Wywiad z Johnem Monteithem

John Monteith urodził się w 1973 roku w Newmarket, Ontario, Kanada, i ukończył program MFA w Parsons The New School for Design w 2008 roku. Podróżował i mieszkał w wielu miejscach na świecie, co przez lata wpłynęło i zmieniło jego sposób pracy twórczej. Jego misternie wykonane i kolorowe prace z wosku i pigmentów na warstwowym papierze kalkowym, a także starannie nakładane dokumentacje fotograficzne, uczyniły go poszukiwanym i znanym artystą abstrakcyjnym.

John Monteith był reprezentowany na arenie międzynarodowej i był bohaterem kilku wystaw indywidualnych i zbiorowych, takich jak: „At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; „Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zurych, Szwajcaria; oraz „Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlin, Niemcy. Jego prace znajdują się w stałych zbiorach The New School, Manhattan, Nowy Jork; BNY Melon, Nowy Jork; oraz Morris and Associates w Londynie, Anglia. IdeelArt miało przyjemność przeprowadzić wywiad z artystą, aby omówić jego proces twórczy i nadchodzące projekty.

Jakich materiałów i technik używasz w swoim procesie twórczym? Jak zmieniła się twoja praktyka na przestrzeni czasu?

W mojej wcześniejszej praktyce malarskiej używałem oleju na płótnie i tworzyłem prace przedstawiające, wykonując duże obrazy figuralne. Od 2005 roku dokonałem znaczącej zmiany zarówno pod względem medium, jak i tematyki. Kierunek mojej pracy rozwijał się naturalnie wraz z moimi przemyśleniami, nie tylko o przestrzeniach miejskich, ale także o relacjach osobistych i wielowarstwowych powiązaniach. Zawsze fascynowało mnie, co charakteryzuje to, co widoczne i to, co ukryte.

W 2006 roku zacząłem pracować z papierem kalkowym, wykorzystując jego przezroczyste właściwości do nakładania obrazów warstwami. Nadal pracując przedstawiająco, używałem farby olejnej, rozcieńczonej, aby wykorzystać jej przezroczystość. Malowałem architekturę i centra miejskie, miejsca, które odwiedziłem i które miały historyczne znaczenie, a nawet pozostałości po starym wypadku samochodowym, który widziałem w lesie w Kioto w Japonii, gdzie kilka samochodów zjechało z ostrej drogi około piętnastu lat temu. Każda z tych scen była kiedyś lub jest miejscem zerwania. Tworząc obrazy z tej serii, malowałem każdy obraz dwukrotnie na dwóch różnych arkuszach papieru kalkowego, a następnie nakładałem je na siebie, przesuwając rejestr tak, aby górny obraz był lekko przesunięty względem dolnego, tworząc jedną całość. Połączenie tych dwóch „części” w jeden obraz tworzyło dzieło, które pozostawało w enigmatycznej strefie przepływu, w pewnym sensie ruchu zatrzymanego w czasie. Po wystawieniu tych obrazów wraz z serią prac tekstowych, stałem się bardziej oszczędny w tworzeniu, przyjmując podejście konkretne do rysunków i obrazów, które zachowywały odniesienie do przemijania w przestrzeni miejskiej oraz dyskurs pamięci i historii, jak to przedstawiali pisarze tacy jak Andreas Huyssen.

W 2011 roku rozpocząłem serię (de) Construction/(re) Construction, stworzoną na podstawie dokumentacji fotograficznej przestrzeni przejściowych, takich jak drzwi i korytarze centrów handlowych, terminali lotniskowych i innych przestrzeni publicznych. Malowałem te obrazy, wykorzystując kształty rzucanego światła i cieni obecnych w tych „przestrzeniach śmieciowych”, terminie ukutym i opisanym przez Rem Koolhaasa. To miejsca „nigdzie”, gdzie spędzamy dużo czasu w tranzycie, przemieszczając się z punktu A do punktu B. Podobnie jak w poprzedniej grupie obrazów, stosowałem tę samą strategię malowania dwóch identycznych warstw, ale tym razem, gdy nakładałem warstwy, przesuwałem je do pożądanego położenia przed ukończeniem obrazu, wyciągając i cofając niektóre elementy.

Kończąc te obrazy, montowałem je na nieprzezroczystym białym pleksi, ręcznie wyciętym do wymiarów każdego obrazu. Pozwalało mi to zawiesić prace na ścianie jak tradycyjne obrazy, ale także traktować je rzeźbiarsko, zawieszając każdą pracę na osobnym stojaku. Instalacja w ten sposób tworzyła nowe fizyczne relacje między pracami, nawiązując do architektury galerii i zmieniając „jeden do jednego” linię wzroku widza, co zmieniało charakter odbioru obrazów. Moje prace w ten sposób nabierają różnych skojarzeń. Zawsze interesowało mnie nakładanie warstw, ale także używanie jednego materiału do nawiązania do innego, w tym przypadku instalowanie obrazów jako rzeźb. Różne obrazy mogą wyglądać jak rysunki, a fotografie i rysunki mogą przypominać obrazy. Każdy etap mojego procesu twórczego manifestuje się wizualnie w ostatecznej pracy; ślady są zawsze czytelne. Dla mnie właśnie tam leży treść. W naszych miastach ten scenariusz rozgrywa się, gdy szukamy dowodów i śladów przeszłości ukrytych pod powierzchnią teraźniejszości.

Spędziłem ostatnie dwa lata w Berlinie, tworząc rysunki, które rozwijały się organicznie, w przeciwieństwie do mojej wcześniejszej pracy z odniesieniami fotograficznymi. Szczególnie interesowałem się odbudową miasta, jego topografią oraz „pustkami” miasta, które zachowują ślady przeszłości. Z tych badań powstały powiązane grupy rysunków, które wzajemnie się uzupełniają, gdy są oglądane razem, a także prace rozważające architektoniczną odbudowę centrum miasta.

Ile zwykle trwa wykonanie pracy?

To naprawdę zależy. Kiedy byłem w Berlinie, zwykle byłem w swoim atelier sześć dni w tygodniu. Trudno powiedzieć, ile czasu zajmie wykonanie pracy, ponieważ zwykle pracuję nad kilkoma dziełami jednocześnie. W moim procesie zaczynam od bardzo cienkiej warstwy farby, którą powoli buduję, a w przypadku rysunków często spędzałem kilka tygodni na testach, zanim ostatecznie ustaliłem podejście do pracy. W zasadzie mój proces jest powolny i pracochłonny.

Co jest nieodłącznym elementem twojej pracy?

Moja praktyka zaprowadziła mnie do wielu miast, zarówno do życia, jak i badań. Za każdym razem, gdy się przeprowadzam, wpływa to i zmienia moją twórczość. Te miejsca są katalizatorami sposobów, w jakie myślę o tworzeniu sztuki i realizacji mojego procesu. Nowe sposoby myślenia i tworzenia pojawiają się, gdy stare nawyki zostają przełamane i wstrząśnięte.

Skąd wiesz, kiedy praca jest ukończona?

Nie pracuję w sposób tak niejasny; dla mnie jest to jasne. Nigdy nie miałem wątpliwości, co muszę zrobić, aby zakończyć pracę. Najważniejszym pytaniem jest, jak umieścić każdą pracę kontekstowo z innymi pracami na wystawie i jak praca ma być zainstalowana? To zawsze najtrudniejsze pytania, gdy zastanawiam się, jak moja praca będzie odczytywana i jak przestrzeń wystawowa wpłynie na tę czytelność. Pracując z wybranym materiałem, biorę też pod uwagę oprawę. Oprawa może albo wzmocnić, albo zepsuć moją pracę. Lubię współpracować z oprawcami, którym ufam i którzy mogą zaoferować swoje spostrzeżenia i pomysły.

Co oznacza dla twojego procesu posiadanie fizycznej przestrzeni do tworzenia sztuki i jak sprawiasz, by twoje atelier działało dla ciebie?

Moje atelier musi być samotną i cichą przestrzenią. Jestem elastyczny co do lokalizacji, ale przestrzeń atelier narzuca pewne ograniczenia, szczególnie jeśli chodzi o skalę i to, jak duże prace można tworzyć. Jeśli masz małą przestrzeń, praca będzie wyglądać w twoim atelier na znacznie większą niż wtedy, gdy zostanie zawieszona na ścianach dużej galerii.

Czy jest coś, nad czym obecnie pracujesz lub na co z radością czekasz, o czym możesz mi opowiedzieć?

Obecnie jestem w Halifax w Kanadzie, prowadząc badania nad praktykami artystycznymi opartymi na włóknach do nowej serii tkanin tkanych na krośnie. Podczas pobytu w Berlinie coraz bardziej interesowałem się rozszerzaniem mojej tradycyjnej praktyki i włączaniem nowych mediów — nadal będę malował, ale w inny sposób.

Jak odnajdujesz się w świecie sztuki?

Uważam, że najlepszym sposobem radzenia sobie z presją jest spędzanie jak najwięcej czasu w swoim atelier i ciągłe tworzenie. W procesie posuwania się naprzód w sposób dla siebie wyzwaniający jest pewna pociecha. Czytam różne teksty i publikacje artystyczne, które skupiają się na teorii kultury i badaniach, a nie na recenzjach wystaw czy artykułach poświęconych rynkowi sztuki. Pomaga mi też mieć wokół siebie społeczność — mam grupy w Berlinie, Nowym Jorku i Toronto — składające się z artystów, kuratorów, pisarzy, projektantów, muzyków i didżejów, którzy wspierają moją pracę, tak jak ja wspieram ich. Rozmowy i samo bycie z nimi bardzo mi pomaga radzić sobie z presją bycia artystą.

Jaka była najlepsza rada, jaką otrzymałeś, gdy zaczynałeś w świecie sztuki? Jaką radę masz dla młodych, początkujących artystów?

Najlepszą radą, jaką otrzymałem, była ta od Marthy Rosler, która powiedziała: „Nigdy nie ufaj nikomu w kwestii swojej kariery. Zawsze musisz mieć oko na to, jak jesteś reprezentowany i jak ci, którzy cię reprezentują, kształtują rozmowę wokół twojej pracy.”

Czy bierzesz udział w nadchodzących wystawach lub wydarzeniach? Gdzie i kiedy?

Wezmę udział w wystawie zbiorowej w Galerie Wenger w Zurychu, Szwajcaria, która otwiera się 24 października 2015 i potrwa do 9 stycznia. Mam też kilka innych projektów, które są na wczesnym etapie rozwoju.

Zdjęcie wyróżniające: Instalacja Memorial Day O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Za uprzejmością artysty