Hvorfor rutenettmaleriene til Stanley Whitney betyr noe

De nyeste maleriene av den amerikanske abstrakte maleren Stanley Whitney har en tydelig rutenettsliknende kvalitet. De er arkitektoniske stabler av farger, som minner om neo-plastiske fjernsynsfargebarer. Og hans nyeste tegninger viser enda tydeligere hans tiltrekning til rutenettet, bestående av enkle komposisjoner med tykke svarte linjer som ligner et rudimentært sjakkbrett eller fiskegarn. Men Whitney var ikke alltid en rutenettmaler. Rutenettet var noe han brukte tiår på å nærme seg. Faktisk, når man ser tilbake på de siste femti årene med hans malerier, kan man ikke unngå å knytte en slags progressiv fortelling til arbeidet, en som har utviklet seg langt utover sine opprinnelser, og blitt både enklere og mer dyptgående underveis. Dette er ironisk fordi Whitney en gang sa på Modern Art News Podcast at grunnen til at han tok i bruk et abstrakt billedspråk var fordi, «jeg egentlig ikke ønsket å være en historieforteller.» Men hans estetiske utvikling forteller en historie. Det er ikke en typisk, heroisk, begynnelse-midtdel-slutt-type historie. Det er heller mer som en kronologi, eller en serie nyhetsrapporter fra frontlinjene i en pågående kamp. Den kampen, som Stanley Whitney har ført siden før han begynte med abstraksjon på slutten av 1960-tallet, er med maleri- og tegnekunstens medier, og deres rolle i uttrykket av farge og rom.

En fargerik ungdom

Det er ikke overraskende at Stanley Whitney har blitt kjent for sin utforskning av farge. Nå i 70-årene forteller han en fin historie om å være en ti år gammel gutt som deltok på sin første maleklasse på en nærskole i hjembyen Bryn Mawr, Pennsylvania. Læreren ba barna i klassen male selvportretter. Mens de andre elevene forsøkte å fange sine realistiske ansikter, følte Whitney seg mer tiltrukket av farge enn av gjenkjennelige motiv.

I stedet for å prøve å blande en fargepalett som lignet hans faktiske utseende, laget han et selvportrett som inkluderte alle fargene han kunne komme på. Whitney sier at læreren likte maleriet, men foreldrene hans forsto det ikke. De sendte ham aldri tilbake til klassen. Men det stoppet ikke Whitney fra å bli tiltrukket av mulighetene i maling og farge. Faktisk er det ikke å overdrive å si at helt siden den dagen som tiåring i sin første maleklasse, har Stanley Whitney vært fast bestemt på å finne den ideelle måten å gjøre farge til sitt motiv.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, foto med tillatelse fra Galerie Nordenhake

Å finne rom

I tillegg til sin tiltrekning til farge, ble Stanley Whitney som ung også fascinert av tegneprosessen. Hans svart-hvite tegninger virket først å være uten forbindelse til hans kjærlighet til farge, men det var en subtil sammenheng mellom de to som det tok ham mange år å forstå. Sammenhengen har noe med rom å gjøre. Når han laget sine svart-hvite tegninger, oppdaget han at fordelingen av rom kunne skje på utallige måter ettersom linjene forhandlet sitt forhold til det hvite rommet i komposisjonen. Etter hvert som han ble mer dyktig i maling, ble han imidlertid forvirret over hvordan han skulle oppnå den samme forhandlingen av rom med farge.

I hans tidlige figurative arbeider føles fargene klaustrofobiske og trange. I hans første forsøk på abstraksjon, som var varianter av fargefeltmaling med tillegg av gestiske merker, føltes fargene for løse. Han sa, «Jeg vil ha mye luft i arbeidet. Jeg vil ha mye rom i arbeidet.» Men han virket fastlåst i akkurat hvordan han skulle skape luftighet oppå lerretets rom. Hans åpenbaring kom på 1970-tallet under en reise til Middelhavet. Mens han besøkte Egypt og Roma, så han svaret i arkitektur og lys. Den gamle arkitekturen uttrykte struktur, kontroll og det demokratiske potensialet i stablede elementer. Middelhavets skygger og lys viste ham at farge og lys er det samme, og at kalde og varme farger, som kaldt og varmt lys, uttrykker rom. Det løste et malerimysterium som, som han sier, «luften og rommet kunne være i fargen, ikke at fargen var på rommet.»

Stanley Whitney - Untitled, 2013, grafitt på papir, foto med tillatelse fra Galerie Nordenhake

En metodisk prosess

«Det var begynnelsen på at ting falt på plass,» sier Whitney. Fra det tidspunktet har han sakte utviklet seg mot de rutenettmaleriene han lager i dag. Han har utforsket bruk av graffiti-lignende bevegelser for å bestemme hvordan farge kan uttrykkes gjennom linje, likt arbeidet til Mondrian. Han har undersøkt måter å nærme seg rutenettet på, fra stablede former til rekker av prikker og bånd av farger. Han visste at han ønsket et skjelettaktig rammeverk for å holde fargene sine på en rettferdig måte, men han ønsket heller ikke at rutenettets regler skulle tvinge verkene i en bestemt retning. Han ønsket å finne den perfekte blandingen av struktur og frihet, som jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, olje på lin, foto med tillatelse fra Galerie Nordenhake

De modne rutenettarbeidene som Stanley Whitney nå lager er rene og stabile. De kan ved første øyekast virke å mangle noe av den råheten og angsten som gjorde hans tidligere arbeider så levende. Men ved nærmere ettersyn er de maleriske merkene fra den menneskelige hånd tydelige, og kompleksiteten i komposisjonene avslører dybden i Whitney sin kamp med sitt dilemma. Han har funnet en måte å gjøre farge til sitt motiv. Han har oppdaget hemmeligheten at farge og lys er det samme, og begge er uttrykk for rom. Og gjennom disse oppdagelsene har han skapt en samling verk som er rik og ubestridelig full av mening. Men til tross for sine oppdagelser har han holdt seg på knivseggen, uten å avsløre, eller kanskje uten å vite eller bry seg om å vite, nøyaktig hva den meningen er.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, olje på lerret, foto med tillatelse fra Galerie Nordenhake

Utvalgt bilde: Stanley Whitney - Untitled, 2016, olje på lin, foto med tillatelse fra Galerie Nordenhake
Alle bilder © kunstneren og Galerie Nordenhake;
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio