Kvinnene i amerikansk abstraksjon, 1930-1950

Amerikanske abstrakte kunstnere møtte mange hindringer gjennom 1930- og 1940-årene. De trådte inn i en disiplin som fortsatt var dominert av realisme og styrt av mektige kunstkritikere og institusjoner, og abstrakte kunstnere måtte finne kreative måter å fremme sitt arbeid på og oppnå aksept i en stadig mer urolig verden. I fronten sto modige, talentfulle kvinnelige kunstnere som i tillegg måtte navigere komplekse sosiale og kulturelle dynamikker gjennom både før- og etterkrigstiden. Til dags dato har deres bidrag til tidlig amerikansk abstraksjon ofte blitt oversett til fordel for mannlige pionerer. For å fullt ut forstå kunsthistorien må vi imidlertid anerkjenne kvinnene som banet vei for abstraksjon gjennom sin kreativitet, estetikk og forkjemperrolle.

Tidlig abstraksjon

Abstraksjon regnes allment for å ha startet i Europa på slutten av 1800-tallet, da noen kunstnere beveget seg bort fra realismen og utforsket former, teksturer og toner i større detalj. Teknologiske fremskritt, inkludert økt kommunikasjon og reisevirksomhet, gjorde det mulig for europeiske og amerikanske kunstnere å utveksle ideer mer enn noen gang før. På samme måte brakte mange europeiske kunstnere som flyktet fra skrekkene under første og andre verdenskrig nye teknikker og teorier til USA. Dette førte til en voksende gruppe amerikanske kunstnere som var interessert i abstraksjon, mange av dem hadde besøkt kunstnere i Europa eller tatt kurs hos europeiske flyktninger bosatt i USA. Abstraksjon ble imidlertid særlig foraktet av den amerikanske kunstetablissmenten, som nektet abstrakte kunstnere å stille ut i gallerier og museer, svartelistet dem i pressen og hindret dem i å forfølge fruktbare karrierer.

Muligheter for kvinner

Kaoset på 1930-tallet åpnet overraskende nok dørene for abstrakte kunstnere i Amerika. Som svar på høy arbeidsledighet i kunstmiljøet under den store depresjonen opprettet den amerikanske regjeringen Works Progress Administration (WPA) Federal Art Project. Kunstnere fra alle bakgrunner (inkludert kvinner og abstrakte kunstnere) fikk betalte stillinger på regjeringsfinansierte kunstprosjekter under depresjonen og krigsårene. Tusener av kunstnere ble ansatt, inkludert fremtidige banebrytere som Lee Krasner, Dorr Bothwell og Louise Nevelson, for å forskjønne institusjoner rundt om i USA med veggmalerier, malerier og andre utsmykninger. Andre kunstnere, som Irene Rice Pereira, bidro til å etablere føderalt finansierte kunstskoler for å gi kunstundervisning til vanskeligstilte elever. Ved å utnytte disse unike programmene kunne kvinnelige kunstnere tjene penger på kunsten og få viktig erfaring med undervisning, kunstproduksjon og offentlig engasjement. Disse ferdighetene skulle bli avgjørende da de skapte, ledet og fremmet den mangfoldige disiplinen abstraksjon og sine egne karrierer.

Andre kvinner, inkludert Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina og Ray Kaiser (senere Eames), bidro til å opprette en ny organisasjon, American Abstract Artists (AAA), for å fremme abstraksjon for allmennheten og tilby utstillingslokaler for kunstnere. AAA ble etablert i 1936 i New York City som en reaksjon på Museum of Modern Arts første utstilling om abstraksjon samme år. Denne utstillingen, med tittelen Cubism and Abstract Art, viste nesten utelukkende europeiske kunstnere – noe som utgjorde en ytterligere institusjonell avvisning av amerikanske abstrakte kunstnere. Slobodkina skrev AAA’s Historiske Oversikt, som fortsatt publiseres på deres nettside i dag, og som oppsummerte det desperate behovet for denne gruppen: «Under hvilke omstendigheter oppsto denne unike organisasjonen og slo raskt rot? ... Året var 1936. Stedet – New York City. Tiden – økonomisk depresjon, og praktisk talt total isolasjon av allmennheten fra all kontakt med nåtidens avanserte estetiske strømninger.»

Innen ett år arrangerte AAA sin første utstilling i Squibb Galleries i New York. Selv om utstillingen var godt besøkt og mottok generelt positiv respons fra publikum, reagerte pressen fortsatt med fiendtlighet. AAA fortsatte imidlertid å vise i mange lokale lokaler, og bygde sakte opp en voksende gruppe beundrere og samlere, selv om den store depresjonen og andre verdenskrig dempet både humør og økonomi. Kvinner spilte en sentral rolle i AAA, med hovedroller på utstillinger, som kritikere og i ledende posisjoner – inkludert grunnleggerne Mason og Slobodkina, som begge hadde perioder som president i AAA.

Charmion von Wiegand (1896-1983), Uten tittel, ca. 1942. Kollasjert papir, ugjennomsiktig akvarell og penn og blekk på papir, 21,6 × 20,5 cm. Whitney Museum of American Art, New York; gave fra Alice og Leo Yamin 91.84.5. © Eiendommen til Charmion von Wiegand; med tillatelse fra Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Kritisk mottakelse

Selv om abstraksjon begynte å få fotfeste i amerikansk kultur, møtte kvinner fortsatt betydelige vanskeligheter. Til tross for noen fremskritt under krigen som tillot kvinner å arbeide utenfor hjemmet, ble kvinnelige kunstnere gransket for å gjøre arbeid som ikke var strengt huslig eller krigsrelatert. Mange pionerer fra denne perioden huskes mer for sine berømte ektemenn enn for sine bidrag til abstraksjon, inkludert Ray Kaiser (senere Eames, gift med Charles Eames), Lee Krasner (gift med Jackson Pollock) og Elaine De Kooning (gift med Willem De Kooning). Deres kunstneriske innflytelse på ektemennene kan imidlertid ikke benektes. Se bare på Kaiser, en høyt utdannet kunstner som samarbeidet med sin arkitekt-ektemann på flere prosjekter. Hennes bruk av organiske former og spenning mellom rom er et sentralt trekk i deres design og det som gjorde Eames-navnet så berømt. På samme måte er Krasners innsats for å fremme Pollocks arv etter hans tidlige død i 1956 i stor grad grunnen til at hans verk er så anerkjent i dag.

Mange gallerier og museer nektet også å stille ut kvinnelige kunstnere: gallerist Samuel Kootz, en stor tilhenger av abstrakt ekspresjonisme, skal ha sagt at dette var fordi de var for mye bryderi. På den annen side svarte mange kritikere opprinnelig positivt på verk av kvinnelige abstrakte kunstnere – inntil de oppdaget at skaperen var en kvinne. Krasner fortalte at en kritiker en gang sa om hennes arbeid: «Vi lærte at kunstneren var en kvinne i tide til å dempe vår begeistring.» Som følge av dette endret flere kunstnere navn for å skjule sin kvinnelighet. Irene Rice Pereira stilte ut sine dynamiske geometriske malerier under navnet I. Rice Pereira. På samme måte endret kunstneren Dorr Bothwell lovlig navn fra Doris for å oppnå mer gunstig mottakelse fra kritikere for sine surrealistiske verk. Likevel rammet mange mannlige ledere i bevegelsen disse kunstnernes verk i relasjon til deres kvinnelighet. Den legendariske Hans Hoffman, som trente mange kvinnelige abstrakte kunstnere, sa en gang at Krasners arbeid var «så godt at man ikke ville vite at det var laget av en kvinne.» Til tross for den åpenbare kvaliteten på deres arbeid, ble kvinnelige kunstnere stadig minnet om at kvinnelighet var et redskap brukt mot dem for å rettferdiggjøre kunstverdenens avvisning av deres håndverk.

Frihet i abstraksjon

Ironien er selvsagt at abstraksjon – med sitt mangfold av uttrykk, mangel på konkrete former og utallige motiver – vanligvis ikke klassifiseres som maskulin eller feminin. Når man ser på et abstrakt kunstverk, ville det være vanskelig for en betrakter å identifisere kjønnet til kunstneren som laget det. Ta for eksempel Alice Trumbull Masons trykk fra 1945, Labyrinth of Closed Forms, en samling av avrundede og rektangulære former på en skygget bakgrunn. Verket leker med gråtoner, hvite flater og samspill mellom former – ingenting ved verket peker på Masons identitet som kvinne. Elaine De Kooning omfavnet på samme måte elementer av figurativ kunst i sine fargerike, luftige penselstrøk, slik mange mannlige impresjonistiske kunstnere hadde gjort med lys noen tiår tidligere. Gjennom abstraksjon kunne kvinner utfordre ideer om «feminin» estetikk og bryte ut av tidligere former. Likevel forble ekte aksept i kunstmiljøet vanskelig å oppnå – kanskje helt til nå.

Det bemerkelsesverdige med de kvinnelige abstrakte kunstnerne på 1930- og 1940-tallet er deres utholdenhet og engasjement for sitt håndverk. Gjennom økonomisk katastrofe og verdenskrig fant de måter å forbli inspirerte, engasjerte og aktive innen sitt felt. Som et resultat lever deres arbeid og arv videre den dag i dag. Det er ikke for sent å anerkjenne prestasjonene til disse personene i denne bemerkelsesverdige perioden i historien.

Whitney Museum of American Art i New York City har kuratert en utstilling for å utforske arbeidet og prestasjonene til flere kvinnelige amerikanske abstrakte kunstnere i før- og etterkrigstiden. «Labyrinth of Forms: Women and Abstraction, 1930-1950» vil være utstilt til mars 2022.

Av Emelia Lehmann

Forsidebilde: Lee Krasner (1908-1984), Stilleben, 1938. Oljemaleri på papir, 48,3 × 62,9 cm. Whitney Museum of American Art, New York; kjøpt til ære for Charles Simon, med midler gitt av hans venner fra Salomon Brothers i anledning hans 75-årsdag, og med midler fra en anonym giver og Tegnekomiteen 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York