Kombinere det Abstrakte og det Figurative - Kunst av Albert Oehlen

Ved første øyekast ser mange av maleriene til Albert Oehlen kompliserte ut, som den visuelle ekvivalenten av støy. De kombinerer figurative elementer med elementer som er rent abstrakte. De inkorporerer et bredt spekter av stadig utviklende prosesser, materialer og teknikker. Når vi fokuserer på disse disparate elementene, kan komposisjonene til tider virke usammenhengende og disharmoniske. Men når de vurderes fra et bredere perspektiv, ikke som endelige visuelle utsagn, men som utløsere for en dypere estetisk respons, fremstår en følelse av harmoni i maleriene hans. Oehlen var student av Sigmar Polke, en tysk maler, fotograf og professor som utfordret grensene mellom figuration og abstraksjon. Og han er en tidligere romkamerat av Martin Kippenberger, en tyskfødt multimediekunstner som også er kjent for å utforske hvordan den objektive verden krysser den abstrakte. Og han er også en langvarig venn av Christopher Wool, en maler som kombinerer dristige tekstbaserte budskap med abstraksjon på måter som skaper harde linjer mellom de to, samtidig som de antyder at de er de samme. På den måten det kombinerer figuration og abstraksjon, deler Oehlen sitt kunstverk en klar arv med alle tre av disse andre kunstnerne. Men det deler også en annen viktig, mindre åpenbar likhet: det er enklere enn det ser ut.

Evolusjonen til Albert Oehlen

Albert Oehlen ble født i 1954 i Krefeld, Tyskland, nordvest for Düsseldorf. Han ble oppdratt i en kunstnerisk familie. Oehlens far var kunstner, og hans bror Markus, to år yngre, har blitt en dyktig abstrakt popkunstner som også arbeider innen maleri og skulptur. Albert har sagt at han alltid visste at han ville bli kunstner, som om det bare var noe han tok for gitt. Men valget om å fokusere på maleri, og spesielt abstrakt maleri, var noe som kom til ham gradvis over tid.

Oehlen fullførte graden sin ved Universitetet for kunst i Hamburg i 1978. Etter skolen eksperimenterte han med ulike uttrykksformer, inkludert musikk. Men det var etter å ha flyttet fra Tyskland til Spania, hvor han delte hjem med Martin Kippenberger, at han fant sin stemme som abstrakt maler. I et intervju med Interview Magazine i 2009 sier Oehlen at han grep den muligheten til å transformere tilnærmingen sin til kunst. “Jeg ønsket å starte noe nytt som jeg hadde drømt om i lang tid, som var abstrakt maling,” sa Oehlen, “og jeg tok sjansen til å starte det der [i Spania], som var veldig bra fordi vi var veldig isolerte. Det var Martin og jeg alene i det huset, så man kunne gjøre sine feil og se hvordan den andre reagerer.”

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

Malekunstens uforutsigbarhet

Å ha frihet til å eksperimentere og feile ga Oehlen innsikten i viktigheten av usikkerhet i kunsten hans. Det er en iboende spenning i å ikke vite hvordan noe vil ende opp. Det er en levende kraft som driver en kunstner mot å manifestere det ukjente, eller det uforestilte. Men en potensiell ulempe ved den totale friheten til å eksperimentere er at det kan være lammede. Hvor begynner man hvis man ikke har noen anelse om hvor man skal? For å gi seg selv nok struktur til å forbli fokusert samtidig som han også kunne nyte friheten til å eksperimentere, begynte Oehlen å finne på enkle regler for seg selv i studioet.

Disse vilkårlige reglene har ingen annen hensikt enn å utfordre ham i prosessen, for å skape uforutsigbarhet og strid. Noen ganger begrenser han verkene sine til en enkelt nyanse. Andre ganger gir han seg selv begrensningen til å bare gå saktere. En av Ohlen sine favoritt vilkårlige regler, en han pleide å dele med studentene sine da han underviste ved Kunstakademie Düsseldorf, var, “Endre materialet. Fordi mange beslutninger du ikke er klar over. Det begynner når du skal handle kunstmateriell. Du tar beslutninger, og de er alltid de samme, som typen pensler du kjøper. Og hvis du blir tvunget til å endre noe, gir det en usikkerhet til arbeidet som er veldig nyttig. Det får deg til å finne ut hva du virkelig trenger.”

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

Ingenting er stygt

Gjennom tiår med eksperimentering og å sette vilkårlige grenser for seg selv, har Oehlen kommet til en morsom erkjennelse. På grunn av de unike fysiske egenskapene verkene har, er det lite noen kan gjøre for å få et maleri til å være stygt. Det var en tid da ideen om dårlig maling var i tankene til mange kuratorer og kunstnere, inkludert Oehlen. Ulike definisjoner av dårlig maling ble vurdert. Noen mente det hadde å gjøre med prosessen. Andre mente det var grunnleggende for komposisjonen, eller de estetiske kvalitetene til et verk.

Oehlen jobbet hardt med tanken om å lage dårlige malerier på samme måte som en musiker kan lage en sang som er umulig å lytte til. Men han oppdaget at noen kan anse hvert maleri som vakkert, fordi mennesker rett og slett har en visceralt tiltrekning til den iboende skjønnheten av maling på en overflate. Uansett hva motivet er, uansett hvilket ferdighetsnivå kunstneren har, uansett hva komposisjonen er og uansett hva prosessen er, kan det argumenteres for at ingen malerier er dårlige, fordi noe godt kan finnes i dem hvis vi bare er villige til å se.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

Visuelle triggere

Det modne arbeidet Albert Oehlen skaper i dag reflekterer tankesettet til en maler som rett og slett elsker å engasjere seg i sitt arbeid. Han er variert i sitt valg av materialer og teknikker, og gir seg selv muligheter til å vokse og utvikle seg. Han lager noen ganger collager og maler deretter over dem, og bruker til collage-materialene en blanding av søppelaktige reklameplakater og blekkskriverutskrifter. Han bruker noen ganger spraymaling, noen ganger oljemaling, noen ganger smudger han malingen over overflaten i en uskarphet. Gleden for ham som kunstner kommer tydelig fra den rette blandingen av eksperimentering og regler, eller med andre ord, prosessen.

For seerne kan det være lett å bli forvirret av de mange lagene, stilene og referansene i Oehlens kunstverk. Men som vi nevnte tidligere, ved å forenkle måten vi ser på dem, kan vi komme nærmere forståelsen av deres verdi. Måten å forenkle dem på er å se dem ikke som stykker som inneholder mening som skal avdekkes, men i stedet se på dem som visuelle triggere. Ta et skritt tilbake og se på dem som en åpenbaring av en prosess, og la dem utløse en følelse eller en tanke. Det figurative bildet, teksten, fargene, merkene, eller de fysiske restene av vår kultur legger sammen opp til en følelse, en som stort sett er opp til oss. Bildet er ikke slutten på historien. Hvis det var det, ville det faktisk vært forvirrende. Men det er bare begynnelsen.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

Demp Støyen

Visuelt har verkene til Albert Oehlen blitt plassert sammen med ulike kunstbevegelser, som Neo-Expressionisme og Neue Wilde. Neo-Expressionistene var avgjørende for reintroduksjonen av figuration etter bevegelser som Abstrakt Ekspresjonisme, Minimalisme og Konseptuell Kunst. Neue Wilde, eller den ville ungdommen, kombinerte abstrakt og figurativt bilde med livlige farger og emosjonelle penselstrøk. Ved første øyekast ser Ohlens verk ofte ut til å inneholde begge elementene. Men Oehlen har også fått et annet kallenavn: den frie radikalen. Det navnet skyldes Oehlens insistering på at han ikke er en del av noen bevegelse, og at hvert av verkene hans bør betraktes separat og i henhold til sitt eget estetiske forslag.

Hva Oehlens forslag egentlig innebærer, er en åpen samtale, en som ikke engang Oehlen er i stand til å forklare fullt ut. Alt som er åpenbart, er at han gradvis har utdypet en unik estetisk visjon, en som fortsetter å utvikle seg. Han bruker de visuelle verktøyene som er tilgjengelige for å skape noe som vil generere en følelse hos betrakterne. Det er alt vakkert og alt godt, i det minste i noen av våre sinn. Folk kan si at de liker det eller de ikke liker det. Så hva? Det kan ikke forstås gjennom faktabasert analyse. Alt vi kan si med sikkerhet, er at støyen fra merkelapper, dommer og estetisk kritikk egentlig bare kommer i veien for arbeidet hans. Som de mange elementene som Oehlen kombinerer i verkene sine, er det alt sammen støy. Gjennom sin uforutsigbare og åpne prosess prøver Oehlen rett og slett å skape gode malerier. Han tar de kompliserte elementene i den visuelle atmosfæren og glatter dem ut. Jo mer vi kan forenkle hvordan vi ser på arbeidet hans, jo enklere blir det, og jo lettere er det å se det som vakkert.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

Fremhevet bilde: Albert Oehlen - Uten tittel (detalj), 1993. Olje på lerret. © Albert Oehlen
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio