jobbet hardt med tanken om å lage dårlige malerier på samme måte som en musiker kan lage en sang som er umulig å høre på. Men han oppdaget at noen kunne anse hvert maleri som vakkert, fordi mennesker rett og slett har en instinktiv tiltrekning til den iboende skjønnheten i maling på en flate. Uansett motiv, uansett kunstnerens ferdighetsnivå, uansett komposisjon og uansett prosess, kan man argumentere for at ingen malerier er dårlige, fordi noe godt kan finnes i dem hvis vi bare er villige til å se etter.

Albert Oehlen - Uten tittel, 2005. Akryl og olje på lerret. © Albert Oehlen

Visuelle utløsere

Det modne arbeidet Albert Oehlen skaper i dag gjenspeiler tankegangen til en maler som rett og slett elsker å arbeide. Han er allsidig i valg av materialer og teknikker, og gir seg selv muligheter til å vokse og utvikle seg. Han lager noen ganger kollasjer og maler deretter over dem, og bruker til kollasjematerialene en blanding av slitte reklameplakater og blekkskriverutskrifter. Han bruker noen ganger spraymaling, noen ganger olje, og noen ganger gnir han malingen utover flaten i en uskarp bevegelse. Gleden for ham som kunstner kommer tydeligvis fra den rette blandingen av eksperimentering og regler, eller med andre ord, prosessen.

For betraktere kan det være lett å bli forvirret av de mange lagene, stilene og referansene i Oehlens kunstverk. Men som vi nevnte tidligere, ved å forenkle måten vi ser på dem, kan vi komme nærmere en forståelse av deres verdi. Måten å forenkle dem på er å se dem ikke som verk som inneholder mening som skal avdekkes, men å se dem som visuelle utløsere. Ta et skritt tilbake og se dem som en åpenbaring av en prosess, og la dem utløse en følelse eller en tanke. De figurative bildene, teksten, fargene, merkene eller de fysiske restene av vår kultur utgjør sammen en følelse, en som i stor grad er opp til oss. Bildet er ikke slutten på historien. Hvis det var det, ville det virkelig være forvirrende. Men det er bare begynnelsen.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Papirkollasje på lerret. © Albert Oehlen

Dempe støyen

Visuelt har verkene til Albert Oehlen blitt plassert i ulike kunstretninger, som neo-ekspresjonisme og Neue Wilde. Neo-ekspresjonistene var viktige for gjeninnføringen av figurativ kunst etter bevegelser som abstrakt ekspresjonisme, minimalisme og konseptkunst. Neue Wilde, eller vill ungdom, kombinerte abstrakte og figurative bilder med sterke farger og følelsesladde penselstrøk. Ved første øyekast ser Oehlens verk ofte ut til å inneholde begge elementene. Men Oehlen har også fått et annet kallenavn: den frie radikaleren. Det navnet skyldes Oehlens insistering på at han ikke tilhører noen bevegelse, og at hvert av hans verk bør vurderes separat og ut fra sin egen estetiske påstand.

Hva Oehlens påstander egentlig innebærer, er en åpen samtale, en som ikke engang Oehlen fullt ut kan forklare. Det som er åpenbart, er at han gradvis har utviklet en unik estetisk visjon, en som fortsetter å utvikle seg. Han bruker alle visuelle verktøy han har til rådighet for å skape noe som vil fremkalle en følelse hos betrakterne. Alt er vakkert og godt, i hvert fall i noen av våre sinn. Folk kan si at de liker det eller ikke liker det. Og hva så? Det kan ikke forstås gjennom faktabasert analyse. Alt vi med sikkerhet kan si, er at støyen av merkelapper, dommer og estetisk kritikk egentlig bare står i veien for hans arbeid. Som de mange elementene Oehlen kombinerer i verkene sine, er det alt sammen støy. Gjennom sin uforutsigbare og åpne prosess prøver Oehlen rett og slett å lage gode malerier. Han tar de kompliserte elementene i det visuelle landskapet og demper dem. Jo mer vi kan forenkle måten vi ser på hans arbeid, desto enklere blir det, og desto lettere er det å se det som vakkert.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Litografisk trykk på Somerset Epson. © Albert Oehlen

Forsidebilde: Albert Oehlen - Uten tittel (detalj), 1993. Olje på lerret. © Albert Oehlen
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio