Język uczuć: artyści, którzy malują czyste emocje

Co jeśli obraz mógłby przemówić bezpośrednio do twojej duszy, nie pokazując ani jednej rozpoznawalnej rzeczy? Co jeśli sam kolor i forma mogłyby sprawić, że poczujesz radość, melancholię lub transcendencję tak silnie, jak każda opowiedziana historia?

To jest głębokie pytanie, które napędzało niektórych z najbardziej rewolucyjnych artystów w historii i nadal inspiruje współczesnych malarzy. Ci wizjonerzy odkryli, że sama emocja może być tematem sztuki, a nie tylko jej inspiracją.

Poza osobistą ekspresją: gdy emocja staje się tematem

W świecie sztuki istnieje istotna różnica, która często pozostaje niezauważona. Wielu artystów maluje z emocji, przekazując na płótno swoje osobiste zmagania, radości lub niepokoje. Ale wybrana grupa artystów maluje emocję jako temat swoich dzieł, celowo tworząc wizualne doświadczenia mające wywołać określone uczucia u widzów.

Pomyśl o "Krzyku" Edvarda Muncha: potężnym dziele, które ukazuje niepokój i cierpienie za pomocą rozpoznawalnych obrazów. To reprezentuje jedno podejście do sztuki emocjonalnej. Ale niektórzy artyści wybrali bardziej złożoną drogę, jednocześnie czerpiąc z własnych intensywnych doświadczeń emocjonalnych, świadomie tworząc dzieła mające wywołać uniwersalne uczucia u innych.

Pionier: Emocjonalna architektura Kandinsky'ego

Wassily Kandinsky położył teoretyczne podstawy tego podejścia w swojej rewolucyjnej książce z 1912 roku Concerning the Spiritual in Art. Rosyjski artysta wierzył, że sztuka powinna funkcjonować jak muzyka, komunikując się bezpośrednio z ludzką duszą bez form reprezentacyjnych.

Kandinsky opracował systematyczne podejście do koloru i emocji, prawdopodobnie pod wpływem swojej synestezji, neurologicznego stanu, w którym zmysły się przenikają. Dla niego jasny niebieski wywoływał dźwięk fletu i uczucie spokoju, podczas gdy żółty sugerował trąbki i ekscytację. Jego żywe abstrakcje, takie jak Composition VII, były zaprojektowane jako wizualne symfonie, starannie zaaranżowane, by poruszać wewnętrzne emocje widzów.

To było rewolucyjne: idea, że specyficzne układy koloru i formy mogą niezawodnie wywoływać odpowiadające im reakcje emocjonalne, tworząc uniwersalny język uczuć.

Spring Light (Green) (2023) - Emma Godebska

Nauka o kolorze i emocjach

Abstrakcyjny ekspresjonizm: Złożona arena uczuć

Okres powojenny przyniósł nową pilność malarstwu emocjonalnemu. Abstrakcyjni ekspresjoniści, zmagający się z egzystencjalnymi lękami i pod wpływem psychologii, postrzegali płótno jako "arenę" dla wyrazu emocjonalnego. Wielu z tych artystów przechodziło przez intensywne osobiste cykle emocjonalne, w tym zaburzenie afektywne dwubiegunowe, które głęboko wpłynęło na ich twórczość. Jednak przekroczyli oni zwykły osobisty wyraz, tworząc sztukę, która przemawiała do uniwersalnych ludzkich emocji.

W ramach tego ruchu wyłoniły się dwa odrębne podejścia:

Action Painters tacy jak Jackson Pollock używali samego aktu malowania jako wyrazu emocjonalnego: kapanie, rozpryskiwanie i taniec wokół płócien. Pollock, który doświadczał intensywnych cykli nastrojów przez całe życie, skierował swoje osobiste emocjonalne turbulencje w rewolucyjną metodę malarską, która jednocześnie wyrażała jego wewnętrzny stan i tworzyła potężne emocjonalne doświadczenia dla widzów.

Malarze Color Field tacy jak Mark Rothko przyjęli inne podejście, tworząc starannie skonstruowane środowiska zaprojektowane, by wywoływać określone stany emocjonalne poprzez rozległe pola świetlistych kolorów. Jednak to metodyczne podejście współistniało z własnymi zmaganiami Rothko z depresją i intensywnością emocjonalną, tworząc fascynujący paradoks celowej techniki zrodzonej z przeżytych doświadczeń emocjonalnych.

Rothko: Mistrz Emocjonalnego Sublimu

Mark Rothko jest przykładem skomplikowanej relacji między osobistym doświadczeniem emocjonalnym a celową emocjonalną sztuką. Poruszając się przez własne cykle depresji i intensywności emocjonalnej przez całe życie, Rothko jednocześnie doskonalił sztukę malowania czystej emocji dla innych. Jego deklarowanym celem było wyrażenie "podstawowych ludzkich emocji: tragedii, ekstazy i zagłady" wyłącznie poprzez relacje kolorów.

Osobiste emocjonalne zmagania Rothko wpłynęły na jego głębokie zrozumienie ludzkich uczuć, jednak jego podejście było metodyczne i celowe. Rozumiał, że skala i kolor mają głęboki wpływ na psychikę. Jego obrazy były celowo duże, aby otoczyć widzów, tworząc intymne spotkania, które omijały intelektualną analizę. Poprzez staranne nakładanie cienkich warstw farby stworzył kolory, które zdawały się oddychać i zmieniać, być może odzwierciedlając jego własne doświadczenie emocjonalnych wahań, jednocześnie służąc jego większemu celowi tworzenia uniwersalnych emocjonalnych przeżyć.

Ostatecznym urzeczywistnieniem jego wizji jest Rothko Chapel w Houston, duchowa przestrzeń, gdzie odwiedzający siedzą w kontemplacyjnym milczeniu, otoczeni jego niemal monochromatycznymi obrazami, doświadczając sztuki jako czystej emocjonalnej komunii. To stanowi kulminację artysty, który przekształcił osobistą wiedzę emocjonalną w transcendentną sztukę dla innych.

The Silence Under The Water (2025) - Nikolaos Schizas

Współcześni Malarze Emocji: Żywa Tradycja

Ta potężna tradycja malowania emocji trwa dziś dzięki współczesnym artystom, którzy uczynili uczucia swoim głównym tematem. W przeciwieństwie do niektórych swoich poprzedników, którzy przechodzili przez intensywne osobiste cykle emocjonalne, wielu współczesnych malarzy emocji podchodzi do swojego tematu poprzez świadome badanie, a nie osobistą konieczność. W IdeelArt jesteśmy dumni, że reprezentujemy kilku artystów, którzy kontynuują to głębokie dziedzictwo:

Kyong Lee, koreańska artystka mieszkająca w Seulu, stworzyła jedno z najbardziej systematycznych i wszechstronnych badań emocji poprzez kolor w sztuce współczesnej. Po głębokiej osobistej stracie w 2011 roku, która tymczasowo pozbawiła ją zdolności odczuwania koloru i znajdowania słów, Lee rozpoczęła niezwykłą podróż wzrostu pourazowego poprzez sztukę, która nadal się rozwija. 

Jej monumentalna, trwająca seria "Colors as Adjectives" (rozpoczęta w 2012) obejmuje do tej pory 446 unikalnych kombinacji, z których każda reprezentuje wyjątkowe połączenie przymiotnika i koloru stworzone w intensywnie osobistym procesie. Lee dokonuje kluczowego rozróżnienia: "Emocje, które znam, i emocje, które czuję, są odrębne. Choć istnieje wiele pięknych i eleganckich przymiotników i kolorów, łączę tylko emocje, które osobiście doświadczyłam i poczułam." Każdy obraz zawiera przymiotnik subtelnie wytłoczony w tym samym kolorze co monochromatyczny, tworząc to, co opisuje jako "szepczące" słowa, które "zastępują miejsce, z którego usunięto obrazy." Ta podstawowa praca stanowi ramę podtrzymującą całą jej praktykę artystyczną, a Lee dodaje nowe kombinacje każdego roku.

Dzięki niezwykłej wszechstronności i metodycznej błyskotliwości, zbudowała całe swoje dzieło, używając tej emocjonalnej palety kolorów jako stałej podstawy, tworząc poprzez imponującą różnorodność stylów: geometryczną precyzję "Emotional Color Chart", liryczną poezję serii "Chapter", minimalistyczną elegancję "Lines" oraz swoją najnowszą serię "Sinneswelt" ("Sensory World"), która wykorzystuje wodę jako płynne medium do rozszerzenia samej natury koloru i przekroczenia ograniczeń narzuconej sobie palety kolorów.

Ta spójna stylistyka zapewnia, że pomimo częstych zmian stylu, jej cały dorobek zachowuje niezwykłą spójność. Jak wyjaśnia Lee, "Ta podstawowa praca będzie trwać tak długo, jak długo pozostanę zmysłowo żywa," czyniąc jej praktykę żywą, oddychającą dokumentacją ludzkiego doświadczenia emocjonalnego poprzez kolor; czasem poetycką, czasem minimalistyczną, czasem geometryczną, ale zawsze systematycznie piękną i głęboko osobistą.

Flag nb 2 (2024) - Paul Richard Landauer

Paul Landauer, austriacki artysta pracujący w Belgradzie, tworzy niesamowicie potężne ekspresyjne liryczne abstrakcje. Urodzony w Wiedniu w 1974 roku, Landauer doświadczył głębokiego przebudzenia w 2018 roku, kiedy, jak sam mówi, "zajęło mi 44 lata, by się obudzić." Ten przełomowy moment zmienił jego rozumienie, że "zwrot ku sztuce jako projektowi życiowemu to nie tylko pomysł czy nastrój, ale po prostu kwestia przetrwania." Po latach pracy jako dyrektor kreatywny w branży komercyjnych marek, dokonał radykalnego skoku w to, co nazywa "nieskończoną przygodą eksploracji, nauki i odkrywania."

Pracując na muzealnej jakości płótnach w imponująco dużych formatach, Landauer opisuje swoją praktykę jako "przekopywanie się przez warstwy emocji, które nagromadziły się przez całe życie." Podejmując głęboką introspekcję za pomocą różnych technik eksploracyjnych, wnosi do swojej pracy niezwykle jasne zrozumienie swoich stanów emocjonalnych, tworząc obrazy, które rezonują niezwykłą głębią i autentycznością. W pełni oddany swojej sztuce, jego celem jest "przekładanie subiektywnych doświadczeń na dzieła sztuki wizualnej, które dają widzom przestrzeń do odnalezienia w nich odbicia własnego życia i doświadczeń."

Nikolaos Schizas, grecki malarz mieszkający w Barcelonie, wyłonił się jako jeden z najbardziej płodnych i poszukiwanych malarzy abstrakcyjnych swojego pokolenia. Pomimo że swoją profesjonalną karierę rozpoczął dopiero w 2020 roku, ten całkowicie samouk artysta stworzył ponad 550 dzieł, z czego zadziwiające 450 zostało już zebranych. Dla Schizasa sztuka jest zarówno pasją, jak i koniecznością; medytacyjną praktyką, która zapewnia równowagę i skupienie jako osoba z ADHD.

Jego podejście do emocjonalnej eksploracji jest niezwykle dynamiczne, rozwijając się poprzez wiele równoczesnych serii, które można opisać jako "rosnące drzewo inspiracji." Zamiast porzucać wcześniejsze techniki, każda nowa seria rozwija się organicznie z poprzednich, splatając ustalone elementy ze świeżymi innowacjami w ciągłej twórczej ewolucji. Od jego podstawowych obrazów z rozpryskami malowanych pędzlami o szerokości 30 cm na mokrych płótnach, przez szerokie, wielokolorowe gesty, wyrafinowane monochromatyczne zanurzenia, aż po eteryczny metaliczny minimalizm, każda technika oferuje mu różne emocjonalne terytoria do eksploracji.

To, co czyni Schizasa wyjątkowym wśród emocjonalnych malarzy, to fakt, że nigdy nie porzuca żadnej serii; zamiast tego kontynuuje malowanie wszystkimi swoimi technikami jednocześnie, wybierając podejście w zależności od swojego aktualnego stanu emocjonalnego i tego, co każda seria mu przynosi. Niektóre prace są zabawne i odmładzające (jak jego popowa i dotykowa seria "Sweeties"), inne głęboko kontemplacyjne (jego monochromy w odcieniach niebieskiego, zielonego i fioletu), a jeszcze inne oferują dynamiczną ekspresję (jego prace z dużymi pociągnięciami pędzla). Ta równoległa ewolucja wielu podejść pozwala mu precyzyjnie dopasować artystyczną ekspresję do swoich emocjonalnych potrzeb w danym momencie, wyrażając to, co nazywa "nieświadomymi uczuciami i tłumionymi emocjami" poprzez różnorodne języki estetyczne, które pozostają "świeże, żywe i jak ze snu." 

Solstice 2 (2019) - Brooke Noel Morgan

Brooke Noel Morgan, artystka multimedialna z Nashville, wnosi głęboko duchowy wymiar do emocjonalnego malarstwa. Dla Morgan bycie artystką oznacza "życie z mojej duszy", a jej twórcza podróż, obejmująca nauczanie, fotografię, aranżację wnętrz, poezję, malarstwo i rzeźbę, odzwierciedla głębokie zrozumienie, że "życie, życie istoty, jest najbardziej kreatywną rzeczą, jaką robię." Pracując ze swojego minimalistycznego, spokojnego sanktuarium w Nashville, Morgan wykształciła to, co opisuje jako komunię z Matką Ziemią, przekazując tę głęboką więź w abstrakcyjne organiczne formy, które zdają się oddychać naturalną mądrością. Jej podejście do emocjonalnej ekspresji wykracza poza indywidualne doświadczenie, opierając się na przekonaniu, że "moja prawda w jakiś sposób łączy się z twoją prawdą... prawdą zbiorowej ludzkości doświadczającej tego życia/ziemi."

Obrazy Morgan służą temu, co nazywa „pięknem jako balsamem”, stworzonym do uzdrawiania, „mojego uzdrowienia, twojego uzdrowienia, naszego uzdrowienia.” Jej prace eksplorują pełne spektrum ludzkich emocji: „radość, ból, stratę, miłość, strach, żal, złość, smutek, uwodzenie i wszystko pomiędzy”, nie jako oddzielne doświadczenia, lecz jako aspekty tego, co opisuje jako „rozległą, przestronną macicę Miłości, która trzyma nas dokładnie takimi, jakimi jesteśmy.” Zainspirowana zasadami wabi-sabi, jej abstrakcyjne formy zdają się wyłaniać z miejsca głębokiego spokoju i uniwersalnego połączenia, zapraszając widzów do kontemplacyjnych przestrzeni, gdzie granice między jaźnią a kosmosem zanikają. W rękach Morgan malarstwo emocjonalne staje się formą praktyki duchowej, gdzie każde dzieło służy jako most między indywidualną duszą a nieskończoną tajemnicą istnienia.

Emma Godebska, francuska artystka pracująca w Nîmes, kontynuuje jedno z najbardziej wybitnych rodowodów historii sztuki, jednocześnie wytyczając własną kontemplacyjną ścieżkę w wyrazie emocjonalnym. Potomkini legendarnej dynastii artystycznej Godebski, w tym mitycznej Misi Godebska, „Królowej Paryża” i muz Vuillarda, Bonnarda oraz Ravela, Godebska reprezentuje współczesny rozkwit drzewa rodzinnego, które pielęgnuje kreatywność od ponad wieku. Niedawno uhonorowana na dużej retrospektywie „La Saga Godebski” w Nîmes, to dziedzictwo artystyczne przepływa przez twórczość Godebska nie jako ciężar, lecz jako głębokie zrozumienie duchowego wymiaru sztuki. 

Jej praktyka ucieleśnia to, co krytyk Martine Guillerm opisuje jako podróż „od nagromadzenia do prostoty”, gdzie poszukiwanie istoty malarstwa przechodzi przez oczyszczony gest i minimalny język obrazowy. Pracując na białych powierzchniach z niemal obsesyjnym skupieniem na śladach – śladach różnych kolorów, śladach emocji, śladach obecności – Godebska tworzy to, co wydaje się kaligraficznymi znakami unoszącymi się w kontemplacyjnej przestrzeni. Jej technika polega na delikatnym tańcu między rozcieńczeniem farby a nagromadzeniem pigmentu, wykorzystując efekty przezroczystości, jednocześnie szukając równowagi między napięciem a rozluźnieniem, koncentracją a spontanicznością. Efekt przypomina rzeźbiarskie bryły zawieszone w czasie i przestrzeni, gdzie nałożone na siebie elementy tworzą głębię, która mówi zarówno o doświadczeniu temporalnym, jak i obecności przestrzennej. 

Dzięki formalnej prostocie, która nawiązuje do tradycji Neo-Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu, dzieła Godebska konfrontują widzów z ich własną emocjonalną ekspresją, zapraszając ich do tego, co Guillerm nazywa "duchową podróżą." Każdy obraz staje się medytacją nad Tu i Teraz, uchwycając światło, uczucie i ulotne chwile poprzez minimalistyczny język, który przekształca emocjonalne doświadczenie w czystą wizualną poezję. Konkretne emocje mogą nie być ściśle tematem Godebska, ale jej sztuka jest otwartym płótnem dla osobistych uczuć widza.

Emotional Color Change 53 (2025) - Kyong Lee

Uniwersalny język uczuć

To, co czyni tych artystów, zarówno historycznych, jak i współczesnych, tak fascynującymi, to ich zdolność do przekształcania emocjonalnego doświadczenia w uniwersalną komunikację. Niezależnie od tego, czy czerpią z osobistej intensywności emocjonalnej jak Rothko i Pollock, czy świadomie eksplorują emocjonalne terytoria jak nasi współcześni artyści, wszyscy dzielą zaangażowanie w uczynienie emocji samym tematem swojej pracy.

Najpotężniejsi malarze emocji często ucieleśniają tę dwoistość: rozumieją emocje intymnie, czy to przez osobiste doświadczenie, czy świadomą eksplorację, a jednak przekraczają czysto osobiste, tworząc dzieła, które przemawiają do uniwersalnych ludzkich uczuć. Dostarczają ram dla emocjonalnej podróży, ale ostateczne doświadczenie staje się współpracą między artystą a widzem.

Dlatego abstrakcyjne malarstwo emocjonalne pozostaje tak potężne i aktualne. W naszym coraz bardziej skomplikowanym świecie, gdzie słowa często nie potrafią oddać pełnego spektrum ludzkich uczuć, ci artyści oferują coś cennego: bezpośrednie, niewerbalne połączenie z naszymi najgłębszymi emocjami.

Niezależnie od tego, czy są to transcendentne pola kolorów Rothko, zrodzone z osobistej emocjonalnej wiedzy, czy systematyczne emocjonalne wykresy Kyong Lee opracowane poprzez świadomą eksplorację, te dzieła przypominają nam, że największa siła sztuki nie tkwi w tym, co nam pokazuje, lecz w tym, co sprawia, że czujemy. Udowadniają, że najgłębsze ludzkie doświadczenia - miłość, strata, zachwyt, transcendencja - można malować nie za pomocą obrazów, lecz czystym językiem koloru, formy i samego uczucia.

Ostatecznie ci malarze emocji osiągnęli coś niezwykłego: uczynili niewidzialne widzialnym, niewyrażalne namacalnym. Pokazali nam, że emocja to nie tylko coś, co wnosimy do sztuki, ale może być samym tematem sztuki, jej najgłębszym celem i najtrwalszym darem dla ludzkości.

Autorstwa Francisa Berthomiera

Obraz wyróżniony: "Sinneswelt - ELT57" (2025), Kyong Lee

Emocjonalne dzieła sztuki na Ideelart