Wzbogac swój dom dużym abstrakcyjnym obrazem!
Sztuka może przybierać różne rozmiary, ale sztuka abstrakcyjna przychodzi w dużych formatach. Jackson Pollock, Barnett Newman i Mark Rothko - protoplaści dużych płócien - swoimi bezprecedensowymi obrazami w dużych rozmiarach postawili znak równości między tymi dwoma. Już w 1947 roku MoMA zorganizowało wystawę Duże Nowoczesne Malarstwo, która ogłosiła nowy okres - okres „Wielkiego Płótna”. Duże malarstwo abstrakcyjne zdefiniowało na nowo relację między dziełem a jego widzem, mając kolosalny (w każdym znaczeniu tego słowa) wpływ na galerie i prywatnych kolekcjonerów. Podczas gdy dla wielu kolekcjonerów duże jest koniecznością, niektórzy wciąż mają wątpliwości, zastanawiając się, czy ich przestrzeń będzie w stanie pomieścić duże płótna lub jak będą pasować do wystroju. Rzeczywiście, duże obrazy wymagają więcej miejsca, ale duże malarstwa abstrakcyjne stały się zgodne z rozległymi powierzchniami architektury połowy/końca XX wieku. Choć wielu wczesnych artystów abstrakcyjnych poszło daleko poza rozmiar, że idea modelowego Muzeum Idealnego, które mogłoby pomieścić muralowe obrazy Pollocka, wydawała się kusząca, to zdecydowana większość artystów była bardziej skłonna do kompromisu w kwestii rozmiaru, pragnąc znaleźć dom dla swojej pracy. Większość z nich ograniczała swoją kreatywność do standardowej wysokości sufitu ośmiu lub dziewięciu stóp, co pozostawia nabywcom mieszkań obfite możliwości wyboru spośród najbardziej intrygujących dzieł sztuki abstrakcyjnej.
Inni kolekcjonerzy być może bardziej martwią się, czy ich najnowszy duży obraz abstrakcyjny będzie pasował do reszty wystroju. Podczas gdy pierwszeństwo, a nawet trwałość dzieł sztuki w porównaniu do mebli jest kwestią samą w sobie, dopasowanie do wystroju to to, co różni mniejsze od dużych obrazów abstrakcyjnych. Duże obrazy abstrakcyjne nie są tworzone tylko po to, aby pasować; nie tylko przyćmiewają resztę wystroju, nadając ton i styl wnętrzu, ale same stają się dekoracją, jak zauważyła amerykańska historyk sztuki Caroline Jones. Więc nie ma się czym martwić, duży obraz abstrakcyjny przekształci i (na nowo) zdefiniuje całą przestrzeń według Twojego gustu. W IdeelArt bardzo cenimy unikalność dużych obrazów abstrakcyjnych i wybraliśmy dziesięć najpiękniejszych dużych obrazów abstrakcyjnych do Twojej własnej kolekcji. Proszę przewinąć w dół, aby znaleźć swój ulubiony.
Martín Reyna - Bez tytułu (Ref 19014)
Niedawny dzieło Reyny ucieleśnia jego wyraźną technikę rozcieńczania tuszu i dodawania wody na papierze, aby kolory rozpraszały się i oddziaływały w najbardziej niezwykły sposób. Kolory rozpraszają się i rozprzestrzeniają, łaskawie wibrując i przekraczając swoje początkowe granice. Bez tytułu (Ref 19014) elegancko równoważy zaangażowanie Reyny w staranne planowanie liniowych i przestrzennych właściwości jego kompozycji oraz pozwala siłom natury przejąć proces i prowadzić go w najbardziej nieprzewidywalny sposób. Reyna jest urodzonym w Argentynie malarzem abstrakcyjnym, który mieszka w Paryżu, Francja. Jego gesturalne obrazy abstrakcyjne zachwycają oko i aktywują umysł swoimi świetlistymi relacjami kolorystycznymi oraz zwinnych eksploracjach perspektywy i przestrzeni.
Martin Reyna - Untitled (Ref 19014), 2019. Tusz na papierze. 150 x 150 cm.
Daniela Schweinsberg - Międzygwiezdna Podróż II
Najbardziej recentna praca Schweinsberg, ekskluzywna dla serii IdeelArt, wizualizuje energię, dynamizm i spontaniczność jej procesu malarskiego. Interstellar Voyage II odzwierciedla jej emocjonalną głębię, gdy stosuje różne techniki, aby podkreślić jednocześnie chaotyczną i harmonijną naturę piękna. Jej potężna praca wynika z jej niespiesznego i intuicyjnego podejścia, ponieważ jej mocne pociągnięcia pędzla i ograniczona paleta ujawniają jej emocjonalnie napędzany proces twórczy. Schweinsberg jest niemiecką artystką abstrakcyjną, której liryczne obrazy czerpią swoją hałaśliwą moc z mieszanki surowych emocji, żywych kolorów i warstw energetycznych pociągnięć pędzla. Mieszka i pracuje we Frankfurcie, w Niemczech.
Daniela Schweinsberg - Interstellar Voyage II, 2020. Akryl i mixed media na niezstretchowanym lnie. 200 x 260 cm.
Macha Poynder - 5. Dom
5. Dom ujawnia zdumiewającą złożoność i głębię, które tworzą wielowarstwowość i kolory. Poynder ma płynny, niematerialny i obfity dotyk, w którym gest, linia, kolor i przestrzenie łączą się w bezprecedensowe doświadczenie rozszerzonej percepcji. Łączy automatyczne rysowanie, performatywne gesty i intuicyjne wybory kolorów, aby wydobyć najbardziej pierwotne aspekty swojej nieświadomości. Oczywista przypadkowość spotyka wytrenowaną precyzję, gdy wielowarstwowość i kolory ujawniają złożoność i nieprzeniknione tajemnice świata. Poynder to artystka urodzona w Rosji, mieszkająca w Paryżu, której multidyscyplinarne dzieło inspirowane jest filozofiami i zasadami estetycznymi ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
Macha Poynder - 5th House, 2016. Akryl, kolaż i pastel na nie-napiętym płótnie. 158 x 152 cm.
Tommaso Fattovich - Kości
Najnowsze dzieło Fattovicha w sposób zakłócający wyraża jego najbardziej pierwotne uczucia, visceralnie reagując na kolory, warstwy, linie i kształty. "Bones" uchwyca jego odważne próby głębokiego zanurzenia się w subliminalne, gdy bawi się kompozycją, stosując surrealistyczną strategię automatyzmu. Jego szybkie nakładanie farby encapsuluje emocjonalny wyraz Fattovicha, odnaleziony w bezdennych głębinach jego podświadomości. Fattovich jest włoskim malarzem abstrakcyjnym, który wykorzystuje surrealistyczną strategię automatyzmu do tworzenia surowych, warstwowych, emocjonalnych dzieł, które przekazują uczucia pustki i rozkładu. Mieszka i pracuje w Delray Beach na Florydzie.
Tommaso Fattovich - Kości, 2020. Mieszana technika na płótnie. 152,4 x 121,92 cm.
Pierre Muckensturm - 14p1601861
Ten hipnotyzujący obraz akrylowy i olejny ujawnia Muckensturma fascynację stałością i czasowością, ujawnioną poprzez niepokojącą dychotomię między powtarzalną i cykliczną naturą czasu a pojedynczymi, izolowanymi wydarzeniami, które zakłócają tę harmonię. 14p1601861 uchwyca równowagę intensywności i spokoju poprzez prostotę form, które dominują na tym dużym płótnie. Muckensturm to francuski malarz abstrakcyjny i grafik, którego język wizualny to harmonia, spokój i ponadczasowość. Urodził się w Strasburgu we Francji, obecnie mieszka i pracuje w Kolmar.
Pierre Muckensturm - 14p1601861, 2014. Akryl i olej na nie-napiętym płótnie. 186 x 160 cm.
Paul Snell - Chromofilia # 201701
Chromophilia # 201701 uosabia Snella wyraźne badanie percepcji i sztuczności, doznania oka. Uchwyca obiekt lub miejsce za pomocą tradycyjnego aparatu, cyfrowo dekoduje informacje wizualne, redukując i upraszczając kolory oraz formy, aż te zredukowane elementy rozwijają się w swoje samoreferencyjne relacje. Ten proces rozwijania mapuje niejednoznaczność i stany przejściowe, które są nieodłączne dla medium. Snell łączy tradycyjne i cyfrowe techniki, aby badać możliwości abstrakcji i minimalizmu w współczesnej fotografii. Mieszka i pracuje w Launceston w Tasmanii.
Paul Snell - Chromophilia # 201701, 2014. Druk chromogeniczny z zamontowanym frontem z plexi 4,5 mm. 75 x 275 cm.
Kyong Lee - Modlił się
Zainspirowana serią Kolor jako Przymiotnik, Prayed przekazuje emocjonalną istotę jej wspomnień i myśli, które rozwijają się poprzez jej wizualne reprezentacje. Ten żywy utwór nie tylko odsłania, ale podkreśla kolor jako jej podstawowy język wizualny. Tworzy malowidła w gradacjach kolorów, gdzie każda warstwa jest nakładana i schnie przez określony czas, tworząc w ten sposób relacje między kolorami a czasem. Lee jest koreańską artystką abstrakcyjną, której prace godzą fizyczne i emocjonalne rzeczywistości poprzez wielodyscyplinarne badanie koloru, materiału, procesu i formy. Mieszka i pracuje w Seulu, Korea.
Kyong Lee - Prayed, 2015. Akryl na płótnie. 162 x 130,3 cm.
Anya Spielman - Candy
Candy to odważny, zmysłowy utwór, który łączy intensywnie fizyczne i autentycznie kontemplacyjne podejście Spielman. Jej nasycone powierzchnie są świetliste, mają jednocześnie błyszczące i matowe warstwy; czerwienie i róże odnoszą się do ciała i krwi, a jasne kremy, żółcie i ciemne brązy w jej palecie przypominają płyny ustrojowe. Ta cielesna manifestacja koloru jest dekonstrukcją poprzez szorstkie ślady paznokci i blizny, które wpisują zdekodowany pomysł i obraz głęboko w malowidło. Spielman jest amerykańską malarką abstrakcyjną. Jej prace badają konstelację binarnych sił i form, prezentując powracające obrazy w podwójnej postaci: napięcie między wiedzą a niewiedzą, byciem widzianym a niewidzianym, ludzkością a nieludzkością. Mieszka i pracuje w rejonie Los Angeles.
Anya Spielman - Candy, 2009. Olej na płótnie. 198,1 x 157,5 cm.
Jeremy Annear - Anchorage
W Anchorage, Annear przyjmuje postdyscyplinarną estetykę różnorodnych wpływów i stylistycznych zmartwień, łącząc starożytne motywy z nowoczesnym wyrazem wizualnym. Ten duży obraz olejny na płótnie ucieleśnia czystość jego formy, konstrukcji i kompozycji, a także jego ostrą precyzję i dokładność. Nieustannie bada relację między abstrakcją a farbą, koncentrując się na rozszyfrowywaniu związku między naturalnym środowiskiem wyrażonym w jego ziemistych tonach i surowych kolorach podstawowych. Annear jest angielskim malarzem, który w swoich wczesnych latach formacyjnych został wprowadzony w modernizm St Ives. Mieszka i pracuje w Kornwalii.
Jeremy Annear - Anchorage, 2018. Olej na płótnie. 150 x 120 cm.
Anthony Frost - Clear Spot
Clear Spot to najbardziej umiejętna demonstracja Frosta unikalnego łączenia malarstwa i kolażu. Nakłada akryl wraz z pumeksem na worki, żaglowce i płótno, a następnie układa je w warstwy i maluje kształty żywymi kolorami. Jego technika jest energiczna, nieprzemyślana i niekonwencjonalna, ponieważ pozwala, aby jego instynkt i intuicja przejęły proces twórczy. Frost jest angielskim artystą abstrakcyjnym, synem słynnego Sir Terry'ego Frosta, którego żywe, kolorowe obrazy i grafiki ukazują surową energię i wolność muzyki rockowej. Mieszka i pracuje w Kornwalii.
Anthony Frost - Clear Spot, 2006. Akryl i mixed media na płótnie. 207 x 119,4 cm.
Odkryj więcej dużych obrazów abstrakcyjnych!
Obraz wyróżniający: Tommaso Fattovich - Kości, 2020, widok instalacji.
Przez Jovana Vuković
