Abstrakcja jest w fizycznym - Jules Olitski

Kariera ukraińsko-amerykańskiego artysty Julesa Olitskiego (1922 – 2007) przypomina nam, że sztuka nie jest stałym ludzkim przedsięwzięciem, które musi być realizowane w ten sam sposób przez każdego praktyka, jak na przykład latanie pasażerskim samolotem. Artyści są - lub powinni być - całkowicie wolni, aby na nowo wynajdować tę dziedzinę tak często, jak chcą. Olitski kierował się tylko jednym czynnikiem: swoją intuicją. Miał wizję obrazu, lub wrażenia, które chciał uchwycić, lub materialnej obecności, którą chciał zmanifestować, i zabierał się do próby zrealizowania tego. To, czy jego wizja pasowała do trendów lub gustów, nie miało znaczenia. Większość ludzi nazywa jego prace abstrakcyjnymi, ale on sam nie robił tego rozróżnienia, być może dlatego, że jego szczególna wizja obrazu była dla niego własnym rodzajem tematu. Jeśli ktoś marzy o namalowaniu strumienia koloru wiszącego w powietrzu, a następnie maluje obraz, który realizuje to marzenie, to ten obraz jest dokładnie tym, co opisuje: obrazem strumienia koloru wiszącego w powietrzu. Jak bardzo bardziej konkretnym można być? W temacie rad dla innych artystów, Olitski kiedyś powiedział: „Nie oczekuj niczego. Rób swoją pracę. Świętuj!” Mógł dać podobne rady swoim widzom: „Nie oczekuj niczego. Patrz na dzieło. Świętuj!” Jednak docenianie sztuki jest osobną przyjemnością od krytyki sztuki. Krytycy, historycy i handlarze sztuką od dawna mają trudności z dokładnym umiejscowieniem Olitskiego w liniowej baśni znanej jako historia sztuki, może dlatego, że Olitski nigdy nie zadał sobie pytania, gdzie się mieści. Zmieniając style, media i metody tak często, że nie tylko trudno go zhistoryzować, ale także trudno go skomodyfikować, ponieważ tak wielu kolekcjonerów chce móc mówić o artystach, których zbierają, w kategoriach wygodnego skrótu: „To jest malarz siatki. To jest pani, która robiła pająki. To jest facet, który robił pudełka. Itd.” Nie można tego zrobić z Olitskim. Zrobił zbyt wiele rzeczy, aby być znanym tylko z jednej. Jesteśmy więc uwięzieni z tylko jedną opcją - najlepszą opcją: „Nie oczekuj niczego. Patrz na obrazy. Świętuj.”

Malowanie na krawędzi

Urodzony w Snowsku, w dzisiejszej Ukrainie, Olitski emigrował do Stanów Zjednoczonych z matką jako roczne dziecko, po tym jak jego ojciec został zamordowany przez lokalnego komisarza sowieckiego. Osiedlili się w Brooklynie w Nowym Jorku, a w szkole średniej Olitski wykazał zaawansowane predyspozycje do sztuki. Zdobył nagrodę na studia artystyczne w Manhattanie, a ostatecznie otrzymał stypendium na Pratt Institute. Po tym, jak został powołany do wojska podczas II wojny światowej, Olitski wykorzystał swoje przywileje z ustawy G.I. Bill, aby kontynuować edukację artystyczną w Paryżu. Tam z bliska studiował mistrzów modernizmu i zmierzył się z własnymi demonami. Najbardziej zauważalne było to, że zdał sobie sprawę, że jest kontrolowany przez własne wykształcenie. Ćwiczenie, w którym zawiązał sobie oczy podczas malowania, ilustruje jego pragnienie przezwyciężenia manipulacji własnymi pomysłami. Ta sama oddanie wolności twórczej prowadziło go przez resztę życia.

Jules Olitski - Z miłością i lekceważeniem: Błogosławieństwo ekstazy, 2002. Akryl na płótnie. 60 x 84 in. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, Nowy Jork. © Jules Olitski

Jego pierwsze wystawy malarskie, w latach 50. XX wieku, były zdominowane przez nastrojowe, ciemne, impastowe abstrakcje, takie jak „W Pamięci Zamordowanego Demikowskiego” (1958), dzieło nazwane na cześć jego ojca. Jednak w 1960 roku Olitski przyjął zupełnie inne podejście, używając nowych rodzajów farb akrylowych do tworzenia płaskich, żywo kolorowych kompozycji, w których biomorficzne, ameboidalne kształty zdają się pojawiać w pictorialnych szalkach Petriego. Pięć lat później znów zmienił kierunek, tym razem używając przemysłowego pistoletu natryskowego w próbie osiągnięcia swojego marzenia o malowaniu „mgły koloru, która wisi jak chmura, ale nie traci swojego kształtu.” Jego obrazy natryskowe rzeczywiście posiadają wiele tych samych eterycznych cech, co gazowe chmury w odległej mgławicy, oświetlone przez wybuchy eksplodujących gwiazd. Ta seria prac naprawdę skłoniła Olitskiego do myślenia o tym, co nazywał „krawędzią” obrazu. „Obraz powstaje od wewnątrz na zewnątrz,” powiedział. Zewnętrzna krawędź dzieła, według jego zrozumienia, nie była jednak krawędzią płótna, lecz krawędzią koloru. Olitski dostrzegł, że kolor wykracza poza granice farby, niesiony przez światło i percepcję mentalną w liminalną przestrzeń między powierzchnią obrazu a naszymi oczami.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Pomarańczowy), 1970. Sitodruk. 35 x 26 cali. (praca); 36 x 27 cali. (w ramie). © Jules Olitski

Struktura i przepływ

W połowie lat 70. Olitski ponownie zmienił metody, łącząc swoją wcześniejszą, stonowaną technikę impasto z użyciem pistoletu natryskowego, tworząc obrazy takie jak „Secret Fire – 2” (1977), które projektują wyraźną materialną obecność, mimo że mają eteryczną paletę kolorów. Kontynuował rozwijanie tej mieszanki metod, tworząc zbiór odważnych, metalicznych abstrakcji w latach 80., takich jak „Eternity Domain” (1989), oraz zbiór piekielnie prymitywnych dzieł w latach 90., takich jak „Upon a Sea” (1996). Choć wizualnie różnorodne, te prace mają wspólną zasadę przewodnią, którą Olitski podsumował w następujący sposób: „Myślę o malarstwie jako o posiadanym przez strukturę, ale strukturze narodzonej z przepływu uczucia koloru.” Obrazy, które Olitski stworzył w ostatnich latach swojego życia, takie jak „With Love and Disregard: Rapture” (2002), wyrażają tę zasadę przewodnią w dramatyczny sposób. Struktura ich materialnej obecności jest tak nieustępliwa jak kamień, a jednak ich lekkość istnienia niewątpliwie rości sobie prawo do chromatycznego dziedzictwa w „przepływie uczucia koloru.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna na płótnie. 88 x 71 1/2 in (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Oprócz swojej całe życie trwającej praktyki abstrakcyjnego malarstwa, Olitski nieustannie rysował figuralne portrety i krajobrazy. Miał również płodną karierę rzeźbiarską, która, podobnie jak jego kariera malarska, nie była ograniczona przez nic poza jego własną wyobraźnią. Jako dziecko Olitski otrzymał od swojego ojczyma przydomek Książę Patutsky. To imię pojawia się w jego pracy wciąż na nowo: „Patutsky w Raju” (1966); „Pasja Patutsky'ego” (1963); „Rozkaz Księcia Patutsky'ego” (1966). To właśnie ta oddanie dziecięcej niewinności widzę, zalewając wszystko, co Olitski osiągnął jako artysta. Historia sztuki zazwyczaj nadaje status legendy artystom, którzy są radykalni na początku swojej kariery, a następnie przechodzą do „dojrzałości”, a potem do powtórzeń. Olitski nie pasował do tego opisu. Tak eksperymentalnie i swobodnie, jak tylko mógł, po prostu wykonywał swoją pracę, bez oczekiwań, i świętował. To czyni go dla mnie legendą.

Obraz wyróżniony: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna na płótnie. 79 x 109 cali (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, Nowy Jork. © Jules Olitski
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio