Wywiad z Johnem Monteithem

John Monteith urodził się w 1973 roku w Newmarket, Ontario, Kanada i jest absolwentem programu MFA w Parsons The New School for Design z 2008 roku. Intensywnie podróżował i mieszkał na całym świecie, co wpłynęło na jego praktykę artystyczną na przestrzeni lat. Jego skomplikowane i kolorowe prace z wosku i pigmentów na warstwach folii rysunkowej, a także starannie warstwowe dokumentacje fotograficzne, uczyniły go poszukiwanym i znanym artystą abstrakcyjnym.

John Monteith był międzynarodowo reprezentowany i był tematem kilku wystaw indywidualnych i zbiorowych, takich jak: „W Nocy Wszystkie Koty Są Szare”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; „Jeszcze Nie Tytułowane”, Galerie Wenger, Zurych, Szwajcaria; oraz „Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Niemcy. Jego prace są częścią stałych zbiorów w The New School, Manhattan, Nowy Jork; BNY Melon, Nowy Jork; oraz Morris and Associates w Londynie, Anglia. IdeelArt miało przyjemność przeprowadzić wywiad z artystą, aby omówić jego proces twórczy i nadchodzące projekty.

Jakie materiały i techniki stosujesz w swoim procesie pracy? Jak zmieniła się twoja praktyka na przestrzeni czasu?

W mojej wcześniejszej praktyce malarskiej używałem oleju na płótnie i pracowałem w sposób reprezentacyjny, tworząc wielkoformatowe obrazy figuratywne. Od 2005 roku dokonałem znaczącej zmiany zarówno w zakresie medium, jak i tematyki. Kierunek mojej pracy rozwijał się naturalnie wraz z moimi myślami, nie tylko na temat przestrzeni miejskich, ale także relacji osobistych i wielu warstw powiązań. Zawsze fascynowało mnie to, co charakteryzuje to, co pokazane i to, co ukryte.

W 2006 roku zacząłem pracować z folią rysunkową, wykorzystując jej przezroczyste właściwości do łączenia obrazów. Choć nadal pracowałem w sposób reprezentacyjny, używałem farby olejnej, która była rozcieńczona, aby skorzystać z jej przezroczystej natury. Malowałem architekturę i centra miejskie, miejsca, które odwiedziłem i które miały historyczne znaczenie, a nawet pozostałości po starym wypadku samochodowym, który widziałem w lesie w Kioto w Japonii, gdzie brały udział dwa samochody, które zjechały z stromej drogi może piętnaście lat temu. Każda z tych scen była kiedyś lub obecnie miejscem zerwania. Tworząc obrazy z tej serii, malowałem każdy obraz dwa razy na dwóch różnych arkuszach folii rysunkowej, a następnie układałem arkusze jeden na drugim i przesuwałem rejestr, tak aby górny obraz był nieco przesunięty w stosunku do dolnego obrazu, które następnie były nakładane, aby stworzyć jeden obraz. Połączenie tych dwóch "części" w jeden obraz stworzyło dzieło, które utrzymywało się w enigmatycznej strefie zmiany, w pewnym sensie, ruchu zatrzymanego w czasie. Po wystawieniu tych obrazów obok zestawu prac opartych na tekście, stałem się bardziej reduktywny w moim tworzeniu sztuki, przyjmując podejście konkretne do tworzenia moich rysunków i obrazów, które zachowały odniesienie do temporalności w sferze miejskiej oraz dyskurs pamięci/historii, jak to przedstawiali pisarze tacy jak Andreas Huyssen.

W 2011 roku rozpocząłem serię (de) Konstrukcja/(re) Konstrukcja, która powstała na podstawie dokumentacji fotograficznej przestrzeni interstycjalnych, takich jak drzwi i korytarze, w centrach handlowych, terminalach lotniskowych i innych przestrzeniach publicznych. Te obrazy stworzyłem, wykorzystując kształty rzucanego światła i cieni obecnych w tych "śmieciowych przestrzeniach", terminie ukutym i opisanym przez Rem Koolhaasa. To są miejsca "bez miejsca", w których spędzamy dużą część naszego czasu w tranzycie, przemieszczając się z punktu A do punktu B. Podobnie jak w mojej ostatniej grupie obrazów, zastosowałem tę samą strategię malowania dwóch identycznych warstw, ale tym razem, gdy umieszczałem warstwy razem, przesuwałem je w pożądane miejsce przed ukończeniem obrazu, wyciągając i popychając z powrotem niektóre elementy.

W trakcie tworzenia tych obrazów zamontowałem je na nieprzezroczystym białym plexi, ręcznie wyciętym na wymiary każdego obrazu. Pozwoliło mi to powiesić dzieła na ścianie, jak tradycyjne obrazy, ale także myśleć o obrazach w sposób rzeźbiarski, zawieszając każdy element na własnym stojaku. Instalacja prac w ten sposób stworzyła nowe fizyczne relacje między dziełami, jednocześnie nawiązując do architektury galerii i zmieniając „jeden do jednego” linię widzenia, co z kolei zmienia naturę doświadczenia oglądania obrazów. Moje prace w ten sposób przyjmują różne skojarzenia. Zawsze interesowało mnie nakładanie warstw, ale interesuje mnie także używanie jednego materiału do odniesienia się do innego, w tym przypadku moje obrazy zainstalowane jako rzeźby. Różne obrazy mogą wyglądać jak rysunki, a fotografie i rysunki mogą wyglądać jak obrazy. Każdy krok w moim procesie twórczym manifestuje się wizualnie w finalnym dziele; ślady są zawsze czytelne. Dla mnie to jest miejsce, w którym leży treść. W naszych miastach ten scenariusz rozgrywa się, gdy szukamy dowodów i śladów przeszłości, ukrytych w wierzchniej warstwie teraźniejszości.

Spędziłem ostatnie dwa lata w Berlinie, tworząc rysunki, które rozwijały się organicznie, w przeciwieństwie do mojego wcześniejszego korzystania z odniesień fotograficznych. Szczególnie przyglądałem się rekonstrukcji miasta, jego topografii oraz „pustkom” w mieście, które zachowują ślady przeszłości. Na podstawie tych badań stworzyłem wzajemnie powiązane grupy rysunków, które informują się nawzajem, gdy są oglądane razem, a także prace, które uwzględniały architektoniczną rekonstrukcję zachodzącą w centrum miasta.

Jak długo zazwyczaj trwa praca?

To naprawdę zależy. Kiedy byłem w Berlinie, zazwyczaj spędzałem w swoim studiu sześć dni w tygodniu. Trudno powiedzieć, jak długo zajmie praca, ponieważ zazwyczaj pracuję nad wieloma dziełami jednocześnie. W moim procesie zaczynam od bardzo cienkiej farby, a następnie powoli ją nakładam, lub w przypadku moich rysunków często spędzam kilka tygodni na testach, zanim sfinalizuję swoje podejście do pracy. W zasadzie mój proces jest powolny i pracochłonny.

Co jest integralną częścią twojej pracy?

"Moja praktyka zaprowadziła mnie do wielu miast, zarówno do życia, jak i do badań. Za każdym razem, gdy się przeprowadzam, wpływa to na moją pracę i ją zmienia. Te miejsca są katalizatorami sposobów, w jakie myślę o tworzeniu sztuki i jak realizuję swój proces. Nowe sposoby myślenia i tworzenia pojawiają się, gdy stare nawyki zostają złamane i wstrząśnięte." 

Jak wiesz, kiedy praca jest skończona? 

Nie pracuję w taki niejasny sposób; jest to dla mnie jaśniejsze. Nigdy nie miałem wątpliwości co do tego, co muszę zrobić następnie, aby rozwiązać zadanie. Największym pytaniem dla mnie jest, jak umieścić każdy element kontekstowo w odniesieniu do innych elementów w wystawie oraz jak ma być zainstalowana praca? To zawsze są najtrudniejsze pytania, gdy rozważam, jak moja praca będzie odbierana i jak przestrzeń wystawowa wpłynie na tę czytelność. Pracując z wybranym materiałem, ramy są również istotnym zagadnieniem. Ramy mogą albo wzmocnić, albo zrujnować moją pracę. Lubię pracować z ramami, którym ufam, które mogą zaoferować swoje spostrzeżenia i pomysły.

Co oznacza posiadanie fizycznej przestrzeni do tworzenia sztuki dla twojego procesu i jak sprawiasz, że twoja przestrzeń studyjna działa na twoją korzyść?

"Moje studio musi być samotną i cichą przestrzenią. Jestem elastyczny co do lokalizacji, ale przestrzeń studia narzuca pewne parametry, szczególnie pod względem skali i tego, jak dużą pracę można wykonać. Jeśli masz małą przestrzeń, praca będzie wyglądać znacznie większa w twoim studio niż będzie wyglądać, gdy powiesisz ją na ścianach dużej galerii." 

Czy jest coś, nad czym obecnie pracujesz lub co cię ekscytuje i o czym możesz mi opowiedzieć?

Obecnie jestem w Halifax w Kanadzie, prowadząc badania nad praktykami sztuki opartej na włóknach w celu stworzenia nowego zbioru prac tkanych na krośnie. Będąc w Berlinie, coraz bardziej interesowałem się wzbogacaniem mojej tradycyjnej praktyki i włączaniem nowych mediów – nadal będę malować, ale w inny sposób.

Jak poruszasz się po świecie sztuki?

Myślę, że najlepszym sposobem na radzenie sobie z presjami jest spędzanie jak najwięcej czasu w swoim studiu i ciągłe tworzenie. Jest pewna pociecha w procesie posuwania się naprzód w sposób, który jest dla ciebie wyzwaniem. Czytam różne teksty i publikacje artystyczne, które są skierowane ku teorii kulturowej i badaniom, a nie tylko recenzjom wystaw czy artykułom poświęconym rynkowi sztuki. Pomaga mi również mieć wokół siebie moją społeczność – mam grupy w Berlinie, Nowym Jorku i Toronto – składające się z artystów, kuratorów, pisarzy, projektantów, muzyków i DJ-ów, którzy wspierają moją pracę, tak jak ja wspieram ich. Angażowanie się w rozmowy i po prostu bycie z nimi pomaga mi ogromnie radzić sobie z presjami bycia artystą.

Jaką najlepszą radę otrzymałeś, gdy wkraczałeś do świata sztuki? Jaką radę masz dla młodych, wschodzących artystów?

Najlepsza rada, jaką otrzymałem, pochodziła od Marthy Rosler, która powiedziała: „Nigdy nie ufaj nikomu w sprawach swojej kariery. Zawsze musisz mieć na uwadze, jak jesteś reprezentowany i jak ci, którzy cię reprezentują, kształtują rozmowę wokół twojej pracy.”

Czy bierzesz udział w nadchodzących pokazach lub wydarzeniach? Gdzie i kiedy?

Będę częścią wystawy zbiorowej w Galerii Wenger w Zurychu w Szwajcarii, która otworzy się 24 października 2015 roku i potrwa do 9 stycznia. Mam również kilka innych projektów, które są na wczesnym etapie rozwoju.

Obraz wyróżniający: Instalacja Dnia Pamięci O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Dzięki uprzejmości artysty