Den monumentale kunsten til Louise Nevelson

I år er det 30 år siden Louise Nevelson døde, en kunstner som hadde stor innflytelse på 1900-tallets kunst og hvis arv fortsatt gir gjenklang i dag. Nevelson er mest kjent for sine monokrome tresamlinger. Deres unike estetiske uttrykk har røtter både i kunsthistorien og i det visuelle og materielle språket til New York City—hennes adopterte hjem. Hennes komposisjonsstrategier henter inspirasjon fra kubismen, som hun sammenlignet med en religion, og fra de formelle abstrakte teoriene til Hans Hofmann, som var hennes lærer i mange år. Den materielle tilstedeværelsen i hennes samlinger fremhever de forkastede aspektene ved bylivet. Som om hun satte i gang en slags omvendt hudavskalling, samlet Nevelson ødelagte møbler og bygningsavfall fra byens fortau og forvandlet dem til monumentale kunstverk. Forvandlingen av verdiløst avfall til hellig kunst er udiskutabel i verk som «Sky Cathedral» (1958), stykket som først ga Nevelson kritisk oppmerksomhet. Det er enda mer dyptgripende i romstore installasjonen «Dawn’s Wedding Feast» (1959); et veggverk omgitt av gulvmonterte og hengende søyler og to ikoniske brud og brudgom-totemer. Dette verket etablerte ikke bare Nevelson som en av de ledende kunstnerne i sin generasjon, men bidro også til å bane vei for installasjonskunsten. Det som er spesielt rørende med hennes verk, er at Nevelson på en eller annen måte ga dem en følelse av nærhet til tross for deres monumentale størrelse. Hun sørget for at hvert enkelt element kunne uttrykke sine essensielle kvaliteter innenfor helhetens struktur. I prosessen skapte hun verk som kan nytes objektivt, eller som kan invitere betrakteren inn mot en mer personlig opplevelse. Til ære for livet og verket til dette geniet, her er mine ni favorittsitat fra Louise Nevelson—hvert ett verdifullt for måten det belyser hennes arbeid og avslører tankegangen hennes.

1. «Hvis du har en ramme rundt deg som ikke passer til bildet, så bryter du rammen.»

Født i 1899 i Pereiaslav-Khmelnytskyi i dagens Ukraina, immigrerte Leah Berliawsky til USA i 1905 for å unnslippe religiøs forfølgelse. Hun fulgte ivrig kunst som barn til tross for motstand fra foreldrene. Etter å ha giftet seg med Charles Nevelson i 1920, og fått en sønn to år senere, innså hun at hun fortsatt var i samme situasjon som da hun var barn, bortsett fra at det nå var ektemannen og hans familie som ba henne gi opp kunsten for å bli en mer oppmerksom mor og kone. Da hun skjønte at hun var i feil ramme, forlot Nevelson ektemannen og sønnen i 1931 og flyttet for å studere med Hans Hofmann.

2. «Kubusen fokuserer det og gir det dets sanne struktur.»

Nevelson bygde alle sine samlinger rundt den grunnleggende geometriske formen kubusen. Uansett hvor mange trestykker hun satte sammen i samlingen, eller hvor usammenhengende stykkene ellers kunne se ut når de ble satt sammen, holdt kubusene alltid komposisjonen sammen, både visuelt og fysisk.

3. «Svart omfatter alle farger. Det er ikke en negasjon.»

De fleste verkene Nevelson laget er svarte monokromer. Mange kritikere misforstod hennes bruk av denne fargen og antydet at hun prøvde å utslette de tidligere livene til materialene. I stedet insisterte hun på at svart var en inkluderende farge som lot hvert enkelt element i verket beholde sin grunnleggende essens samtidig som det ble absorbert i helhetens ånd. Hun sa også at fargen svart fikk verkene hennes til å se «aristokratiske» ut.

Louise Nevelson - Uten tittel, ca. 1976. Malt svart trekonstruksjon. 94 × 36 × 16 3/4 tommer; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

4. «Det er mye mer direkte å gjøre det på min måte. Det er umiddelbart, det er sant, og det er der.»

Etter å ha brukt år på å tegne og male bilder av ødelagte ting, innså Nevelson at bruk av avfallsmaterialer i seg selv ville tilføre en materiell sannhet til arbeidet hennes, i tillegg til å gi det den følelsesmessige rest av tidligere assosiasjoner med hva materialene en gang var.

5. «Det er verket og meg, det er ikke publikum og meg. Publikum er en refleksjon.»

Nevelson begynte å lage store offentlige skulpturer på 1970-tallet med materialer som plast og Cor-Ten-stål. Kritikere stilte spørsmål ved meningen med verkene, som hadde et helt annet utseende og uttrykk enn hennes tresamlinger. Hun avviste kritikken og hevdet sin autonome rett som kunstner til å lage akkurat den typen verk hun ønsket.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patinert tre. 12 × 9 × 7 tommer; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. «Den eneste virkeligheten jeg kjenner igjen, er min egen virkelighet.»

Nevelson sto imot kontrollerende foreldre, en kontrollerende ektefelle, sexistiske kritikere, avvisende kuratorer og uvitende tilskuere. Hun ignorerte sosiale organisasjoner som «The Club» og valgte i stedet livet som en outsider i kunstverdenen. Til tross for alle som tvilte på og motarbeidet henne, lyktes hun. Dette sitatet forklarer hvorfor.

7. «Det gir oss et sted å bevege oss gjennom de tre dimensjonene, inn i den fjerde og videre. Det er virkelig et sted hvor du går gjennom materie til ånd.»

Nevelson beskrev seg ikke som maler eller billedhugger, men som en arkitekt som bygger med skygge og lys. Hennes kjærlighet til kubismen inspirerte henne til alltid å lage verk som belønnet bevegelse—et uttrykk for den fjerde dimensjon. Hun var interessert i å skape miljøer som både kropp og sinn kunne reise gjennom.

Louise Nevelson - Uten tittel, 1985. Tre malt svart. 44 × 22 × 17 1/5 tommer; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. «Når du skaper, er det en ekstra energi som overgår alt annet.»

Nevelson var en beryktet privat og disiplinert kunstner. Hun mente at spenningen som andre ting kunne gi, ikke kunne måle seg med rusen hun fikk i sitt atelier. Da hennes nå berømte installasjon «Dawn’s Wedding Feast» hadde premiere i utstillingen «Sixteen Americans» på MoMA, sa hun at den delvis symboliserte hennes ekteskap med sitt arbeid.

9. «Det er ikke hvordan jeg lever, det er hvordan jeg avslutter mitt liv.»

Da Nevelson var ung, frarådet familien henne å bli kunstner ved å si at det ikke ville gi henne en behagelig livsstil. Selv da visste hun at hun bare kunne finne fred når hun døde hvis hun holdt seg tro mot seg selv.

Utvalgt bilde: Louise Nevelson - Modell for Night Wall VI, 1977-1979. Sveiset stål malt svart. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 tommer; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio