Najbardziej wpływowi żyjący afroamerykańscy artyści abstrakcyjni

Afroamerykańscy artyści abstrakcyjni - zwłaszcza ci pochodzący od niewolników - nieustannie odczuwają presję, zarówno z zewnątrz, jak i od środka, by uczynić swoją tożsamość centralnym elementem swojej twórczości. Ta presja jest zrozumiała, biorąc pod uwagę ogromne, systemowe uprzedzenia, z jakimi mierzą się afroamerykańscy artyści, ale oznacza też, że czarni artyści abstrakcyjni, którzy chcą rozwijać swoją dziedzinę, nie tylko stają przed tymi samymi estetycznymi, intelektualnymi i historyczno-artystycznymi pytaniami, co inni artyści abstrakcyjni, lecz także muszą walczyć z ukrytymi uprzedzeniami dotyczącymi treści. W 2017 roku, po otwarciu wystawy Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power w Tate Modern, artysta, którego prace były na tej wystawie, prywatnie powiedział mi o obrazie Williama T. Williamsa „Trane” (1969), który również był na pokazie. „Ten obraz,” powiedział, „nie ma nic wspólnego z byciem Czarnym.” Moje białe przywileje uniemożliwiały mi wydanie oceny w którąkolwiek stronę. Mogłem tylko słuchać, a potem wyrazić własną prawdę, że „Trane” jest jednym z najbardziej dynamicznych i ekscytujących obrazów, jakie kiedykolwiek widziałem. Uosabia podobną elektryczną, polirytmiczną wrażliwość jak muzyka Johna Coltrane’a, od którego wziął nazwę. Choć może to być nieistotne, moim zdaniem niezależnie od tego, kim jesteś, wybór tworzenia sztuki, która nie odnosi się bezpośrednio do spraw politycznych, jest sam w sobie aktem politycznym. Afroamerykańscy artyści są marginalizowani bez względu na rodzaj twórczości. Nakładanie dodatkowej marginalizacji na czarnych artystów abstrakcyjnych wydaje się okrucieństwem na dodatek do okrucieństwa. Artyści nie potrzebują presji dotyczącej treści. Potrzebują zachęty do szczerego wyrażania siebie. Uważam za heroiczne, gdy jakikolwiek artysta nie ustaje w dążeniu mimo arbitralnej krytyki. Mając to na uwadze, choć jest wielu innych, którzy również zasługują na uwagę, oto dziewięciu żyjących afroamerykańskich artystów abstrakcyjnych, którzy pewnie posuwają dziedzinę naprzód i których twórczość miała na mnie wpływ.

Shinique Smith

Shinique Smith tworzy dzieła, które są zabawne, a zarazem przerażające; cielesne, a zarazem duchowe; ponadczasowe, a jednak niewątpliwie współczesne. Każda z jej kompozycji – czy to obraz, rzeźba, czy instalacja – jest tak złożona i samodzielna jak wierzba lub rój pszczół. Prace są wyraźnie ożywione przez gest i linię, ale ich gesty wykraczają poza płaszczyznę, czyniąc je wyrazem czegoś wielowymiarowego i organicznego. Dla mnie prace te doskonale oddają to, co łączy naturę i miasto.

Shinique Smith - Codex, 2019. © Shinique Smith

Mary Lovelace O’Neal

Mówiąc prosto, każdy obraz Mary Lovelace O’Neal, który widzę, mnie zaskakuje. O’Neal nieustannie kwestionuje, czym może być malarska kompozycja. Słowo, które przychodzi mi na myśl, gdy patrzę na jej obrazy, to ciężar: ciężar, jaki potrafi nadać światłu; albo ciężar, który tchnie w pozornie pustą przestrzeń. Od jej minimalistycznych, liniowych prac po globularne, swobodnie gestykulowane eksplozje koloru, raz po raz O’Neal pokazuje gotowość do testowania granic równowagi i harmonii.

Mary Lovelace O’Neal - Beware of Chief Stewards Bearing Gifts of Fruit and Showers, 1982. Technika mieszana na płótnie. 81 x 138 cali. © Mary Lovelace O’Neal. Fotografia Kija Lucas, za zgodą artystki.

Odili Donald Odita

Za każdym razem, gdy widzę obraz Odiliego Donalda Oditę, przychodzi mi na myśl przestrzeń rozbita. Ten urodzony w Nigerii malarz abstrakcyjny, który jako dziecko wyemigrował z rodziną do Columbus w stanie Ohio, ma mistrzowską zdolność do ustawiania kolorów i kształtów w konflikcie na spłaszczonej płaszczyźnie. Powstałe relacje otwierają niepokojące wizualne światy drgań i ruchu. Pulsując między chaosem a wzniosłością, jego obrazy kontynuują długo poszukiwane dziedzictwo dynamizmu, które interesuje artystów abstrakcyjnych co najmniej od czasów pointylizmu.

Odili Donald Odita - Phantom’s Shadow, 2018. Akryl na płótnie. 50 x 50 1/5 cala (127 x 127,5 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita

Sam Gilliam

Sam Gilliam jest ikoną sceny sztuki abstrakcyjnej w Waszyngtonie od lat 60., kiedy to po raz pierwszy opracował swoją charakterystyczną metodę wylewania farby bezpośrednio na nieoprawione płótna, a następnie zaginania ich i zawieszania na ścianie lub z sufitu. Jego obrazy ucieleśniają kolor i formę oraz wyrażają ponadczasową współpracę między wyborem a przypadkiem. Niebiańskie i rytmiczne, ich transcendentny charakter jednocześnie opiera się na ziemskim materializmie i ulotnej duchowości.

Sam Gilliam - 10/27/69, 1969. Akryl na płótnie, wymiary instalacji zmienne, przybliżone wymiary instalacji: 140 x 185 x 16 cali (355,6 x 469,9 x 40,6 cm), Kolekcja Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, NY, za zgodą David Kordansky Gallery, Los Angeles, fotografia Fredrik Nilsen Studio.

Jennie C. Jones

Słyszałem, że Jennie C. Jones nazywana jest minimalistką, być może dlatego, że jej język wizualny wykorzystuje wiele geometrycznych kształtów i jednolitych pól koloru. Jednak nie uważam jej prac za minimalistyczne. Wręcz przeciwnie: uważam je za warstwowe i wielowymiarowe. Im dłużej patrzę na jej obrazy, tym więcej się odsłania. Częściowo to zjawisko można przypisać temu, że Jones nie pozwala, by jakakolwiek część jej obiektów była zmarnowana – od fazowanych lub malowanych krawędzi po staranne rozważanie, jak padają cienie. Jest zręczną twórczynią estetycznych reliktów, które otwierają światy percepcji pełne niuansów i głębi.

Jennie C. Jones - Constant Structure w The Arts Club of Chicago, 19 marca - sierpień 2020. Zdjęcie: Pierre Le Hors. © Jennie C. Jones

McArthur Binion

Za pierwszym razem, gdy zobaczyłem obraz McArthura Biniona, myślałem, że patrzę na prostą, modernistyczną siatkę. Mimo to uznałem ją za fascynującą, a nawet głęboką. Gdy zbliżyłem się, zauważyłem, że w siatce zatopione są fragmenty czegoś, co wyglądało na strony z dziennika. Inny obraz z siatką, po bliższym przyjrzeniu się, składał się z setek maleńkich kopii zdjęcia twarzy. Twarz należała do artysty; strony pochodziły z jego książki adresowej. W najczystszy i najbardziej osobisty sposób Binion wplata siebie w historię sztuki abstrakcyjnej, a przez to rozszerza jej dziedzictwo na świeżą i pełną uczucia przestrzeń.

McArthur Binion - Hand:Work, 2018. Kreda olejna i papier na desce. 72 x 48 x 2 cale. © McArthur Binion

Stanley Whitney

Stanley Whitney przypomina mi, jak ważna jest ludzkość dla sztuki abstrakcyjnej. Cokolwiek humanizmu modernizm wyeliminował z abstrakcji na rzecz nowości i/lub doskonałości, Whitney wprowadza z powrotem. Jego niedoskonałe, malarskie siatki obejmują rozlewającą się znajomość koloru i soczyste piękno samej farby.

Stanley Whitney - Bez tytułu, 2013. © Stanley Whitney. Za zgodą Lisson Gallery.

Frank Bowling

Frank Bowling tworzy obrazy, które sugerują światy znaczeń ukryte między kolorem a fakturą. W jego kompozycjach zawarte są odniesienia do map, często skupiające się na kontynencie afrykańskim. Formalne, abstrakcyjne elementy jednak nieustannie wysuwają się na pierwszy plan – to subtelny wyraz i odrzucenie zasadniczego konfliktu, z którym mierzy się każdy afroamerykański artysta abstrakcyjny.

Frank Bowling - Elder Sun Benjamin, 2018. Akryl i technika mieszana na płótnie. 119 5/16 x 203 9/16 cali (303,1 x 517 cm). Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMOMA). © Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / DACS, Londyn

James Little

James Little potrafi tworzyć obrazy, które zmuszają oko, by nie widziało ich od razu w całości. Jest mistrzem pokonywania naszej chęci upraszczania. W jego pracach wrażenia chromatyczne mnożą się, aż w końcu zmuszają nas do uznania, że prosta radość poddania się doznaniom jest ważniejsza i bardziej satysfakcjonująca, niż zwykle pozwalamy sobie wierzyć.

James Little - Exculpatory Evidence, 2019. Olej na lnie. 40 x 51 cali (101,6 x 129,5 cm). Louis Stern Fine Arts. © James Little

Zdjęcie główne: Odili Donald Odita - Heat Wave, 2018. Akryl na płótnie. 80 3/10 x 103 9/10 cali (204 x 264 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio