Abstrakcja i użycie różnych typów linii w sztuce

Linia jest jednym z formalnych elementów sztuki. Obok takich elementów jak kolor, kształt, faktura i przestrzeń, stanowi coś estetycznego do kontemplacji, niezależnie od subiektywnych, interpretacyjnych składników dzieła sztuki. Dyskusja o linii w sztuce jest mniej więcej równoważna dyskusji o aromacie w winie czy smaku w jedzeniu. To jedna część większego doświadczenia estetycznego. Obiektywnie, malarze używają linii do obrysowywania kształtów i tworzenia perspektywy, między innymi. Istnieje jednak także teoria, która sugeruje, że różne stany emocjonalne mogą być wywoływane przez różne typy linii w sztuce. Na przykład linia pozioma rzekomo przekazuje spokój, ponieważ naśladuje pozycję ciała w odpoczynku; linia pionowa rzekomo przekazuje duchowość, ponieważ sugeruje wysokość; mieszane linie poziome i pionowe rzekomo przekazują stabilność; linie ukośne rzekomo przekazują ruch; a linie krzywe rzekomo przekazują człowieczeństwo i zmysłowość. Nie wiadomo, czy przeciętni, nieprowadzeni widzowie faktycznie doświadczają takich uczuć, patrząc na obraz; zwłaszcza że temat dzieła może wpływać na przekazywane przez linie komunikaty. Ale być może, patrząc na to, jak różni abstrakcyjni malarze używali linii na przestrzeni lat, możemy odkryć, czy istnieją rzeczywiste prawdy łączące stan emocjonalny widzów z estetyką linii w sztuce.

Duchowość i linia

Oprócz bycia jednym z pierwszych zachodnich malarzy, którzy dążyli do całkowicie nieprzedstawiającej formy malarstwa, rosyjski artysta Wassily Kandinsky był głęboko zaangażowany w przekazywanie duchowości poprzez swoją sztukę. W 1912 roku opublikował książkę zatytułowaną O duchowości w sztuce. W niej omawiał swoje pragnienie osiągnięcia poprzez sztukę wizualną tego, co muzyka już osiągnęła przez dźwięk: komunikacji uniwersalności za pomocą abstrakcyjnego języka estetycznego.

W 1926 roku, po szerokim testowaniu swoich teorii estetycznych, Kandinsky opublikował kolejną książkę zatytułowaną Punkt i linia do płaszczyzny. Ten traktat jednoznacznie wyrażał jego przekonanie o emocjonalnym wpływie linii w sztuce. Obrazy, które stworzył mniej więcej w tym samym czasie, można odczytać jako demonstracje jego teorii. Używają linii formalnie do obrysowywania kształtów, tworzenia form przestrzennych i perspektywy, a także do wywoływania efektu emocjonalnego. Ikonicznym przykładem jest obraz Kompozycja VIII, który jest podziwiany za poczucie harmonii i równowagi kompozycyjnej. W nim skrzyżowane linie poziome i pionowe w dolnej części ramy stanowią stabilną podstawę kompozycji. Liczne linie ukośne tworzą ruch w kierunku punktu znikającego w prawym górnym rogu. A linie krzywe wprowadzają żywą, biologiczną obecność będącą w ciągłym ruchu.

Wassily Kandinsky - Kompozycja VIII, 1923. Olej na płótnie. 140,3 x 200,7 cm. Muzeum Solomon R. Guggenheim, Nowy Jork, Kolekcja Założycielska Solomon R. Guggenheim. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork/ADAGP, Paryż

Siły przeciwstawne

Choć jego filozofia była znacznie inna niż Kandinsky’ego, holenderski malarz Piet Mondrian również wierzył w komunikacyjną moc linii. Uważał, że może zredukować język malarstwa do jego najprostszych elementów. Stopniowo ograniczał swoje środki wyrazu, aż doszedł do stylu wykorzystującego jedynie linie poziome i pionowe oraz bardzo ograniczoną paletę barw. Poprzez ten surowy styl czuł, że może przekazać podstawową duchową prawdę wszechświata.

Mondrian odrzucał linie ukośne, ponieważ chciał uniknąć perspektywy, aby osiągnąć całkowicie płaską płaszczyznę obrazu. Odrzucał też krzywe, ponieważ pragnął przekazać coś czystego i uniwersalnego. Wierzył, że same linie poziome i pionowe, używane razem, reprezentują czyste, istotne, przeciwstawne siły wszechświata, takie jak męskość i kobiecość, pozytywność i negatywność oraz bezruch i ruch.

Piet Mondrian - Kompozycja nr III, z czerwonym, niebieskim, żółtym i czarnym, 1929. Olej na płótnie. 50 × 50,2 cm. Kolekcja prywatna

Doskonale niedoskonałe

Kanadyjska malarka Agnes Martin stosowała podejście estetyczne, które miało wiele podobieństw do stylu Pieta Mondriana. Jednak Martin była postrzegana jako znacznie bardziej ekspresyjna i emocjonalna niż Mondrian. Obie artystki skupiały się niemal wyłącznie na połączeniu linii poziomych i pionowych. Ale Martin malowała ręcznie rysowane siatki, które ukazują jej ludzki dotyk. Nawet w ich pozornej precyzji zawierają subtelne, drobne niedoskonałości.

Te niedoskonałości pełnią tę samą funkcję co linia krzywa, przekazując coś organicznego i zasadniczo ludzkiego. Choć jej prace są być może bardziej emocjonalne, co ujawniają tytuły takie jak Przyjaźń, Szczęście-Radość i Piękne życie, ona, podobnie jak Mondrian, wierzyła w moc linii poziomych i pionowych do wyrażania czegoś harmonijnego i uniwersalnego.

Agnes Martin - Przyjaźń, 1963. Złoto i olej na płótnie. 190,5 x 190,5 cm. Dar Celeste i Armanda P. Bartos. Kolekcja MoMA. © 2019 Fundacja Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Kolor i krzywizny

Dorobek amerykańskiego malarza Cy Twombly’ego czerpie swój ikoniczny wygląd z języka wizualnego opartego niemal całkowicie na kolorze i linii. Jego obrazy są abstrakcyjne, przekazując intensywne uczucia poprzez uproszczoną paletę oraz energię i intensywność swoich bazgrołów. Linie te mają głównie charakter glificzny, co oznacza, że ich krzywe, zmysłowe kształty przypominają rodzaj prymitywnego pisma.

Obok linii glificznych, pionowe linie również wypełniają jego obrazy. Ale zamiast być rysowane, linie pionowe powstały z kropli farby, które spływały, gdy pędzel naciskał na powierzchnię. Linie pionowe nadają krzywym, glificznym formom wrażenie wznoszenia się. Jego obraz Bachus doskonale ukazuje to zjawisko, gdyż jego zmysłowe krzywizny wywołują poczucie transcendencji wspierane przez pionowe krople.

Cy Twombly - Bez tytułu (Bachus), 2005. Akryl na płótnie. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Linia i iluzja

Linia jest istotnym elementem dzieł artystów op-artu. A obrazy Bridget Riley nie tylko używają linii do wywołania emocjonalnej reakcji u widzów. Używają ich także do wywołania reakcji fizycznej. Prace Riley z lat 60. często mówiło się, że powodują u widzów uczucie mdłości, jakby dostawali zawrotów głowy i nudności z powodu wrażenia ruchu wywołanego przez obrazy.

W swoim obrazie z 1966 roku Opadająca Riley tworzy poczucie wysokości dzięki silnym liniom pionowym, a także poczucie perspektywy i ruchu dzięki powtarzającym się rzędowi linii ukośnych. Dodatkowo tworzy poczucie zmysłowej miękkości dzięki strategicznemu rozmieszczeniu sugerowanych krzywizn w liniach pionowych. Brak linii poziomych rzeczywiście potęguje ogólne wrażenie, że wszystko jest wytrącone z równowagi.

Bridget Riley - Opadająca, 1966. Emulsja na panelu. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Współczesne głosy linii

Wielu współczesnych malarzy bada komunikacyjną moc linii w sztuce. Urodzony w Brazylii malarz Christian Rosa używa osobliwego, oszczędnego języka linii, który wiele łączy z pracami Wassily’ego Kandinsky’ego. Amerykańska malarka abstrakcyjna Margaret Neill tworzy zmysłowe, intuicyjne, krzywe kompozycje liniowe, które prowadzą harmonijną rozmowę z dziełami Cy Twombly’ego. Holenderski malarz José Heerkens używa linii poziomych i pionowych wraz z kolorem do badania przestrzeni. A francusko-amerykański artysta Peter Soriano stosuje linię w sposób łączący wrażliwość graficzną z czymś metafizycznym i eterycznym.

Oprócz wymienionych, dziesiątki innych abstrakcyjnych artystów w ciągu ostatniego stulecia badały moc linii do przekazywania znaczeń i wywoływania emocjonalnej reakcji. Nie ma sposobu, by udowodnić, czy osiągnęli uniwersalny sukces. Ale nie ulega wątpliwości, że formalne elementy estetyczne sztuki są przynajmniej zdolne do wywoływania emocji. A rozpatrywane razem, dzieła wymienionych abstrakcyjnych artystów stanowią przekonujące argumenty za komunikacyjną mocą linii.

Zdjęcie główne: Christian Rosa - Endless refill (szczegół), 2013, farba w sprayu, ołówek, taśma, olejowy suchy pastel i olej na płótnie, 180 x 200 cm
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio