Kvinnene i amerikansk abstraksjon, 1930-1950

Amerikanske abstrakte kunstnere møtte mange hindringer gjennom 1930- og 1940-årene. I en disiplin som fortsatt var dominert av realisme og styrt av mektige kunstkritikere og institusjoner, måtte abstrakte kunstnere finne kreative måter å promotere arbeidet sitt på og oppnå aksept i en stadig mer tumultarisk verden. I front var modige, talentfulle kvinnelige kunstnere som i tillegg måtte navigere i komplekse sosiale og kulturelle dynamikker gjennom før- og etterkrigsperiodene. Til dags dato har deres bidrag til tidlig amerikansk abstraksjon ofte blitt oversett til fordel for mannlige pionerer. Imidlertid, for å fullt ut forstå kunsthistorien, må vi anerkjenne kvinnene som banet vei for abstraksjon gjennom sin kreativitet, estetikk og advocacy.

Tidlig abstraksjon

Abstraksjon er allment anerkjent for å ha begynt i Europa på slutten av det nittende århundre, da noen kunstnere beveget seg bort fra realismen og utforsket former, teksturer og toner i større detalj. Teknologiske fremskritt, inkludert økt kommunikasjon og reise, gjorde det mulig for europeiske og amerikanske kunstnere å utveksle ideer mer enn noen gang før. På samme måte brakte mange europeiske kunstnere som flyktet fra skrekkene fra første og andre verdenskrig nye teknikker og teorier til USA. Dette førte til en voksende gruppe amerikanske kunstnere som var interessert i abstraksjon, mange av dem hadde besøkt kunstnere i Europa eller tatt kurs fra europeiske flyktninger som bodde i USA. Imidlertid ble abstraksjon spesielt avskyet av den amerikanske kunstetablissemanget, som nektet abstrakte kunstnere å stille ut i gallerier og museer, svartelistet dem i pressen, og hindret dem i å forfølge fruktbare karrierer.

Muligheter for kvinner

Kaoset på 1930-tallet åpnet overraskende dørene for abstrakte kunstnere i Amerika. Som svar på høy arbeidsledighet i kunstmiljøet under den store depresjonen, opprettet den amerikanske regjeringen Works Progress Administration (WPA) Federal Art Project. Kunstnere fra alle bakgrunner (kvinner og abstrakte kunstnere inkludert) ble tilbudt betalte stillinger i regjering-sponsede kunstprosjekter i løpet av depresjonen og krigsårene. Tusenvis av kunstnere ble ansatt, inkludert fremtidige banebrytende som Lee Krasner, Dorr Bothwell, og Louise Nevelson, for å forskjønne institusjoner rundt om i USA med veggmalerier, malerier og andre design. Andre kunstnere, som Irene Rice Pereira, bidro til å etablere føderalt finansierte kunstskoler for å tilby kunstklasser til underprivilegerte studenter. Ved å dra nytte av disse unike programmene, klarte kvinnelige kunstnere å tjene inntekt gjennom kunst og få viktig erfaring innen undervisning, kunstproduksjon og offentlig engasjement. Disse ferdighetene ville være avgjørende når de skapte, administrerte og promoterte den mangfoldige disiplinen av abstraksjon og sine egne karrierer.

Andre kvinner, inkludert Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina og Ray Kaiser (senere Eames), hjalp til med å opprette en ny organisasjon, American Abstract Artists (AAA), for å fremme abstraksjon for publikum og gi utstillingsplasser for kunstnere. Etablert i 1936 i New York City, ble AAA dannet som svar på Museum of Modern Arts første utstilling om abstraksjon som ble holdt samme år. Denne utstillingen, med tittelen Cubism and Abstract Art, viste nesten utelukkende europeiske kunstnere – noe som utgjorde en ytterligere institusjonell avvisning av amerikanske abstrakte kunstnere. Slobodkina skrev AAAs Historiske Oversikt, som fortsatt er publisert på deres nettside i dag, som oppsummerte det desperate behovet for denne gruppen: “Hvilke omstendigheter førte til at denne unike organisasjonen sprang opp og raskt fikk fotfeste? . . . Året var 1936. Stedet – New York City. Perioden – økonomisk depresjon, og praktisk talt total isolasjon av den generelle offentligheten fra all kontakt med nåværende avanserte estetiske trender.”

Innen ett år hadde AAA sin første utstilling i Squibb Galleries i New York. Selv om utstillingen var godt besøkt og fikk generelt positive tilbakemeldinger fra publikum, reagerte pressen fortsatt med fiendtlighet. Imidlertid fortsatte AAA å vise i mange lokale arenaer, og sakte men sikkert fikk de en voksende base av beundrere og samlere, selv om den store depresjonen og andre verdenskrig dempet ånden og lettet lommene. Kvinner var viktige aktører i AAA, de tok sentrumsscenen på utstillinger, skrev kritikker og hadde lederroller – inkludert grunnleggerne Mason og Slobodkina, som begge hadde verv som president i AAA.

Charmion von Wiegand (1896-1983), Uten tittel, ca. 1942. Kollasjert papir, opak akvarell og penn og blekk på papir, 8 1/2 × 8 1/16 tommer (21,6 × 20,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; gave fra Alice og Leo Yamin 91.84.5. © Boet etter Charmion von Wiegand; Med vennlig hilsen Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Kritisk mottakelse

Imidlertid, selv om abstraksjon begynte å få fotfeste i amerikansk kultur, møtte kvinner fortsatt betydelige vanskeligheter. Til tross for noen fremskritt gjort under krigen som tillot kvinner å arbeide utenfor hjemmet, ble kvinnelige kunstnere gransket for å gjøre arbeid som ikke var strengt hjemmerelatert eller krigsrelatert. Mange pionerer fra denne perioden huskes mer for sine berømte ektemenn enn for sine bidrag til abstraksjon, inkludert Ray Kaiser (senere Eames, gift med Charles Eames), Lee Krasner (gift med Jackson Pollock) og Elaine De Kooning (gift med Willem De Kooning). Imidlertid kan deres kunstneriske innflytelse på ektemennene ikke nektes. Bare se på Kaiser, en høyt utdannet kunstner som samarbeidet med sin arkitekt-ektemann om flere prosjekter. Hennes bruk av organiske former og spenning mellom rom er et sentralt trekk ved deres design, og det er det som gjorde Eames-navnet så feiret. På samme måte er Krasners innsats for å fremme Pollocks arv etter hans tidlige død i 1956 i stor grad grunnen til at hans arbeid er så feiret i dag.

Mange gallerier og museer nektet også å stille ut kvinnelige kunstnere: galleristen Samuel Kootz, en stor tilhenger av abstrakt ekspresjonisme, skal ha sagt at dette var fordi de var for mye bry. På den annen side ville mange kritikere først respondere positivt på verk av kvinnelige abstrakte kunstnere – inntil de oppdaget at skaperen var en kvinne. Krasner fortalte at en kritiker en gang sa om hennes arbeid: "Vi fikk vite at kunstneren var en kvinne i tide til å sjekke vår entusiasme." Som et resultat endret flere kunstnere navnene sine for å skjule sin femininitet. Irene Rice Pereira stilte ut sine dynamiske geometriske malerier under navnet I. Rice Pereira i stedet. På samme måte endret kunstneren Dorr Bothwell lovlig navnet sitt fra Doris for å få en mer positiv mottakelse fra kritikere for sine surrealistiske verk. Når det er sagt, rammet mange mannlige ledere av bevegelsen fortsatt inn disse kunstnernes verk i forhold til deres kvinnelighet. Den legendariske Hans Hoffman, som trente mange kvinnelige abstrakte kunstnere, sa en gang at Krasners arbeid var "så bra at du ikke ville vite at det var gjort av en kvinne." Til tross for den åpenbare kvaliteten på arbeidet deres, ble kvinnelige kunstnere stadig minnet om at femininitet var et verktøy brukt mot dem for å rettferdiggjøre kunstverdenens avvisning av deres håndverk.

Frihet i Abstraksjon

Ironien er, selvfølgelig, at abstraksjon – med sin mangfoldighet av uttrykk, mangel på konkrete former, og utallige emner – generelt ikke klassifiseres som maskulin eller feminin. Når man ser på et abstrakt kunstverk, ville en betrakter ha vanskeligheter med å identifisere kjønn på kunstneren som laget det. Ta for eksempel Alice Trumbull Masons trykk fra 1945, Labyrinth of Closed Forms, en samling av runde og rektangulære former på en skyggefull bakgrunn. Verket leker med gråtoner, hvitt rom, og interaksjoner mellom former – ingenting ved verket peker på Masons identitet som kvinne. Elaine De Kooning, på samme måte, omfavnet elementer av figurasjon innen sine fargerike, eteriske penselstrøk akkurat som mange mannlige impresjonistiske kunstnere hadde gjort med lys noen tiår før. Gjennom abstraksjon kunne kvinner utfordre ideer om 'feminine' estetikk og bryte ut av tidligere former. Imidlertid forble det å finne ekte aksept innen det kunstneriske fellesskapet unnvikende – kanskje inntil nå.

Det som er bemerkelsesverdig med kvinnelige abstrakte kunstnere på 1930- og 1940-tallet, er deres motstandskraft og engasjement for håndverket sitt. Gjennom økonomisk katastrofe og global krig fant de måter å forbli inspirerte, engasjerte og aktive innen sitt felt. Som et resultat overlever arbeidet og arven deres den dag i dag. Det er ikke for sent å anerkjenne prestasjonene til disse individene i løpet av denne bemerkelsesverdige tiden i historien.

Whitney Museum of American Art i New York City har kuratert en utstilling for å utforske arbeidet og prestasjonene til flere kvinnelige amerikanske abstrakte kunstnere i perioden før og etter krigen. "Labyrint av former: Kvinner og Abstraksjon, 1930-1950" vil være å se til mars 2022.

Av Emelia Lehmann

Utvalgt bilde: Lee Krasner (1908-1984), Stilleben, 1938. Olje på papir, 19 × 24 3/4 tommer (48,3 × 62,9 cm). Whitney Museum of American Art, New York; kjøpt til ære for Charles Simon, med midler gitt av hans venner fra Salomon Brothers i anledning hans 75-årsdag, og med midler fra en anonym donor og Tegnekomiteen 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York