Jak abstrakcja służyła sztuce awangardowej

Większość polityków dzisiaj ignoruje sztukę awangardową. Postrzegają ją jako nieszkodliwą bastion dla intelektualistów handlujących esoterycznymi filozofiami estetycznymi. Ale tak nie zawsze było. W niedalekiej przeszłości, gracze u władzy obawiali się sztuki awangardowej jako siły, która mogłaby wywierać wpływ kulturowy, a nawet zmieniać charakter narodowy. A ruchy sztuki awangardowej związane z abstrakcją były często postrzegane jako szczególnie zagrażające, z powodu niejednoznaczności ich celu i nieprzewidywalności ich wpływu. Dziś spoglądamy wstecz na niektóre sposoby, w jakie abstrakcja wpłynęła na ruchy sztuki awangardowej w przeszłości oraz na wpływ tych ruchów na naszą kulturę.

Salon Odrzuconych

1863, Paryż

Awangarda oznacza awangardę. To francuski termin wojskowy dla żołnierzy, którzy prowadzą drogę na nowe terytoria przeciwko niepewnym wrogom. Jego użycie do opisu sztuki sięga co najmniej 1863 roku. To rok, w którym awangardowy ruch artystyczny zwany impresjonizmem przewrócił do góry nogami kulturową strukturę władzy we Francji. Od 1667 roku instytucja zwana Académie des Beaux-Arts definiowała szanowaną francuską sztukę. Organizowali coroczną wystawę nazwaną Salon de Paris, która nadawała wybranym artystom status związany z aprobatą przez elitę społeczną.

Impresjoniści byli eksperymentatorami. Wynaleźli nowe sposoby malowania; malowali na zewnątrz, malowali codzienne sceny i skupiali się bardziej na oddawaniu światła niż tematyce. Szukali nowego sposobu malowania, ale także nowego sposobu postrzegania świata. Ich prace zostały odrzucone przez Salon de Paris. Ale Napoleon postanowił, że to publiczność powinna określić, czy styl impresjonistyczny ma wartość, więc zorganizował Salon des Refusés w 1963 roku, wystawiając prace odrzucone przez formalny Salon. Wystawa była jeszcze bardziej popularna niż formalny Salon, co doprowadziło do wzrostu impresjonizmu i spadku władzy Académie des Beaux-Arts.

Salon Niezależnych

1884, Paryż

Mimo sukcesu Salon de Refusés, wciąż utrzymywała się idea, że wystawy sztuki powinny być oceniane przez jury; że pewni elitarny ludzie powinni mieć władzę do ustalania gustu. Jednak w 1884 roku grupa o nazwie Société des Artistes Indépendants, w skład której wchodzili Georges Seurat i Paul Signac, założyciele Pointillizmu, pomogła zniszczyć tę koncepcję, tworząc pierwszy Salon des Indépendants, wystawę otwartą dla każdego artysty. Ich motto brzmiało bez jury ani nagrody.

W trakcie swojego 30-letniego istnienia Salon des Indépendants pomógł ustanowić Neoimpresjonizm, Dzielnictwo, Symbolistów, Fowizm, Ekspresjonizm, Kubizm oraz Orfizm. Dał schronienie abstrakcji i połączył podobnie myślących artystów awangardowych. Ugruntował reputacje Cézanne'a, Gauguina, Toulouse-Lautreca, Van Gogha i Matisse'a. A co najważniejsze, ustanowił, że sztuka modernistyczna nie była pod kontrolą żadnej instytucji, a społeczeństwo mogło być dostępne, a tym samym wpływane przez awangardę.

Pablo Picasso - Panny z Awinionu, 1907. Olej na płótnie. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). Kolekcja MoMA. Nabyta dzięki zapisowi Lillie P. Bliss (w zamian). © 2019 Spadek po Pablo Picasso / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Włoski futuryzm

1909, Włochy

Na przełomie XX wieku miała miejsce ogólna ewolucja w myśleniu ludzi zindustrializowanych. Kultura przeszła od zaufania do starych, antycznych sposobów zarządzania społeczeństwem do przekonania, że stare i antyczne metody są bezużyteczne. Ruch artystyczny awangardowy, który najdobitniej wyraził tę ewolucję i utrwalił ją w umysłach mas, to włoski Futuryzm.

Manifest Futurystyczny, opublikowany w 1909 roku, wyrażał intencje nowego pokolenia artystów, aby zniszczyć instytucje i idee przeszłości, aby zrobić miejsce dla nowego. Głosił zachwyt nad maszynami i prędkością oraz opowiadał się za wojną jako sposobem na oczyszczenie społeczeństwa. Abstrakcyjny styl sztuki futurystycznej opierał się na ukazywaniu ruchu, aby uwielbiać technologię. Ich idee sprzyjały retoryce i polityce, które doprowadziły do I wojny światowej. Kilku z ich szeregów zginęło w wojnie.

Wyndham Lewis - malarstwo wortycystyczne. © Majątek G A Wyndham Lewis

Suprematyzm i Konstruktywizm

1913, Rosja

W następstwie I wojny światowej w Rosji pojawiły się dwa przeciwstawne ruchy awangardowe w odpowiedzi na ogromne wyzwania społeczne, przed którymi stanęła ta kraj. Kazimir Malevich stworzył abstrakcyjny styl artystyczny zwany Suprematyzmem, który dążył do wyrażania uniwersalności w najprostszy, najczystszy sposób. Malevich napisał w swoim manifeście, Świat nieobiektywny: „Sztuka już nie chce służyć państwu i religii, nie chce już ilustrować historii obyczajów, nie ma zamiaru mieć nic wspólnego z obiektem jako takim i wierzy, że może istnieć w i dla siebie..."

Jednocześnie Władimir Tatlin rozwijał konstruktywizm, filozofię artystyczną, według której sztuka powinna służyć światu materialnemu w obiektywny sposób. Chociaż konstruktywizm i suprematyzm były bezpośrednio przeciwstawne, oba miały ogromny wpływ. Suprematyzm ustanowił punkt widzenia kulturowego, że sztuka abstrakcyjna i ludzkość jako całość mają fundamentalny metafizyczny wymiar. Konstruktywizm ustanowił punkt widzenia kulturowego, że sztuka i życie są materialne i powinny być postrzegane z perspektywy utylitarnej. Oba punkty widzenia oczywiście wciąż kwitną dzisiaj.

Kazimir Malevich - Kompozycja suprematystyczna: Białe na białym, 1918. Olej na płótnie. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). Kolekcja MoMA. Nabycie w 1935 roku potwierdzone w 1999 roku na mocy umowy z majątkiem Kazimira Malevicha i zrealizowane dzięki funduszom z zapisów pani John Hay Whitney (w zamian)

Klatka piersiowa

1915, Nowy Jork

1916, Zurych

Podczas gdy rosyjscy artyści debatowali, czy sztuka powinna być obiektywna, czy nieobiektywna, różni artyści w Nowym Jorku i Zurychu rozwijali trzecią perspektywę. Uważali sztukę, a także życie, za absurdalne. Reagując na horrors I wojny światowej, dadaści przyjęli nihilistyczny punkt widzenia, że nic nie jest święte. Szydzili ze wszystkich instytucji, stylów, filozofii i trendów, jednocześnie przyswajając ich tendencje do swojej sztuki.

Dadaiści stworzyli celowo chaotyczne, niepojęte oświadczenie estetyczne. W pewnym sensie było to odpowiedzią na szaleństwo. W innym sensie, dadaizm stworzył jeszcze bardziej nihilistyczną kulturę, uznając i pielęgnując szaleństwo. Artyści związani z Dada byli stanowczy, że nie tworzą satyry. Nie mówili nic. Niszczyli ideę, że sztuka ma sens.

Jean Arp - Kompozycja abstrakcyjna, 1915. Kolaż.

Sztuka zdegenerowana

1937, Niemcy

W powojennej Niemczech artyści awangardowi przez krótki czas współpracowali z szerszą kulturą. W 1919 roku Republika Weimarska wprowadziła daleko idące reformy, zachęcając do otwartej, liberalnej, nowoczesnej Niemiec. Bauhaus powstał w zgodzie z ideami Weimaru. Przez 14 lat artyści związani z tą awangardową instytucją pielęgnowali perspektywę kulturową, że sztuka i społeczeństwo powinny być powiązane, łącząc sztukę, architekturę i design.

Ale w 1933 roku, po załamaniu gospodarczym, Republika Weimarska straciła kontrolę na rzecz partii nazistowskiej. Naziści sprzeciwiali się modernizmowi. Zakazali wszelkiej sztuki, która wykraczała poza ich wąski pogląd na historyczną wielkość Niemiec. Oznaczyli sztukę abstrakcyjną, sztukę nowoczesną i sztukę awangardową jako zdegenerowaną. Pierwsza wystawa sztuki zdegenerowanej w 1937 roku oznaczała początek formalnego, oficjalnego ataku na każdego związanego z tzw. zdegenerowanymi poglądami.

Całkowita odmowa

1948, Kanada

Podczas gdy naziści przejmowali kontrolę nad Niemcami, Zjednoczone Królestwo uwalniało kontrolę nad wieloma swoimi terytoriami. W 1931 roku Zjednoczone Królestwo uchwaliło ustawodawstwo pozwalające Kanadzie na określenie własnego losu prawnego i narodowego. Kanadyjczycy zaangażowali się w stopniowy proces określania swojego charakteru narodowego. Grupa artystów stanęła na czołowej pozycji w tej kulturalnej rozmowie. Pod przewodnictwem Paula-Émile'a Borduasa i Jean-Paula Riopelle'a, grupa opublikowała manifest w 1948 roku zatytułowany Le Refuse Global (Całkowity Odrzucenie).

Manifest domagał się, aby kanadyjscy artyści byli wolni od kontroli religijnej i akademickiej. Przyjął abstrakcję, eksperymentowanie i świeckość kulturową. Natychmiastowa reakcja na manifest była negatywna, ale przez kilka dziesięcioleci pomógł zainicjować Quiet Revolution, większy ruch, który zrealizował liberalne reformy w całej Kanadzie. Te reformy definiują dzisiaj kanadyjski charakter narodowy i w pewnym stopniu zawdzięczają swoje powstanie Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Kompozycja, 1954. Olej na płótnie. © Jean-Paul Riopelle

Grupa Gutai

1954, Japonia

Po II wojnie światowej, gdy Japonia się odbudowywała, awangardowa grupa artystyczna zwana Gutai Group podjęła misję przekształcenia japońskiej kultury. Artyści Gutai wierzyli, że przemoc przeszłości była wynikiem kultury asymilacji i izolacji. Uważali, że indywidualność, wolność twórcza, połączenie z naturą oraz połączenie z innymi kulturami są niezbędne do budowania pokoju.

Grupa została założona w 1954 roku i w 1956 roku napisała manifest, w którym określiła swoje podejście do tworzenia sztuki. Ich prace były celowo abstrakcyjne i eksperymentalne. Wywołały kulturalny renesans w Japonii. Poprzez korespondencję nawiązywali kontakt z innymi artystami na całym świecie. Gutai bezpośrednio wpłynęło na ruch Fluxus oraz wiele innych ruchów sztuki konceptualnej w Europie i Ameryce Północnej.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Olej na płótnie. 31 7/8 x 45 5/8 cali. (81 x 116 cm). © Shiraga Kazuo

Ruch Alternatywnych Przestrzeni Sztuki

Lata 70. XX wieku, Globalne

Począwszy od Nowego Jorku, ruch Alternatywnej Przestrzeni Sztuki wyłonił się jako globalny ruch awangardowy w latach 70. XX wieku. A może w inny sposób był to ruch anty, ponieważ zamiast definiować szczególne podejście do sztuki, po prostu zapewniał artyście środowisko i środki, dzięki którym mógł zaprezentować publiczności jakiekolwiek zjawisko estetyczne.

Artyści związani z Alternatywnymi Przestrzeniami Sztuki to m.in. Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno i Beastie Boys. Jako całkowicie otwarty, wszechogarniający awangardowy eksperyment, ruch ten był sam w sobie fantastyczną abstrakcją: ideą świata sztuki jako całkowicie otwartego doświadczenia odpornego na wszelkie osądy, oceny i krytykę.

Sol LeWitt - Rysunek na ścianie 1. © Sol LeWitt

Abstrakcja, Awangarda i My

W niezliczonych przypadkach awangardowe ruchy artystyczne wpływały na kultury, w których istniały. Nic dziwnego, że nieporozumienie dotyczące abstrakcji i strach przed awangardową sztuką spowodowały, że niektóre z najpotężniejszych reżimów i instytucji przeszłości były otwarcie wrogie sztuce jako zagrożeniu dla ich kontroli.

Patrząc wstecz na wiele awangardowych ruchów artystycznych z przeszłości (a było ich znacznie więcej niż te, które omówiliśmy), możemy dostrzec, że abstrakcja była integralną częścią ich filozofii. Każdy ruch awangardowy w istocie oparty jest na ideach. A tak wiele z tych idei wiązało się z eksperymentowaniem, otwartością, niejednoznacznością i wolnością artystyczną.

Obraz wyróżniony: Giacomo Balla - Linia prędkości (szczegół), 1913. Olej na płótnie
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio