Gutai Group - Gesturalny Ruch Abstrakcyjny z Azji

Napisany w 1956 roku manifest sztuki Gutai brzmi częściowo: „Postanowiliśmy entuzjastycznie dążyć do możliwości czystej kreatywności. Wierzymy, że łącząc ludzkie cechy i właściwości materiałów, możemy konkretnie zrozumieć abstrakcyjną przestrzeń.” Awangardowa grupa artystyczna znana jako Grupa Gutai powstała w Osace w Japonii w 1954 roku. W ciągu 18-letniego istnienia grupy jej artyści radykalnie przekształcili globalną scenę sztuki nowoczesnej swoimi pomysłami. Napisany przez Yoshiharę Jiro, założyciela grupy, ich kompletny, 1270-słowny manifest szczegółowo wyjaśnia ich szczere filozoficzne intencje. Opisuje sztukę przeszłości jako oszustwo i iluzję, i nalega, że prawdziwa sztuka musi zawierać ducha życia. „Pożegnajmy się,” stwierdza, „z oszustwami nagromadzonymi na ołtarzach i w pałacach, w salonach i w antykwariatach. Zamknijcie te trupy na cmentarzu.” Gutai wezwało do nowej sztuki: sztuki wypełnionej duchem, żywej sztuki, która z równą czcią odnosiła się do materiałów użytych w jej realizacji oraz do artysty, bez którego udziału nie mogłaby się zrealizować. Ich wysiłki zdefiniowały na nowo japońską tożsamość artystyczną w następstwie II wojny światowej i stały się żywym dowodem odnowionego japońskiego zainteresowania wolnością, indywidualnością i powiązaniami z resztą świata.

Człowiek kontra błoto

Materialność była głównym zmartwieniem pierwszych artystów Gutai. Używali materiałów w taki sposób, że ich podstawowe cechy fizyczne pozostawały widocznym i istotnym elementem dzieła. Inspirowali się obserwacją, że niszczejące ruiny architektoniczne często wydają się żywe, ponieważ czas pozwala surowym materiałom użytym do ich stworzenia na ponowne wyrażenie swojej fizycznej istoty. Ta wartość jest poetycko wyrażona w słowie gutai. Często tłumaczone jako beton, gutai można raczej przetłumaczyć jako kongrecję, w sensie procesu stawania się konkretnym. Kiedy, dzięki ułatwieniu artysty, materia przekształca się, wciąż ucieleśniając prawdziwą istotę swoich właściwości materialnych; to jest duch gutai.

Aby doskonale zademonstrować gutai, rozważ Challenge To The Mud, wykonane w 1955 roku przez Shiragę Kazuo. W tym dziele Shiraga rzucił się w błotnisty pas mokrej gliny i zaczął się z nią zmagać. Wpychając wszystkie części swojego ciała głęboko w glinę, tworzył kraterki, pagórki, rowy i półki. Wciskał glinę w formy i rzeźbił wzory swoimi falami. Na zakończenie występu obszar, w którym Shiraga zmagał się z błotem, pozostał jako dzieło sztuki, które można podziwiać za jego własne cechy. Występ ucieleśniał słowa Yoshihara Jiro, który powiedział: „W sztuce Gutai ludzki duch i materia podają sobie ręce, zachowując dystans.”

Shiraga Kazuo - BB64, 1962

Lekkość i waga

W 1956 roku Murakami Saburō rozwijał sztukę Shiragi Kazuo, tym razem wykorzystując materiał syntetyczny jako swój medium. W swoim występie zatytułowanym Laceration of Paper, Murakami oprawił wiele dużych arkuszy papieru, a następnie ułożył je w ciasną linię. Biorąc rozbieg, skoczył przez ramy papierowe, przerywając każdą z głośnym hukiem. Po przebiciu się przez wszystkie arkusze papieru i wydostaniu się po drugiej stronie, Murakami pozostawił relikt, który demonstrował potencjalnie traumatyczne skutki ludzkiej współpracy, jednocześnie żywo wyrażając podstawowe cechy fizyczne papieru.

W tym samym roku Tanaka Atsuko podniosła wykorzystanie materiałów syntetycznych na jeszcze wyższy poziom dzięki stworzeniu dzieła zatytułowanego Electric Dress. To dzieło sztuki składało się z noszonego kostiumu wykonanego z pomalowanych żarówek, które świeciły w wielokolorowym pokazie. Ludzki artysta w kostiumie dosłownie ożywiał materiał, nadając mu życie, a jednocześnie pozwalając mu wyrazić swoją prawdziwą istotę. Kostium był również podłączony do systemu, który okresowo szokował noszącego małym impulsem elektryczności. Szok miał na celu wyrażenie istoty nie materiału syntetycznego użytego do pracy, żarówek, ale naturalnego materiału użytego w dziele, elektryczności: nie tak subtelne wyrażenie niebezpieczeństwa, które wiąże się z ingerencją ludzi w moc świata naturalnego.

Murakami Saburo - Laceration of Paper, 1956

Czysta kreatywność

Oprócz szacunku dla materialności, kolejną najważniejszą wartością, jaką wyznawała Grupa Gutai, był ich szacunek dla wolności twórczej. Yoshihara Jiro zwięźle wyraził tę koncepcję w dziele, które stworzył w 1956 roku, zatytułowanym Proszę rysować swobodnie. Praca składała się z ogromnej pustej powierzchni ustawionej na zewnątrz, wraz z różnorodnymi przyborami do pisania i rysowania, a także zaproszeniem dla wszystkich ludzi do przyjścia i wyrażenia siebie w dowolny sposób. Dając wszystkim ludziom szansę na nieograniczone i nieskrępowane wyrażanie twórcze, Yoshihara przekształcił koncepcję wolności w medium, a proces twórczy w dzieło sztuki.

W dążeniu do wolności, grupa Gutai realizowała każdą ideę bez ograniczeń, w duchu szczerości. Malowali z użyciem zdalnie sterowanych samochodów i działek malarskich, eksperymentowali z abstrakcją gestualną oraz testowali wiele innych podejść związanych z łączeniem fizyczności z materialnością. A w wysiłkach, aby rozprzestrzenić swoje wsparcie na resztę świata, entuzjastycznie korespondowali pocztą z innymi artystami w kilku innych krajach, budując ogromną społeczność podobnie myślących dusz. Ich wysiłki nawiązały połączenia z artystami, którzy ostatecznie stworzyli ruch Fluxus, a oni osiągnęli przełomy w sztuce performatywnej, sztuce współpracy, sztuce instalacji, sztuce publicznej i wielu innych popularnych współczesnych formach ekspresji, które wtedy były dopiero w powijakach.

Yoshihara Jiro - Please Draw Freely, 1956, Outdoor Gutai Art Exhibition, Ashiya Park

Przyszłe możliwości

Pod koniec manifestu sztuki Gutai Yoshihara Jiro wspomina, że niektóre z ich wczesnych prac były porównywane do dzieł dadaistów. Jego zdaniem oznaczało to, że eksperymenty artystów gutai były błędnie interpretowane jako absurdalne lub antysztuka. Artyści Gutai podkreślali konieczność wyjścia poza przeszłość, ale uznawali istotne znaczenie sztuki w ogóle oraz ważność niektórych swoich poprzedników. Dada, z drugiej strony, opierało się głównie na założeniu aktywnego braku szacunku dla przeszłości oraz dla wszystkich instytucji, fizycznych lub innych, związanych ze sztuką. Dada było szalenie kreatywne, ale także cyniczne i często destrukcyjne. Artyści Gutai po prostu pytali, jakie nowe możliwości można wyobrazić sobie na przyszłość.

W odpowiedzi na porównanie do Dada, Yoshihara zauważył, że chociaż Dada zasługuje na szacunek, intencje gutai są zupełnie inne, ponieważ koncentrują się nie na cynizmie, ale na szczerości. W swoim manifeście pisze: „Gutai stawia najwyższy nacisk na odważne wkroczenie w nieznany świat. Owszem, nasze prace były często mylone z gestami dadaistycznymi. I z pewnością uznajemy osiągnięcia Dada. Ale w przeciwieństwie do dadaizmu, sztuka Gutai jest produktem, który powstał z dążenia do możliwości.” W 1972 roku Yoshihara Jiro zmarł. Ponieważ był w dużej mierze odpowiedzialny za finansowanie ich działalności, Grupa Gutai ostatecznie się rozwiązała. Ale zanim zakończyli swoją pracę, ich duch dotknął artystów na całym świecie i zainspirował ich oraz przyszłe pokolenia. Gutai żyje dzisiaj w szacunku, jaki artyści zyskali dla multidyscyplinarnych środowisk studialnych, w pracy eksperymentalnych kolektywów artystycznych oraz w każdej przestrzeni wystawienniczej, która poświęca czas i zasoby artystom dążącym do wcześniej nie wyobrażonych pomysłów.

Obraz wyróżniony: Jiro Yoshihara - Koło, 1971
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio