Jak Die Brücke (Most) świętowało moc koloru
Ekspresjonizm niemiecki narodził się w mieście Drezno w 1905 roku. Wtedy to czterech studentów architektury połączyło siły, aby założyć Die Brücke, ruch artystyczny mający na celu rozpoczęcie niemieckiej rewolucji estetycznej. Die Brücke po niemiecku oznacza „Most”. Fraza ta oddaje postrzeganie, jakie grupa miała o sobie jako o postaciach przejściowych, łączących przestarzałe niemieckie tradycje artystyczne przeszłości z modernistycznymi ideami, które poprowadzą kulturę w przyszłość. Mówiąc ogólnie, estetyka Die Brücke skłaniała się ku emocjonalnie ekspresyjnym kompozycjom zdominowanym przez czyste, płaskie, nieprzechodzące gradienty pola koloru oraz uproszczone formy wykonane prymitywnymi znakami. Artyści Die Brücke dążyli do komunikowania uczuć, a nie do kopiowania rzeczywistości. Ich estetyka była w dużej mierze inspirowana drukiem drzeworytniczym. Ale istniała także inna, wcześniejsza inspiracja dla grupy – coś ironicznie nie niemieckiego i nie z ich wieku: obrazy Vincenta van Gogha, holenderskiego malarza postimpresjonistycznego, który zmarł w 1890 roku. Czwórka założycieli Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl i Karl Schmidt-Rottluff – odwiedziła retrospektywę van Gogha, która otworzyła się w Dreźnie w 1905 roku. W tym czasie nie byli jeszcze malarzami, ale byli zafascynowani tym, co ten wizjonerski artysta potrafił przekazać za pomocą farby. Kolory, szybkie pociągnięcia pędzla i uproszczone formy miały na nich elektryzujący wpływ. Jego przykład wskazał im drogę do odkrywania ukrytych pasji życia. Tak wpływowy był van Gogh dla Die Brücke, że jeden z późniejszych członków grupy – Emil Nolde – próbował ich przekonać, aby zmienili swoją nazwę na „Van Goghiana”. Na szczęście nie posłuchali tej sugestii. Przyjęcie takiej zmiany oznaczałoby śmierć ruchu, który przede wszystkim opierał się na oryginalności. Oczywiście, van Gogh ich inspirował, ale to, czego Die Brücke naprawdę pragnęło, to nie kopiowanie kogoś innego, lecz podążanie za własnymi instynktami. Te intencje są podsumowane w trzecim zdaniu ich manifestu składającego się z trzech zdań, opublikowanego na drzeworycie w 1906 roku, które brzmiało: „Kto bezpośrednio i autentycznie oddaje to, co go popycha do tworzenia, jest jednym z nas.”
Zorganizowany chaos
Dla większości Niemców na przełomie wieku artyści z Die Brücke wydawali się dzikimi ludźmi. Kiedy Franz Marc po raz pierwszy zobaczył wystawę ich kolorowych, prymitywistycznych obrazów, nazwał ich „Fauvistami Niemiec”, nawiązując do les Fauves, czyli „dzikich bestii”, grupy artystów działających w tym samym czasie we Francji, prowadzonej przez André Deraina i Henri Matisse'a, którzy również używali świetlistych, nierealistycznych odcieni. Porównanie do les Fauves było trafne. W rzeczywistości Die Brücke zasługiwało na jeszcze dzikszą reputację. Nie tylko używali szokujących kolorów w swoich obrazach, byli dzicy w każdym znaczeniu tego słowa. Żyli nielegalnie w swoich pracowniach, które nie były przeznaczone do zamieszkania, ukrywając swoje łóżka na strychu w ciągu dnia, aby nie zostać przyłapanym. Malowali także nagie modele w naturze. Ponieważ żaden szanowany, profesjonalny model nie podjąłby się takiego zadania, płacili osobom, które nie były modelami, aby poszły z nimi do lasu, daleko od miejsc, gdzie mogliby być widziani. Razem z ich amatorskimi nagimi modelami oraz grupą innych przyjaciół i kochanków imprezowali, malowali i pływali, stając się jednością ze swoją najbardziej artystyczną, najbardziej wyzwoloną i najbardziej prymitywną naturą.
Obraz artystów Die Brücke jako niekontrolowanych nie jest jednak dokładny. Byli bohemami, ale byli także jednym z najbardziej zorganizowanych i przemyślanych kolektywów artystycznych w historii. W ciągu ośmiu lat swojego istnienia zorganizowali ponad 70 wystaw zbiorowych, zarówno w Niemczech, jak i za granicą. Grupa była również innowacyjna pod względem marketingowym. Sprzedawali subskrypcje, dzięki czemu widzowie, którzy chcieli posiadać ich prace, ale nie mogli sobie pozwolić na zakup obrazu, mogli otrzymywać plakaty, druki i inne efemerydy, takie jak drukowane manifesty. Grupa była niezwykle rygorystyczna w swoich wymaganiach członkowskich: żaden członek nie mógł pokazywać swoich prac, z wyjątkiem wystaw zbiorowych. Ogromny talent organizacyjny, który był potrzebny do zorganizowania tak wielu wystaw, jednocześnie zarządzając członkostwami i subskrypcjami, jest niezaprzeczalnie imponujący. Pomimo swojej reputacji dzikich mężczyzn, Die Brücke ustanowiło rewolucyjną i niezwykle skuteczną strukturę organizacyjną – taką, którą wciąż naśladują wiele kolektywów artystycznych i galerii prowadzonych przez artystów dzisiaj.
Ernst Ludwig Kirchner - Manifest Brücke, 1906. Horst Jähner: Grupa artystyczna Brücke. Historia wspólnoty i dzieło życia jej przedstawicieli. E.A.Seemann, Lipsk 2005.
Degeneraci
Die Brücke zaczęła się rozpadać około 1912 roku, kiedy Max Pechstein, późny członek, otwarcie naruszył umowę członkowską, pokazując swoje prace na wystawach solowych. Gwóźdź do trumny przyszedł w 1913 roku, kiedy Kirchner napisał swoją Kronikę Die Brücke, co zraziło innych członków, twierdząc, że jest ich liderem (podczas gdy w rzeczywistości grupa była luźno zorganizowanym, niemal anarchicznym zbiorem jednostek). Jednak w wyniku zwrotu historii, członkowie Die Brücke nie pozostali na zawsze odizolowani. Kiedy naziści doszli do władzy, prace artystów Die Brücke uznano za degeneracyjne. Członkowie zostali poruszeni tymi wydarzeniami, aby przynajmniej teoretycznie na nowo zadeklarować swoje oddanie sobie nawzajem oraz ideałowi, za który stali: wolność i niezależność dla artystów.
Po ich włączeniu do Degenerowanej Wystawy Sztuki w 1937 roku, wiele prac Heckela, a także tych późno dołączającego Otto Muellera, zostało zniszczonych. Ale ich całe dziedzictwo nie zostało utracone. Kilka lat przed swoją śmiercią Heckel przekazał pozostałe prace, aby pomóc w założeniu Muzeum Brücke, które otworzyło swoje podwoje w Berlinie w 1967 roku. Karl Schmidt-Rottluff również dokonał znacznej darowizny swoich prac, a muzeum od tego czasu nabyło wiele innych dzieł od innych członków grupy. Dziś jego kolekcja obejmuje tysiące obrazów, rzeźb i prac na papierze. Kolorowe dziedzictwo grupy trwa w tej kolekcji, ale na tym się nie kończy. Echo tego dziedzictwa rozbrzmiewa w tkance niezliczonych innych ruchów ekspresjonistycznych XX wieku oraz w współczesnym świecie sztuki, jako przykład ekspresyjnej mocy koloru i rewolucyjnego potencjału autentyczności.
Obraz wyróżniony: Karl Schmidt-Rottluff - Faryzeusze, 1912. Olej na płótnie. 29 7/8 x 40 1/2" (75,9 x 102,9 cm). Fundusz Gertrud A. Mellon. Kolekcja MoMa. © 2019 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / VG Bild-Kunst, Bonn.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
