Abstrakcja i użycie różnych typów linii w sztuce

Linia jest jednym z formalnych elementów sztuki. Obok takich elementów jak kolor, kształt, tekstura i przestrzeń, jest czymś estetycznym do kontemplowania, oprócz subiektywnych, interpretacyjnych komponentów dzieła sztuki. Dyskusja o linii w sztuce jest w przybliżeniu równoważna dyskusji o aromacie w winie lub smaku w jedzeniu. Jest to jedna część większego doświadczenia estetycznego. Obiektywnie, malarze używają linii do zarysowywania kształtów i tworzenia perspektywy, między innymi. Istnieje jednak również teoria, która sugeruje, że różne stany emocjonalne mogą być inspirowane różnymi typami linii w sztuce. Na przykład, linia pozioma rzekomo przekazuje spokój, ponieważ naśladuje pozycję ciała w odpoczynku; linia pionowa rzekomo przekazuje duchowość, ponieważ sugeruje wysokość; mieszane linie poziome i pionowe rzekomo przekazują stabilność; linie ukośne rzekomo przekazują ruch; a linie krzywe rzekomo przekazują człowieczeństwo i zmysłowość. Nie wiadomo, czy typowi, nieprzeszkoleni widzowie rzeczywiście doświadczają takich uczuć, patrząc na obraz; zwłaszcza, że temat może wpływać na komunikowane rzekomo przez linie wiadomości. Ale być może, patrząc na to, jak różni abstrakcyjni malarze używali linii na przestrzeni lat, możemy odkryć, czy rzeczywiście istnieją ukryte prawdy łączące stan emocjonalny widzów z estetyką linii w sztuce.

Duchowość i Linia

Oprócz bycia jednym z pierwszych zachodnich malarzy, którzy dążyli do całkowicie niereprezentacyjnej formy malarstwa, rosyjski artysta Wassily Kandinsky był głęboko zaniepokojony przekazywaniem duchowości poprzez swoją sztukę. W 1912 roku opublikował książkę zatytułowaną O duchowości w sztuce. W niej omówił swoje pragnienie osiągnięcia poprzez sztukę wizualną tego, co muzyka już osiągnęła poprzez dźwięk: komunikację uniwersaliów za pomocą abstrakcyjnego języka estetycznego.

W 1926 roku, po szerokim przetestowaniu swoich teorii estetycznych, Kandinsky opublikował kolejną książkę zatytułowaną Punkt i linia na płaszczyźnie. Ten traktat jednoznacznie stwierdził jego wiarę w emocjonalny wpływ linii w sztuce. Obrazy, które stworzył w tym samym czasie, można odczytywać jako demonstracje jego teorii. Używają one linii formalnie do zarysowywania kształtów, tworzenia form przestrzennych oraz do tworzenia perspektywy, a także do inspirowania efektu emocjonalnego. Ikonicznym przykładem jest obraz Kompozycja VIII, który jest podziwiany za poczucie harmonii i równowagi kompozycyjnej. W nim, skrzyżowane linie poziome i pionowe w dolnej części ramy zapewniają stabilną podstawę dla kompozycji. Wiele linii ukośnych tworzy ruch w kierunku punktu zbiegu w górnym prawym rogu. A krzywe linie wprowadzają żywą, biologiczną obecność, która jest w ruchu.

Wassily Kandinsky - Kompozycja VIII, 1923. Olej na płótnie. 55 1/4 x 79 cali (140,3 x 200,7 cm). Muzeum Solomona R. Guggenheima, Nowy Jork, Kolekcja Założycielska Solomona R. Guggenheima. © 2019 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork/ADAGP, Paryż

Przeciwstawne siły

Choć jego filozofia różniła się znacznie od filozofii Kandinsky'ego, holenderski malarz Piet Mondrian również wierzył w komunikacyjną moc linii. Uważał, że może zredukować język malarstwa do jego najprostszych elementów. Stopniowo ograniczał swoje narzędzia wizualne, aż osiągnął styl, który wykorzystywał tylko linie poziome i pionowe oraz bardzo ograniczoną paletę kolorów. Dzięki temu surowemu stylowi czuł, że może komunikować podstawową duchową prawdę wszechświata.

Mondrian odrzucił linie diagonalne, ponieważ chciał uniknąć perspektywy, aby osiągnąć całkowicie płaską powierzchnię obrazu. Odrzucił również krzywe, ponieważ chciał przekazać coś czystego i uniwersalnego. Wierzył, że same linie poziome i pionowe, używane razem, reprezentują czyste, istotne, przeciwstawne siły wszechświata, takie jak męskość i kobiecość, pozytywność i negatywność oraz spokój i ruch.

Piet Mondrian - Kompozycja nr III, z czerwonym, niebieskim, żółtym i czarnym, 1929. Olej na płótnie. 50 × 50,2 cm (19,6 × 19,7 in). Kolekcja prywatna

Idealnie Niedoskonały

Kanadyjska malarka Agnes Martin stosowała estetyczne podejście, które miało wiele podobieństw do tego Pieta Mondriana. Jednak Martin była postrzegana jako znacznie bardziej ekspresyjna i emocjonalna niż Mondrian. Obaj malarze koncentrowali się niemal wyłącznie na kombinacji linii poziomych i pionowych. Jednak Martin malowała ręcznie rysowane siatki, które ujawniają jej ludzką rękę. Nawet w ich pozornej precyzji zawierają subtelne, drobne niedoskonałości.

Te niedoskonałości pełnią tę samą funkcję co krzywa linia, przekazując coś organicznego i zasadniczo ludzkiego. Choć jej prace są być może bardziej emocjonalne, co ujawniają jej tytuły, takie jak Przyjaźń, Szczęście-Radość, i Piękne Życie, ona, podobnie jak Mondrian, wierzyła w moc linii poziomych i pionowych, aby wyrazić coś harmonijnego i uniwersalnego.

Agnes Martin - Przyjaźń, 1963. Złota folia i olej na płótnie. 6' 3" x 6' 3" (190,5 x 190,5 cm). Dar Celeste i Armanda P. Bartos. Kolekcja MoMA. © 2019 Spadek po Agnes Martin / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Kolor i krzywe

Dzieło amerykańskiego malarza Cy Twombly czerpie swój ikoniczny wygląd z wizualnego języka opartego niemal wyłącznie na kolorze i linii. Jego obrazy są abstrakcyjne, komunikując intensywne uczucia poprzez uproszczoną paletę oraz energię i intensywność swojego bazgrołu. Ich linie mają głównie charakter glifowy, co oznacza, że ich zakrzywiona, zmysłowa natura przypomina pewnego rodzaju prymitywne pismo.

Obok linii glifowych, pionowe linie również wypełniają jego obrazy. Ale zamiast być rysowane, pionowe linie zostały stworzone przez krople powstałe, gdy jego pędzel naciskał na powierzchnię. Pionowe linie nadają zakrzywionym, glifowym formom wrażenie, że się wznoszą. Jego obraz Bacchus doskonale manifestuje to zjawisko, ponieważ jego zmysłowe krzywe wywołują poczucie transcendencji wspieranej przez pionowe krople.

Cy Twombly - Bez tytułu (Bachus), 2005. Akryl na płótnie. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Linia i iluzja

Linia jest istotnym elementem pracy artystów op-artu. Obrazy Bridget Riley nie tylko wykorzystują linię, aby wywołać emocjonalną reakcję u widzów. Używają również linii, aby stworzyć reakcję fizyczną. Prace, które Riley stworzyła w latach 60., często opisywano jako powodujące u widzów uczucie mdłości, jakby doświadczali zawrotów głowy i nudności z powodu wrażenia ruchu stworzonego przez obrazy.

W swoim obrazie z 1966 roku Descending, Riley tworzy poczucie wysokości dzięki silnym pionowym liniom, a także poczucie perspektywy i ruchu dzięki powtarzającym się rzędami linii ukośnych. Dodatkowo, tworzy poczucie zmysłowej miękkości dzięki strategicznemu umiejscowieniu sugerowanych krzywych w pionowych liniach. Brak poziomych linii rzeczywiście również przyczynia się do ogólnego wrażenia, że wszystko jest w nierównowadze.

Bridget Riley - Zstępujący, 1966. Emulsja na panelu. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Współczesne Głosy Linii

Wielu współczesnych malarzy bada komunikacyjną moc linii w sztuce. Urodzony w Brazylii malarz Christian Rosa używa idiosynkratycznego, oszczędnego języka linii, który ma wiele wspólnego z pracami Wassily'ego Kandinsky'ego. Amerykańska malarka abstrakcyjna Margaret Neill tworzy zmysłowe, intuicyjne, krzywe kompozycje liniowe, które prowadzą harmonijną rozmowę z dziełami Cy Twombly'ego. Holenderski malarz José Heerkens używa linii poziomych i pionowych w połączeniu z kolorem do badania przestrzeni. A francusko-amerykański artysta Peter Soriano wykorzystuje linię w sposób, który łączy graficzne wrażliwości z czymś metafizycznym i eterycznym.

Oprócz tych, które wymieniliśmy, dziesiątki innych artystów abstrakcyjnych w ciągu ostatniego wieku badały moc linii w przekazywaniu znaczenia i inspirowaniu emocjonalnej reakcji. Nie ma sposobu, aby udowodnić, czy osiągnęli uniwersalny sukces. Ale nie ma wątpliwości, że formalne elementy estetyczne sztuki są przynajmniej zdolne do wywoływania emocjonalnych reakcji. A rozpatrywane razem, prace tych artystów abstrakcyjnych, które wymieniliśmy, przedstawiają przekonujące argumenty na rzecz komunikacyjnej mocy linii.

Obraz wyróżniony: Christian Rosa - Nieskończony refill (szczegół), 2013, spray, ołówek, taśma, olejowy patyk i olej na płótnie, 180 x 200 cm
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio