Jak Die Brücke (Most) świętowało moc koloru

Niemiecki ekspresjonizm narodził się w mieście Drezno w 1905 roku. Wtedy to czterech studentów architektury zebrało się, aby założyć Die Brücke, ruch artystyczny mający na celu rozpoczęcie niemieckiej rewolucji estetycznej. Die Brücke oznacza po niemiecku „Most”. Wyrażenie to oddaje postrzeganie grupy jako postaci przejściowych, łączących przestarzałe niemieckie tradycje artystyczne z przeszłości z ideałami modernizmu, które miały poprowadzić kulturę ku przyszłości. Ogólnie rzecz biorąc, estetyka Die Brücke skłaniała się ku emocjonalnie wyrazistym kompozycjom, zdominowanym przez czyste, płaskie, nieprzejściowe pola koloru oraz uproszczone formy wykonane prymitywnymi znakami. Artyści Die Brücke starali się przekazywać uczucia, a nie kopiować rzeczywistość. Ich estetyka była w dużej mierze inspirowana drzeworytem. Jednak istniała także inna, wcześniejsza inspiracja dla grupy – coś, co ironicznie nie było niemieckie ani z ich wieku: obrazy Vincenta van Gogha, holenderskiego malarza postimpresjonistycznego, który zmarł w 1890 roku. Czterej założyciele Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl i Karl Schmidt-Rottluff – odwiedzili retrospektywę van Gogha, która otworzyła się w Dreźnie w 1905 roku. Wówczas nie byli jeszcze malarzami, ale zachwycili się tym, co ten wizjonerski artysta potrafił przekazać za pomocą farby. Kolory, szybkie pociągnięcia pędzla i uproszczone formy wywarły na nich elektryzujące wrażenie. Jego przykład wskazał im drogę do sięgnięcia do podstawowych pasji życia. Van Gogh był tak wpływowy dla Die Brücke, że jeden z późniejszych członków grupy – Emil Nolde – próbował nawet przekonać ich do zmiany nazwy na „Van Goghiana”. Na szczęście nie poszli za tą sugestią. Przyjęcie takiej zmiany oznaczałoby śmierć ruchu, który przede wszystkim opierał się na oryginalności. Owszem, Van Gogh ich inspirował, ale to, czego naprawdę szukało Die Brücke, to nie kopiowanie kogoś innego, lecz podążanie za własnymi, indywidualnymi instynktami. Te intencje podsumowuje trzecie zdanie ich trzyzdaniowego manifestu, opublikowanego na drzeworycie w 1906 roku, które brzmiało: „Kto bezpośrednio i autentycznie oddaje to, co go skłania do tworzenia, jest jednym z nas.”

Zorganizowany chaos

Dla większości Niemców przełomu wieków artyści Die Brücke wydawali się dzikimi ludźmi. Gdy Franz Marc po raz pierwszy zobaczył wystawę ich kolorowych, prymitywistycznych obrazów, nazwał ich „fowistami Niemiec”, nawiązując do les Fauves, czyli „dzikich bestii”, grupy artystów działających w tym samym czasie we Francji pod przewodnictwem André Deraina i Henriego Matisse’a, którzy również stosowali jaskrawe, nierealistyczne barwy. Porównanie do les Fauves było trafne. W rzeczywistości Die Brücke zasługiwało na jeszcze dzikszy wizerunek. Nie tylko używali w swoich obrazach szokujących kolorów, byli dzicy w każdym tego słowa znaczeniu. Mieszkali nielegalnie w swoich pracowniach, które nie były przeznaczone na cele mieszkalne, chowając w ciągu dnia łóżka na poddaszu, by nie zostać przyłapanymi. Malowali także nagie modelki na łonie natury. Ponieważ żaden szanujący się, profesjonalny model nie podjąłby się takiego zadania, płacili osobom niebędącym modelkami, by poszły z nimi do lasu, z dala od ciekawskich oczu. Razem ze swoimi amatorskimi modelkami nagości oraz grupą innych przyjaciół i kochanków bawili się, malowali i pływali, stając się jednością ze swoją najbardziej artystyczną, najbardziej wyzwoloną i najbardziej prymitywną naturą.

Obraz artystów Die Brücke jako niepohamowanych dzikusów jest jednak nieścisły. Byli bohemą, ale także jednym z najbardziej zorganizowanych i przemyślanych kolektywów artystycznych w historii. W ciągu ośmiu lat swojego istnienia zorganizowali ponad 70 wystaw grupowych, zarówno w Niemczech, jak i za granicą. Grupa była również innowacyjna pod względem marketingowym. Sprzedawali subskrypcje, dzięki czemu widzowie, którzy chcieli posiadać ich prace, ale nie mogli sobie pozwolić na zakup obrazu, mogli otrzymywać plakaty, odbitki i inne drobiazgi, takie jak drukowane manifesty. Grupa była bardzo rygorystyczna w kwestii wymagań członkowskich: żaden członek nie mógł pokazywać swoich prac poza wystawami grupowymi. Ogromny talent organizacyjny potrzebny do zorganizowania tylu wystaw, a jednocześnie zarządzania członkostwem i subskrypcjami, jest niezaprzeczalnie imponujący. Pomimo reputacji dzikusów, Die Brücke ustanowiło rewolucyjną i niezwykle skuteczną strukturę organizacyjną – taką, którą do dziś naśladują liczne kolektywy artystyczne i galerie prowadzone przez artystów.

Ernst Ludwig Kirchner - Manifest grupy artystów Brücke (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Horst Jähner: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Lipsk 2005.

Degeneraci

Die Brücke zaczęło się rozpadać około 1912 roku, gdy Max Pechstein, późniejszy członek, jawnie złamał umowę członkowską, pokazując swoje prace na wystawach indywidualnych. Ostateczny cios nastąpił w 1913 roku, gdy Kirchner napisał Kronikę Die Brücke, która wyobcowała pozostałych członków, twierdząc, że jest ich przywódcą (podczas gdy grupa była luźno zorganizowanym, niemal anarchicznym zbiorem jednostek). Jednak z biegiem historii członkowie Die Brücke nie pozostali na zawsze wyobcowani. Gdy naziści doszli do władzy, prace artystów Die Brücke uznano za zdegenerowane. Członkowie zostali poruszeni tymi wydarzeniami i przynajmniej teoretycznie potwierdzili swoje oddanie sobie nawzajem oraz ideałowi, za który walczyli: wolności i niezależności artystów.

Po ich uwzględnieniu na wystawie Sztuki Zdegenerowanej w 1937 roku wiele dzieł Heckla, a także późniejszego członka Otto Muellera, zostało zniszczonych. Jednak ich całe dziedzictwo nie przepadło. Kilka lat przed śmiercią Heckel przekazał pozostałe swoje prace na rzecz utworzenia Muzeum Brücke, które otwarto w Berlinie w 1967 roku. Karl Schmidt-Rottluff również przekazał znaczną część swoich dzieł, a muzeum od tego czasu pozyskało wiele innych prac od pozostałych członków grupy. Dziś jego kolekcja obejmuje tysiące obrazów, rzeźb i prac na papierze. Kolorowe dziedzictwo grupy żyje w tej kolekcji, ale nie kończy się na tym. Rozbrzmiewa w tkance niezliczonych innych ekspresjonistycznych ruchów XX wieku oraz współczesnego świata sztuki jako przykład wyrazistej siły koloru i rewolucyjnego potencjału autentyczności.

Zdjęcie wyróżniające: Karl Schmidt-Rottluff - Faryzeusze, 1912. Olej na płótnie. 75,9 x 102,9 cm. Fundusz Gertrud A. Mellon. Kolekcja MoMa. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / VG Bild-Kunst, Bonn.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio