Den monumentale kunsten til Louise Nevelson

I år markerer 30-årsjubileet for døden til Louise Nevelson, en kunstner som dypt påvirket kunst i det 20. århundre og hvis arv fortsatt gjenklanger i dag. Nevelson er mest kjent for sine monokrome tre-assemblager. Deres unike estetiske stemme er delvis forankret i kunsthistorien og delvis i det visuelle og materielle språket i New York City—hennes adopterte hjem. Hennes komposisjonelle strategier henter inspirasjon fra kubismen, som hun sammenlignet med en religion, og fra de formelle abstrakte teoriene til Hans Hofmann, som var hennes lærer i mange år. Den materielle tilstedeværelsen av hennes assemblager hedrer de forkastede aspektene av bylivet. Som om hun instigert en slags revers ecdysis, samlet Nevelson ødelagte møbelbiter og byggeavfall fra byens fortau og forvandlet dem til monumentale kunstverk. Metamorfosen av profan avfall til hellig kunst er uomtvistelig i verk som "Sky Cathedral" (1958), stykket som først brakte Nevelson kritisk oppmerksomhet. Det er enda mer dyptgripende i rominstallasjonen "Dawn’s Wedding Feast" (1959); et veggverk omgitt av gulvmonterte og hengende søyler og to ikoniske brud og brudgom totemer, dette stykket etablerte ikke bare Nevelson som en av de ledende kunstnerne i sin generasjon, men hjalp også til med å banebryte feltet installasjonskunst. Det som er spesielt rørende med hennes verk er at Nevelson på en eller annen måte imbuerte dem med en følelse av intimitet til tross for deres monumentale skala. Hun tok seg tid til å sikre at hvert enkelt element kunne uttrykke sine essensielle kvaliteter innenfor strukturen av helheten. I prosessen skapte hun verk som kan nytes objektivt, eller som kan invitere seerne innover mot en mer personlig opplevelse. Til feiring av livet og verket til dette geniet, her er mine ni favorittsitater fra Louise Nevelson—hver enkelt verdifull for måten den belyser hennes arbeid og avslører de indre arbeidene i hennes sinn.

1. "Hvis du har en ramme rundt deg som ikke passer til bildet, så bryter du rammen."

Født i 1899 i Pereiaslav-Khmelnytskyi i dagens Ukraina, immigrerte Leah Berliawsky til USA i 1905 for å unnslippe religiøs forfølgelse. Hun forfulgte ivrig kunst som barn til tross for motgang fra foreldrene. Etter å ha giftet seg med Charles Nevelson i 1920, og født en sønn to år senere, innså hun at hun fortsatt var i den samme situasjonen som hun var som barn, bortsett fra at det nå var mannen hennes og hans familie som ba henne gi opp kunsten for å være en mer oppmerksom mor og kone. Da hun innså at hun var i feil ramme, forlot Nevelson mannen og sønnen i 1931 og flyttet bort for å studere med Hans Hofmann.

2. “Kuben fokuserer det og gir det sin sanne struktur.”

Nevelson strukturerte alle sine assemblager rundt den grunnleggende geometriske formen av kubene. Uansett hvor mange trestykker hun samlet i assemblagen, eller hvor usammenhengende stykkene ellers kunne ha sett ut når de ble satt sammen, holdt kubene alltid komposisjonen sammen, både visuelt og fysisk.

3. "Svart omfatter alle farger. Det er ikke en negasjon."

De fleste av verkene Nevelson laget er svarte monokromer. Mange kritikere misforsto bruken hennes av denne fargen, og antydet at hun prøvde å utrydde fortiden til materialene sine. I stedet insisterte hun på at svart var en inkluderende farge som tillot hvert enkelt element av verket å beholde sin grunnleggende essens, samtidig som det ble absorbert i ånden av helheten. Hun sa også at fargen svart fikk verkene hennes til å se "aristokratiske" ut.

Louise Nevelson - Uten tittel, ca. 1976. Malt svart treverk. 94 × 36 × 16 3/4 tommer; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

4. "Det er mye mer direkte å gjøre det på den måten jeg gjør det. Det er umiddelbart, det er sant, og det er der."

Etter å ha brukt år på å tegne og male bilder av ødelagte ting, innså Nevelson at bruken av selve avfallet ville introdusere en materiell sannhet til arbeidet hennes, i tillegg til å gi det den følelsesmessige rest av tidligere assosiasjoner med hva materialene en gang var.

5. "Det er arbeidet og jeg, det er ikke publikum og jeg. Publikum er en refleksjon."

Nevelson begynte å lage storskalaskulpturer i offentlig rom på 1970-tallet ved å bruke materialer som plast og Cor-Ten-stål. Kritikere stilte spørsmål ved meningen med verkene, som hadde et helt annet utseende og følelse enn hennes treassemblager. Hun avviste kritikken deres og hevdet sin autonome rett som kunstner til å lage hva slags verk hun ønsket.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patinert tre. 12 × 9 × 7 tommer; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. “Den eneste virkeligheten jeg anerkjenner er min egen virkelighet.”

Nevelson sto imot kontrollerende foreldre, en kontrollerende ektefelle, sexistiske kritikere, nedlatende kuratorer og uvitende seere. Hun ignorerte sosiale organisasjoner som "The Club," og valgte i stedet livet som en outsider i kunstverdenen. Til tross for alle som tvilte på og motarbeidet henne, lyktes hun. Dette sitatet forklarer hvorfor.

7. "Det gir oss et sted å bevege oss gjennom de tre dimensjonene, inn i den fjerde og videre. Det er virkelig et sted hvor du går gjennom materie inn i ånd."

Nevelson beskrev seg selv ikke som en maler eller en skulptør, men som en arkitekt som bygde med skygge og lys. Hennes kjærlighet til kubisme inspirerte henne til alltid å lage verk som belønnet bevegelse—et uttrykk for den fjerde dimensjon. Hun var interessert i å lage miljøer som både kropp og sinn kunne reise inn i.

Louise Nevelson - Uten tittel, 1985. Tre malt svart. 44 × 22 × 17 1/5 tommer; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. "Når du skaper, er det en ekstra energi som overgår alt annet."

Nevelson var en notorisk privat og disiplinert kunstner. Hun mente at spenningen som tilbys av ting annet enn kreativt arbeid ble blek i sammenligning med rushet hun fikk i sitt studio. Da hennes nå berømte installasjon "Dawn’s Wedding Feast" hadde premiere i utstillingen "Sixteen Americans" på MoMA, sa hun at den delvis symboliserte hennes ekteskap med arbeidet.

9. "Det er ikke hvordan jeg lever, det er hvordan jeg avslutter livet mitt."

Da Nevelson var ung, frarådet familien henne å bli kunstner ved å fortelle henne at det ikke ville gi henne en komfortabel livsstil. Allerede da visste hun at hun bare ville kunne være i fred når hun døde hvis hun forble tro mot seg selv.

Fremhevet bilde: Louise Nevelson - Maquette for Night Wall VI, 1977-1979. Sveist stål malt svart. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 tommer; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio