Dan Colen, Zły Chłopak Post-Popu Nowego Jorku, Zobaczy się w Galerii Damiena Hirsta
Minęła mniej więcej dekada od czasu, gdy magazyn New York opublikował artykuł, który powszechnie uznaje się za moment, w którym Dan Colen stał się gwiazdą rynku sztuki. Artykuł zatytułowany Chasing Dash Snow ukuł określenie „Dzieci Warhola” dla grupy młodych artystów, wówczas dwudziestokilkulatków, którzy wywierali znaczący wpływ na nowojorską scenę zarówno swoją sztuką, jak i osobowościami. Głównym bohaterem tekstu, jak wskazuje tytuł, był artysta Dash Snow. Jako wnuk Dominique i Johna de Menil, francuskich arystokratów, którzy założyli kolekcję Menil w Houston, Dash Snow miał dziedziczyć dosłownie królewską fortunę. Jego estetyczna reputacja w dużej mierze opierała się na wyborze własnego nasienia jako medium artystycznego. Snow zmarł tragicznie zaledwie dwa lata po publikacji artykułu, mając 27 lat. W tekście wyraźnie pojawili się także dwaj jego najbliżsi przyjaciele: fotograf Ryan McGinley oraz współlokator, malarz Dan Colen. Artykuł opisywał nie tylko sztukę tych artystów i ich widoczne talenty, ale także moment, gdy nowojorski rynek sztuki łaknął świeżej krwi; gdy artyści ledwie po studiach otrzymywali indywidualne wystawy w ważnych muzeach, a ich prace, sprzedane rok lub dwa wcześniej w małej galerii, osiągały ceny sześciocyfrowe, a nawet siedmiocyfrowe na czołowych aukcjach. Dan Colen został przedstawiony w artykule jako typowy przykład bezczelnej, nihilistycznej, wręcz sarkastycznej postaci, jakiej można by się spodziewać po absolwencie Rhode Island School of Design, który od razu zdobywa światową sławę i uważa, że na nią zasługuje. Jego prace były niewątpliwie interesujące, ale rzekoma osobowość — pozornie rozpieszczonego, ironicznego egoisty, który mówi „żart jest na was, ale tak naprawdę to nie żart, a może jednak” — sprawiła, że wielu krytyków odrzuciło go jako kolejnego przedstawiciela samouwielbiającego się pokolenia miernot. Ta ocena była przedwczesna i być może równie symptomatyczna dla sił rynkowych — nie w świecie sztuki, lecz w świecie krytyki. Dziś Colen reprezentują najważniejsze galerie o globalnym znaczeniu: Gagosian, Massimo De Carlo i Lévy Gorvy. W październiku zaplanowano w Londynie dużą retrospektywę jego twórczości z połowy kariery. Pomimo, a może na przekór krytykom, Colen wytrwał w tym, co wielu uważało za szaleństwo, a ci, którzy go lekceważyli, mogą wreszcie nabrać rozsądku.
Boskie Przesłania
Twórczość Dana Colena stale zajmuje pewien środek między łatwymi do opisania kategoriami, które preferują ci, którzy zarabiają na tym, co tworzą inni. Z tego powodu trudno o nim mówić. Jego prace często są dosłowne, ale z drugiej strony czasem wymykają się wyjaśnieniom. Czasem są karykaturalnie figuratywne, a innym razem czysto abstrakcyjne. Czasem oczywiście narracyjne, jak w hołdzie dla przyjaciela Dasha Snowa z 2006 roku, gdzie pieczołowicie odtworzył każdy przedmiot, który wtedy wisiał na prawdziwej ścianie, gdzie mieszkał Snow. Innym razem dotyczą formalnych zagadnień, takich jak kolor, farba i przestrzeń, jak w ostatnich obrazach z cyklu Czyściec. To jednak nie znaczy, że jego prace nie da się opisać. Oznacza to jedynie, że są wielowymiarowe i najlepiej rozpatrywać je jako pojedyncze dzieła.
Jednym z pierwszych cykli, które przyniosły mu uwagę, była seria obrazów olejnych dokumentujących pozornie banalne, codzienne wnętrza. Jednak w tych z pozoru nieciekawych scenach Colen wstawiał element fantastyczny, mistyczny lub boski. Doskonałym przykładem jest obraz Me, Jesus and the Children z 2003 roku, uderzające autoportret Colena w otwartej w połowie klatki piersiowej koszuli w kratę. Cztery kreskówkowe cherubinki unoszą się w powietrzu, jedna z nich pyta w dymku: „Co powiedziałeś?” A zawieszony na jego pokrytej bliznami, posiniaczonej, nieco chudej piersi medalik z Jezusem odpowiada w innym dymku: „Wiesz, co powiedziałem.” Jak w wielu jego pracach, ten obraz można odczytać jako sugestię, że Colen jest po prostu schizofrenikiem kulturowym, powtarzającym modlitwy i fragmenty przyswojonych efemeryd z wielu źródeł. Ale może to być coś więcej. Jest zabawny i żartobliwy, ale poważny w wykonaniu, co zdaje się wymagać od nas głębszego spojrzenia. Z drugiej strony inne obrazy, jak Holy Shit z tego samego roku, zdają się zmuszać nas do przyznania, że ten tak zwany artysta nas oszukuje i szydzi z każdego, kto zagłębia się w jego twórczość.
Dan Colen - Me, Jesus and the Children, 2003, olej na plastiku, 186 x 153 cm (po lewej) oraz Holy Shit, 2003, emalia i pasta modelująca na drewnianej płycie, 48 × 35 cali (po prawej), zdjęcia Christopher Burke, dzięki uprzejmości Brant Foundation, Greenwich
Niejasność Materiału
W 2006 roku Colen odszedł od łatwych do odczytania i krytyki obrazów i zagłębił się w badanie materialności. Zaczął eksplorować nietypowe materiały, takie jak przeżute gumy do żucia, kwiaty i śmieci. Prace wykonane z tych codziennych materiałów często porównuje się do dzieł artystów Arte Povera sprzed dekad — twórców, którzy sięgali po zwykłe materiały jako wyraz sprzeciwu wobec burżuazyjnego wpływu na rynek sztuki. Jednak Colen nie wydaje się mieć nic negatywnego do powiedzenia o burżuazji. Wręcz przeciwnie, zdaje się ją zaakceptować i czerpać z niej korzyści, a co zadziwiające, nie uległ jej przemianie.
Prace wykonane z codziennych materiałów można po prostu odczytać jako badania estetycznych właściwości gumy, kwiatów, trawy i śmieci. Nie są komentarzem do niczego. Są po prostu estetycznym efektem materiałów i procesów manipulowanych przez wprawnego artystę. W wielu przypadkach, zwłaszcza gdy prace przybierają formę rzeźbiarską, wydają się niemal figuratywne, jak miejski regionalizm, jakby zostały wyrwane z wizualnego otoczenia niemal każdego współczesnego miasta. O tych pracach Colen mówił, że lubi utratę kontroli, którą odczuwa, poddając się wymaganiom materiałów. Porównał to doświadczenie do uczucia, jakby pośredniczył w materializacji „nieuniknionych form — niemal jak form przeznaczonych.”
Dan Colen - The Women's Movement / Crazy Mamma, 2011, śmieci i farba na płótnie, 111 3/8 × 85 13/16 × 17 11/16 cali (po lewej) oraz This Painting Will Fit Over Your Sofa, 2006, guma do żucia na płótnie, 24 × 18 cali (po prawej), © Dan Colen, dzięki uprzejmości galerii Gagosian, fotografia Giorgio Benni
Następny Rozdział
Różni dealerzy, którzy obecnie reprezentują Dana Colena, prowadzą kampanię mającą na celu ponowne umiejscowienie go jako artysty godnego poważnego, szerokiego, akademickiego rozpatrzenia — takiego, który ma szansę na długowieczność. W tym kontekście zaplanowano pierwszą dużą indywidualną wystawę Colena w Londynie. Wydaje się szczególnie trafne, że wystawa odbędzie się w Newport Street Gallery. Otwartą w październiku 2015 roku galerię posiada brytyjski artysta Damien Hirst. Stworzył ją jako miejsce do prezentacji swojej prywatnej kolekcji sztuki, znanej jako kolekcja Murderme, która liczy ponad 3000 obiektów.
Kolekcja Murderme to poważny i szeroki zbiór dzieł wielu najważniejszych i najbardziej wpływowych artystów minionego stulecia. Jednak wielu krytyków szybko wykluczyłoby samego Damiena Hirsta z grona poważnych lub ważnych, choć niewielu mogłoby wiarygodnie twierdzić, że nie był wpływowy. W wielu aspektach Hirst przez całą karierę doświadczał podobnych zarzutów jak Colen: że jest szyderczy, cyniczny, sarkastyczny lub w jakiś sposób nie do traktowania poważnie. Dlatego to fascynujące zestawienie — wystawiać Dana Colena w jego galerii. A ponieważ wystawa obiecuje nie tylko wcześniejsze prace Colena z kolekcji Hirsta, ale także nowe dzieła i świeże instalacje in situ, jest to także rzadka i wyjątkowa okazja, by przyjrzeć się temu, co może nadejść dla tego fascynującego artysty w połowie kariery.
Dan Colen - Let's have a war, 2016, kwiaty na wybielanym belgijskim płótnie, 93 × 74 cale (po lewej) oraz Dominatrix Tonight, 2015, kwiaty na wybielanym belgijskim płótnie, 88 × 66 × 1 1/2 cala, zdjęcia © Dan Colen, fotografia Christopher Burke, dzięki uprzejmości galerii Gagosian
Dan Colen w Newport Street Gallery w Londynie, Anglia, otwiera się 4 października 2017 i potrwa do 21 stycznia 2018.
Zdjęcie główne: Dan Colen - Secrets and Cymbals, Smoke and Scissors - My Friend Dash's Wall in the Future (szczegół), 2004-06, styropian, farba olejna, papier, metal, 106 × 113 × 6 cali, zdjęcie Christopher Burke, dzięki uprzejmości Brant Foundation, Greenwich
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
