Hvorfor rutenettmaleriene til Stanley Whitney betyr noe

De nylige maleriene av den amerikanske abstrakte maleren Stanley Whitney har en distinkt rutenett-lignende kvalitet. De er arkitektoniske stabler av farger, som minner om neo-plastiske TV-fargebånd. Og hans nylige tegninger legger enda mer bare hans tiltrekning til rutenettet, som består av enkle komposisjoner av tykke svarte linjer som ligner et rudimentært sjakkbrett eller fiskenett. Men Whitney har ikke alltid vært en rutenettmaler. Rutenettet var noe han brukte tiår på å gravitere mot. Faktisk, når man ser over de siste fem tiårene med maleriene hans, kan man ikke unngå å knytte en slags progressiv fortelling til arbeidet, en som har strukket seg langt utover sine opprinnelser, og blitt både mer enkel og mer dyp underveis. Dette er ironisk fordi Whitney en gang sa på Modern Art News Podcast at grunnen til at han adopterte et abstrakt visuelt språk var fordi, “jeg ville egentlig ikke være en historieforteller.” Men hans estetiske utvikling forteller en historie. Det er ikke en typisk, heroisk, begynnelse-midt-slutt type historie. Det er snarere mer som en kronologi, eller en serie nyhetsrapporter fra frontlinjene i en pågående kamp. Den kampen, som Stanley Whitney har ført siden før han vendte seg mot abstraksjon på slutten av 1960-tallet, er med maleriets og tegningens medier, og deres rolle i uttrykket av farge og rom.

En fargerik ungdom

Det er ingen overraskelse at Stanley Whitney har blitt kjent for sin undersøkelse av farge. Nå i 70-årene forteller han en vakker historie om å være en ti år gammel gutt som deltok i sitt første malekurs på en nabolagsskole i hjembyen Bryn Mawr, Pennsylvania. Læreren instruerte barna i klassen om å male selvportretter. Mens de andre studentene gjorde forsøk på å fange sine ulike realistiske ansikter, følte Whitney seg mer tiltrukket av farge enn av representativt motiv.

I stedet for å prøve å blande en fargepalett som relaterte til hans faktiske utseende, laget han et selvportrett som inkluderte hver farge han kunne komme på. Whitney sier at læreren likte maleriet, men foreldrene hans forsto det ikke. De sendte ham aldri tilbake til klassen. Men det stoppet ikke Whitney fra å bli tiltrukket av mulighetene innen maling og farge. Faktisk er det ikke en overdrivelse å si at helt siden den dagen som tiåring i sitt første malekurs, har Stanley Whitney vært forpliktet til å lete etter den ideelle måten å gjøre farge til sitt tema.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

Finne plass

I tillegg til sin tiltrekning til farge, ble Stanley Whitney også som ung trukket mot prosessen med å tegne. Hans svart-hvite tegninger virket først å være urelatert til hans kjærlighet for farge, men det var en subtil forbindelse mellom de to som tok ham mange år å innse. Forbindelsen har noe å gjøre med rom. Når han laget sine svart-hvite tegninger, fant han ut at distribusjonen av rom kunne skje på utallige måter ettersom linjene forhandler om sitt forhold til det hvite rommet i komposisjonen. Etter hvert som han ble mer dyktig i maleri, ble han imidlertid forvirret over hvordan han skulle oppnå den samme forhandlingen av rom med farge.

I hans tidlige figurative verk føles fargene klaustrofobiske og stramme. I hans første forsøk på abstraksjon, som var variasjoner av Color Field Painting med tillegg av gestural markeringer, føles fargene for løse. Han sa: “Jeg vil ha mye luft i verket. Jeg vil ha mye plass i verket.” Men han virket fastlåst av akkurat hvordan han skulle skape luftighet oppå plassen på lerretet. Hans åpenbaring kom på 1970-tallet på en reise til Middelhavet. Mens han besøkte Egypt og Roma så han svaret i arkitektur og lys. Den antikke arkitekturen uttrykte struktur, kontroll og det demokratiske potensialet i stablede elementer. De middelhavsaktige skyggene og lyset viste ham at farge og lys er det samme, og at kalde og varme farger, som kalde og varme lys, uttrykker rom. Det låste opp et malemysterium som, som han sier, “Lufta og plassen kunne være i fargen, ikke at fargen var på plassen.”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

En metodisk prosess

“Det var begynnelsen på at ting begynte å falle på plass,” sier Whitney. Fra det punktet har han sakte utviklet seg mot rutenettmaleriene han lager i dag. Han har utforsket bruk av graffiti-lignende bevegelser for å bestemme hvordan farge kan uttrykkes gjennom linje, likt arbeidet til Mondrian. Han har undersøkt måter å nærme seg rutenettet på, fra stablede former til rader av prikker og bånd av farger. Han visste at han ønsket en skjelettstruktur for å inneholde fargene sine på en rettferdig måte, men at han også ikke ønsket at rutenettets regler skulle tvinge verkene hans i en bestemt retning. Han ønsket å finne den perfekte blandingen av struktur og frihet, som Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

De modne rutenettverkene som Stanley Whitney nå lager, er rene og stabile. De virker til og med i begynnelsen å mangle noe av den grit og angst som gjorde hans tidligere arbeider så levende. Men ved nærmere ettersyn er de maleriske sporene av den menneskelige hånden tydelige, og kompleksiteten i komposisjonene avslører dybden som Whitney fortsatt kjemper med i sitt dilemma. Han har funnet en måte å gjøre farge til sitt emne. Han har oppdaget hemmeligheten om at farge og lys er det samme, og begge er manifestasjoner av rom. Og gjennom disse oppdagelsene har han laget et verk som er rikt og uten tvil fullt av mening. Men til tross for sine oppdagelser har han forblitt på kanten av barberbladet, aldri avslørende, eller kanskje aldri vite eller bry seg om å vite, nøyaktig hva den meningen er.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

Fremhevet bilde: Stanley Whitney - Uten tittel, 2016, olje på lin, foto kreditering av Galerie Nordenhake
Alle bilder © kunstneren og Galerie Nordenhake;
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio