Najbardziej wpływowi żyjący afroamerykańscy artyści abstrakcyjni

Afroamerykańscy artyści abstrakcyjni - szczególnie ci, którzy są potomkami niewolników - stają w obliczu ciągłej presji, zarówno wewnętrznej, jak i zewnętrznej, aby uczynić swoją tożsamość centralnym elementem swojej twórczości. Ta presja ma sens, biorąc pod uwagę ogromne, systemowe uprzedzenia, z jakimi borykają się afroamerykańscy artyści, ale oznacza to również, że czarni artyści abstrakcyjni, którzy pragną rozwijać swoją dziedzinę, nie tylko stają przed tymi samymi estetycznymi, intelektualnymi i historycznymi pytaniami, z jakimi boryka się każdy inny artysta abstrakcyjny, ale muszą także zmagać się z ukrytymi uprzedzeniami dotyczącymi treści. W 2017 roku, po otwarciu wystawy Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power w Tate Modern, artysta, którego prace były na tej wystawie, prywatnie zauważył mi na temat obrazu Williama T. Williamsa „Trane” (1969), który również był w pokazie. „Ten obraz,” powiedział ta osoba, „nie ma nic wspólnego z byciem czarnym.” Moje białe przywileje uniemożliwiły mi zajęcie stanowiska w tę czy w tę stronę. Mogłem tylko słuchać, a następnie wyrazić swoją prawdę, która brzmiała, że „Trane” jest jednym z najbardziej dynamicznych i ekscytujących obrazów, jakie kiedykolwiek widziałem. Uosabia podobną elektryczną, polirytmiczną wrażliwość jak muzyka Johna Coltrane'a, od którego to imienia pochodzi. Choć może to być nieistotne, moim zdaniem, niezależnie od tego, kim jesteś, wybór tworzenia sztuki, która nie odnosi się bezpośrednio do kwestii politycznych, jest sam w sobie aktem politycznym. Afroamerykańscy artyści są marginalizowani niezależnie od tego, jaki rodzaj pracy tworzą. Nakładanie dodatkowej marginalizacji na czarnych artystów abstrakcyjnych wydaje się być okrucieństwem na okrucieństwie. Artyści nie potrzebują presji dotyczącej treści. Potrzebują zachęty do szczerego wyrażania siebie. Uważam, że to heroiczne, gdy jakikolwiek artysta dąży do celu w obliczu arbitralnej krytyki. Mając to na uwadze, chociaż jest tak wielu innych, którzy również zasługują na uwagę, oto dziewięciu żyjących afroamerykańskich artystów abstrakcyjnych, którzy pewnie posuwają tę dziedzinę naprzód, a których prace miały na mnie wpływ.

Shinique Smith

Shinique Smith tworzy prace, które są zabawne, a jednocześnie przerażające; cielesne, a jednak duchowe; ponadczasowe, a jednocześnie niewątpliwie współczesne. Każda z jej kompozycji - czy to obraz, rzeźba, czy instalacja - wydaje się tak złożona i samodzielna jak wierzba lub rój pszczół. Praca jest niewątpliwie ożywiana przez gest i linię, ale jej gestykulacje poza płaszczyzną przekształcają ją w wyraz czegoś wielowymiarowego i organicznego. Dla mnie ta praca doskonale podsumowuje to, co natura i miasto mają wspólnego.

Shinique Smith - Codex, 2019. © Shinique Smith

Mary Lovelace O’Neal

Mówiąc prosto, każde malarstwo Mary Lovelace O’Neal, które widzę, zaskakuje mnie. O’Neal nieustannie kwestionuje, czym może być kompozycja malarska. Waga to słowo, które przychodzi mi na myśl, gdy patrzę na jej obrazy: waga, jaką potrafi nadać światłu; lub waga, którą tchnie w pozornie pustą przestrzeń. Od jej minimalnych, liniowych prac po globularne, swobodne eksplozje koloru, O’Neal nieustannie demonstruje swoją gotowość do testowania granic równowagi i harmonii.

Mary Lovelace O’Neal - Uważaj na głównych stewardów przynoszących dary owoców i deszczy, 1982. Mieszana technika na płótnie. 81 x 138 cali. © Mary Lovelace O’Neal. Fotografia Kija Lucas, dzięki uprzejmości artystki.

Odili Donald Odita

"Złamana przestrzeń przychodzi mi na myśl za każdym razem, gdy widzę obraz Odili Donalda Odity. Ten urodzony w Nigerii malarz abstrakcyjny, który jako dziecko emigrował z rodziną do Columbus w Ohio, ma mistrzowską zdolność do umieszczania kolorów i kształtów w konflikcie ze sobą na spłaszczonej płaszczyźnie. Powstałe relacje otwierają niepokojące wizualne światy wibracji i ruchu. Pulsując między chaosem a wzniosłością, jego obrazy rozszerzają długo poszukiwane dziedzictwo dynamizmu, które interesowało artystów abstrakcyjnych przynajmniej od czasów pointylizmu."

Odili Donald Odita - Cień Fantoma, 2018. Akryl na płótnie. 50 x 50 1/5 in (127 x 127,5 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita

Sam Gilliam

Sam Gilliam jest ikoniczną postacią w abstrakcyjnej scenie artystycznej Waszyngtonu od lat 60. XX wieku, kiedy to po raz pierwszy opracował swoją charakterystyczną metodę wylewania farby bezpośrednio na naciągnięte płótna, a następnie ich zgrupowania i zawieszania na ścianie lub z sufitu. Jego obrazy ucieleśniają kolor i formę, a także wyrażają ponadczasową współpracę między wyborem a przypadkiem. Niebiańskie i rytmiczne, ich transcendentny charakter jednocześnie opiera się na ziemskim materializmie i efemerycznej duchowości.

Sam Gilliam - 27.10.69, 1969. Akryl na płótnie, wymiary instalacji zmienne, przybliżone wymiary instalacji: 140 x 185 x 16 cali, (355,6 x 469,9 x 40,6 cm), Kolekcja Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork, NY, dzięki uprzejmości David Kordansky Gallery, Los Angeles, fotografia Fredrik Nilsen Studio.

Jennie C. Jones

Słyszałem, że Jennie C. Jones nazywana jest minimalistką, być może dlatego, że jej język wizualny wykorzystuje wiele geometrycznych kształtów i jednolitych pól kolorów. Jednak nie uważam jej pracy za minimalistyczną. Wręcz przeciwnie: uważam ją za warstwową i wieloaspektową. Im dłużej patrzę na jej obrazy, tym więcej odkrywają. Częściowo to zjawisko można przypisać temu, że Jones nie pozwala, aby jakakolwiek część jej obiektów została zmarnowana - od fazowanych lub malowanych krawędzi, po jej staranne rozważenie, jak padają cienie. Jest zręczną twórczynią estetycznych reliktów, które otwierają światy percepcji, które są subtelne i głębokie.

Jennie C. Jones - Stała struktura w The Arts Club of Chicago, 19 marca - sierpień 2020. Obraz: Pierre Le Hors. © Jennie C. Jones

McArthur Binion

"Kiedy po raz pierwszy zobaczyłem obraz McArthur Biniona, pomyślałem, że patrzę na prostą, modernistyczną siatkę. Niemniej jednak uznałem to za fascynujące, a nawet głębokie. Gdy podszedłem bliżej, zdałem sobie sprawę, że w siatkę wplecione są fragmenty tego, co wydawało się stronami z dziennika. Inny pobliski obraz w siatkę, po bliższym przyjrzeniu się, składał się z setek małych kopii zdjęcia twarzy. Twarz należała do artysty; strony pochodziły z jego książki adresowej. W najczystszy i najbardziej osobisty sposób, Binion wprowadza siebie do historii sztuki abstrakcyjnej, a robiąc to, przedłuża jej dziedzictwo w świeżą i pełną emocji przestrzeń."

McArthur Binion - Hand:Work, 2018. Olejowy styk i papier na desce. 72 x 48 x 2”. © McArthur Binion

Stanley Whitney

Stanley Whitney przypomina mi, jak istotna jest ludzkość w sztuce abstrakcyjnej. Cokolwiek humanizm z Modernizmu wyeliminował z abstrakcji w służbie nowości i/lub doskonałości, Whitney wprowadza z powrotem. Jego niedoskonałe, malarskie siatki obejmują sączące się poczucie znajomości koloru oraz soczyste piękno samej farby.

Stanley Whitney - Bez tytułu, 2013. © Stanley Whitney. Dzięki uprzejmości Lisson Gallery.

Frank Bowling

Frank Bowling tworzy obrazy, które sugerują światy znaczeń czających się pomiędzy kolorem a fakturą. W jego kompozycjach zawarte są odniesienia do map, często koncentrujące się na kontynencie afrykańskim. Formalne, abstrakcyjne elementy wciąż jednak wysuwają się na pierwszy plan - subtelne wyrażenie i odrzucenie zasadniczego konfliktu, z którym zmaga się każdy afroamerykański artysta abstrakcyjny.

Frank Bowling - Elder Sun Benjamin, 2018. Akryl i mieszane media na płótnie. 119 5/16 x 203 9/16 in (303,1 x 517 cm). Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMOMA). © Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / DACS, Londyn

James Mały

James Little jest biegły w tworzeniu obrazów, które zmuszają oko do tego, by nie dostrzegać ich wszystkich naraz. Jest mistrzem w pokonywaniu naszej potrzeby upraszczania. W jego dziełach chromatyczne wrażenia mnożą się, aż w końcu zmuszają nas do uznania, że prosta radość poddania się doznaniom jest ważniejsza i bardziej satysfakcjonująca, niż zazwyczaj pozwalamy sobie wierzyć.

James Little - Dowody exculpacyjne, 2019. Olej na lnie. 40 x 51 cali (101,6 x 129,5 cm). Louis Stern Fine Arts. © James Little

Obraz wyróżniony: Odili Donald Odita - Heat Wave, 2018. Akryl na płótnie. 80 3/10 x 103 9/10 cali (204 x 264 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio