Sztuka Richarda Pousette-Darta jest na poziomie.

Dla amerykańskiego artysty Richarda Pousette-Darta (1916 – 1992) koło było symbolem życia wiecznego. Uważał jego formę za wyraz nie tylko wieczności, lecz także innych uniwersalnych prawd, takich jak duchowa natura człowieka, przekonanie, że ludzie są nierozłączni z naturą, oraz pełna nadziei wiara, że możemy przekroczyć przemijające aspekty istnienia poprzez wyraz artystyczny. Pousette-Dart wyrażał swoje uwielbienie dla koła na wiele różnych sposobów w trakcie swojej kariery. Jako młody malarz w latach 30. XX wieku wypełniał swoje surowe, prymitywistyczne kompozycje kołami, które służyły jako figuratywne wyobrażenia oczu. W latach 40., jako najmłodszy członek pierwszego pokolenia abstrakcyjnych ekspresjonistów, wykorzystywał koło jako powtarzający się abstrakcyjny totem: zastępstwo ludzkiej głowy, chmury grzyba, planety, słońca, nadziei, mądrości i kwiatów. Przez kilka lat Pousette-Dart rzeźbił mosiężne koła w różnych rozmiarach i układach, ofiarowując je przyjaciołom i współpracownikom jako symbole duchowego połączenia. W latach 60. pełne i dojrzałe wyrażenie jego uwielbienia dla koła znalazło wyraz, gdy Pousette-Dart przyjął technikę pointylizmu, wypełniając swoje płótna tysiącami drobnych, okrągłych kropek koloru. W przeciwieństwie do pointylistów XIX wieku, którzy liczyli na to, że sąsiadujące plamki koloru zleją się w oku, by pomóc widzom doświadczyć żywych, dynamicznych wizji ich figuratywnych scen, Pousette-Dart używał okrągłych kropek do tworzenia całkowicie abstrakcyjnych kompozycji. Jego abstrakcyjne obrazy pointylistyczne mają na celu przyciągnąć oko i umysł widza do przestrzeni transcendentalnej, w której czekają mistyczne prawdy. W swoim aspiracyjnym świętowaniu metafizycznej mocy koła Pousette-Dart sprzymierzył się z malarzami takimi jak Hilma af Klint i Wassily Kandinsky: abstrakcjonistami, którzy dążyli do malowania nie świata fizycznego i rzeczy łatwo dostrzegalnych wzrokiem, lecz rzeczy ducha dostępnych jedynie głębiom podświadomości.

Uchodźca ze szkoły nowojorskiej

Chociaż nie był z nimi dokładnie zgrany pod wieloma względami, kilka zbiegów okoliczności historycznych stawia Pousette-Darta w towarzystwie jednej z najbardziej wpływowych grup amerykańskich artystów XX wieku: szkoły nowojorskiej. Ta luźno powiązana grupa artystów zdobyła sławę po II wojnie światowej. Obejmowała abstrakcyjnych ekspresjonistów oraz wielu innych artystów, którzy dzielili podobne metodyczne lub estetyczne uznanie dla znaczenia sztuki abstrakcyjnej. Kilka wyraźnych momentów kulturowych pomogło określić, kto należał do szkoły nowojorskiej. Jednym z nich były spotkania zwane Sesjami Artystów w Studio 35, podczas których obecni artyści dyskutowali o ideach, metodach i filozofiach kierujących ich pracą; innym był słynny list protestacyjny wysłany do Metropolitan Museum of Art, odrzucający wystawę American Painting Today – 1950, oraz późniejsze zdjęcie „Irascibles” opublikowane niedługo potem w magazynie Life; jeszcze innym była wystawa sztuki przy 9th Street w 1951 roku, na której zaprezentowano prace 64 artystów i która uznawana jest za ustanowienie istnienia globalnie istotnej, amerykańskiej, powojennej awangardy.

Richard Pousette-Dart - Pustynia, 1940. Olej na płótnie. 109 x 182,8 cm. Kolekcja MoMA. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Pousette-Dart brał udział we wszystkich tych trzech wydarzeniach. Jednocześnie był outsiderem, nawet wśród innych outsiderów. W przeciwieństwie do większości swoich rówieśników był wegetarianinem unikającym alkoholu. Rzadko bywał w barach i nie zmagał się otwarcie z lękiem czy depresją. Wręcz przeciwnie, Pousette-Dart był optymistą, wierząc, że strach i niepokój jego pokolenia mogą zostać zastąpione nadzieją i transcendencją, a sztuka może odegrać w tej przemianie główną rolę. Być może dlatego, że nie pasował społecznie, a może po prostu dlatego, że pragnął spokojniejszego, bardziej kontemplacyjnego środowiska pracy, opuścił Nowy Jork w 1951 roku, właśnie gdy szkoła nowojorska zdobywała sławę. Z żoną i dziećmi przeniósł się na północ stanu i osiedlił w pracowni opartej na filozofii, która pozwoliła mu rozwinąć charakterystyczny, osobisty styl oparty na kolorze, harmonii i prostocie, niewiele mający wspólnego z jego współczesnymi w mieście.

Richard Pousette-Dart - Bez tytułu, 1944. Olej na płótnie. 99,1 × 132,1 cm. Galeria Michaela Rosenfelda. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Wskazująca renesans

Za życia Pousette-Dart otrzymał wiele wyróżnień, w tym retrospektywy w Whitney Museum of Art i Indianapolis Museum of Art. Po jego śmierci w 1992 roku jego prace były prezentowane na retrospektywach w Whitney, Metropolitan Museum of Art, Guggenheim (Nowy Jork i Wenecja) oraz Philips Collection w Waszyngtonie, między innymi. Mimo takiego zainteresowania jego dorobek pozostaje nieco niedoceniony, zwłaszcza przez publiczność międzynarodową. Jednym z często podawanych wyjaśnień tego zaniedbania jest teoria, że ludzie nie interesują się optymistycznym abstrakcyjnym ekspresjonistą – wolą raczej przygnębioną, alkoholową odmianę. Inna teoria sugeruje, że osobliwy styl, który rozwinął po opuszczeniu Nowego Jorku, utrudniał kategoryzację jego prac, a tym samym ich sprzedaż przez handlarzy.

Richard Pousette-Dart - Bez tytułu, 1977. Grafit na papierze. 57,8 × 76,2 cm. Galeria Michaela Rosenfelda. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Istnieje jednak przynajmniej jedna alternatywna perspektywa do rozważenia: że Pousette-Dart nie został zaniedbany; być może po prostu był nieco przed swoim czasem. Weźmy pod uwagę Hilmę af Klint, najwyższą abstrakcyjną duchową artystkę epoki nowoczesnej. Dopiero teraz, gdy jej retrospektywa zdobi ściany Guggenheima w Nowym Jorku, masowa publiczność zaczyna poznawać jej dzieła. Była o ponad sto lat przed swoim czasem. Pousette-Dart jest w jej linii – intuicyjnym, samoukiem duchowym, który wierzył w mistyczne i uniwersalne możliwości sztuki abstrakcyjnej. Z dwoma niedawnymi wystawami przedstawiającymi jego prace brytyjskiej publiczności – jedna niedawno zakończona w Cambridge, a druga dostępna do 20 lutego 2019 w Pace London – wydaje się, że nadszedł czas, by ponownie przyjrzeć się Pousette-Dartowi w kontekście współczesnych trendów. Może jego prace nie pasowały do cynizmu jego własnego pokolenia. Ale w naszych czasach, gdy stawiamy czoła własnym konkretnym problemom i lękom, jego wizja bardziej nadziei i jedności (choć niewidocznej) jest tym, czego potrzebujemy.

Zdjęcie główne: Richard Pousette-Dart - W pokoju, 1942. Olej na płótnie i drewnie. 91,4 × 152,4 cm. Whitney Museum of American Art, Nowy Jork; dar artysty z okazji 50. rocznicy 2014.99. © 2019 Richard Pousette-Dart.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio