Abstrakcja jest w fizycznym - Jules Olitski

Kariera ukraińsko-amerykańskiego artysty Jules Olitski (1922 – 2007) przypomina nam, że sztuka nie jest stałym ludzkim zajęciem, które każdy twórca musi wykonywać w ten sam sposób, jak na przykład pilotowanie samolotu pasażerskiego. Artyści są – lub powinni być – całkowicie wolni, by na nowo odkrywać swoją dziedzinę tak często, jak chcą. Olitski kierował się tylko jednym czynnikiem: swoją intuicją. Miał wizję obrazu, lub uczucie, które chciał uchwycić, albo materialną obecność, którą pragnął zamanifestować, i zabierał się do realizacji tego celu. To, czy jego wizja pasowała do trendów czy gustów, nie miało znaczenia. Większość ludzi nazywa jego twórczość abstrakcyjną, ale on sam nie robił takiego rozróżnienia, być może dlatego, że jego szczególna wizja obrazu była dla niego sama w sobie rodzajem tematu. Jeśli ktoś marzy o namalowaniu rozprysku koloru unoszącego się w powietrzu, a następnie tworzy obraz, który spełnia to marzenie, to ten obraz jest dokładnie tym, co opisuje: obrazem rozprysku koloru unoszącego się w powietrzu. Czy można być bardziej konkretnym? Na temat rad dla innych artystów Olitski powiedział kiedyś: „Nie oczekuj niczego. Rób swoją pracę. Świętuj!” Mógł też udzielać podobnej rady swoim widzom: „Nie oczekuj niczego. Patrz na dzieło. Świętuj!” Jednak docenianie sztuki to osobna przyjemność od krytyki artystycznej. Krytycy, historycy i handlarze sztuką od dawna mają trudności z umiejscowieniem Olitskiego w liniowej baśni zwanej historią sztuki, być może dlatego, że Olitski nigdy nie zastanawiał się, gdzie się mieści. Zmieniał style, techniki i metody tak często, że trudno go nie tylko ująć w ramy historyczne, ale także skomercjalizować, ponieważ wielu kolekcjonerów chce móc mówić o artystach, których kolekcjonują, w wygodnych skrótach: „To jest malarz siatek. To jest pani, która malowała pająki. To jest facet od pudełek. I tak dalej.” Z Olitskim się tego nie da zrobić. Zrobił zbyt wiele, by być znanym z jednej rzeczy. Zostaje nam więc tylko jedna opcja – najlepsza: „Nie oczekuj niczego. Patrz na obrazy. Świętuj.”

Malarstwo na krawędzi

Urodzony w Snovsku, na terenie dzisiejszej Ukrainy, Olitski wyemigrował do Stanów Zjednoczonych z matką jako roczne dziecko, po tym jak jego ojciec został zamordowany przez lokalnego sowieckiego komisarza. Osiedlili się w Brooklynie w Nowym Jorku, a już w liceum Olitski wykazywał zaawansowane zdolności artystyczne. Zdobył nagrodę na naukę sztuki na Manhattanie, a ostatecznie otrzymał stypendium na Pratt Institute. Po powołaniu do wojska podczas II wojny światowej, Olitski skorzystał z przywilejów ustawy G.I. Bill, by kontynuować naukę sztuki w Paryżu. Tam studiował mistrzów modernizmu z bliska i zmierzył się z własnymi demonami. Najważniejsze było dla niego uświadomienie sobie, że jest kontrolowany przez własną edukację. Ćwiczenie, w którym malował z zawiązanymi oczami, ukazuje jego pragnienie przezwyciężenia manipulacji własnymi pomysłami. Ta sama oddanie wolności twórczej towarzyszyło mu przez całe życie.

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. Akryl na płótnie. 60 x 84 cale (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, Nowy Jork. © Jules Olitski

Jego pierwsze wystawy malarskie w latach 50. XX wieku zdominowały nastrojowe, ciemne, impastowe abstrakcje, takie jak „In Memory of Slain Demikovski” (1958), dzieło poświęcone jego ojcu. Jednak do 1960 roku Olitski przyjął zupełnie inne podejście, używając nowych rodzajów farb akrylowych do tworzenia płaskich, żywo kolorowych kompozycji, w których biomorficzne, amebowate kształty zdają się pojawiać w obrazowych naczyniach Petriego. Pięć lat później ponownie zmienił kierunek, tym razem używając przemysłowego pistoletu natryskowego, próbując osiągnąć swój sen o malowaniu „rozprysku koloru, który unosi się jak chmura, ale nie traci kształtu.” Jego obrazy wykonane pistoletem natryskowym rzeczywiście posiadają wiele eterycznych cech przypominających gazowe chmury w odległej mgławicy, podświetlone wybuchami gwiazd. Ten cykl prac skłonił Olitskiego do refleksji nad tym, co nazywał „krawędzią” obrazu. „Obraz powstaje od środka na zewnątrz,” mówił. Zgodnie z jego rozumieniem, zewnętrzna krawędź dzieła nie była jednak krawędzią płótna, lecz krawędzią koloru. Olitski dostrzegał, że kolor rozciąga się poza granice farby, przenoszony przez światło i percepcję umysłową w przestrzeń graniczną między powierzchnią obrazu a naszymi oczami.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Pomarańczowy), 1970. Sitodruk. 35 x 26 cali (dzieło); 36 x 27 cali (oprawione). © Jules Olitski

Struktura i przepływ

Około połowy lat 70. XX wieku Olitski ponownie zmienił metody, łącząc wcześniejszą, stonowaną technikę impastową z użyciem pistoletu natryskowego, tworząc obrazy takie jak „Secret Fire – 2” (1977), które mimo eterycznej palety barw mają wyraźną materialną obecność. Kontynuował rozwijanie tej mieszanki technik, tworząc w latach 80. odważne, metaliczne abstrakcje, takie jak „Eternity Domain” (1989), oraz w latach 90. piekielnie pierwotne dzieła, jak „Upon a Sea” (1996). Choć wizualnie różnorodne, te prace łączy podobna zasada przewodnia, którą Olitski podsumował następująco: „Myślę o malarstwie jako o strukturze, ale strukturze zrodzonej z przepływu uczucia koloru.” Obrazy, które Olitski stworzył w ostatnich latach życia, takie jak „With Love and Disregard: Rapture” (2002), wyrażają tę zasadę w dramatyczny sposób. Struktura ich materialnej obecności jest tak nieugięta jak kamień, a jednocześnie ich lekkość bytu nieomylnie rości sobie chromatyczne prawo do narodzin w „przepływie uczucia koloru.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna na płótnie. 88 x 71 1/2 cala (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Oprócz swojej całe życie trwającej praktyki malarstwa abstrakcyjnego, Olitski nieustannie tworzył portrety figuratywne i pejzaże. Miał także owocną karierę rzeźbiarską, która, podobnie jak jego malarstwo, nie była ograniczona niczym poza jego własną wyobraźnią. Jako dziecko Olitski otrzymał od ojczyma przydomek Książę Patutsky. Ta nazwa pojawia się wielokrotnie w jego twórczości: „Patutsky w raju” (1966); „Patutsky Passion” (1963); „Rozkaz Księcia Patutsky” (1966). To właśnie ta oddanie dziecięcej niewinności widzę przenikające wszystko, co Olitski osiągnął jako artysta. Historia sztuki zwykle nadaje status legendy artystom, którzy są radykalni na początku kariery, potem przechodzą „dojrzałość”, a następnie powtarzają się. Olitski nie pasował do tego schematu. Tak eksperymentalnie i swobodnie, jak tylko potrafił, po prostu robił swoją pracę, bez oczekiwań, i świętował. To czyni go dla mnie legendą.

Zdjęcie główne: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna na płótnie. 79 x 109 cali (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, Nowy Jork. © Jules Olitski
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio