Norman Lewis, zaniedbany klejnot ekspresjonizmu abstrakcyjnego

Kiedy Pennsylvania Academy of Fine Arts zorganizowała w 2015 roku wystawę „Procesja: Sztuka Normana Lewisa”, dla większości widzów było to objawienie. Tematem wystawy był amerykański malarz Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), uważany za jedynego czarnoskórego artystę wśród pierwszego pokolenia abstrakcyjnych ekspresjonistów. Jego twórczość jest całkowicie odmienna od prac jego rówieśników, podążając za estetycznymi i intelektualnymi wątkami, które nadają jej poczucie świeżości i pomysłowości nawet dzisiaj. Jednak w przeciwieństwie do Jacksona Pollocka, Willema de Kooninga, Marka Rothko i innych malarzy, z którymi często wystawiał, Lewis nigdy nie osiągnął wielkiej sławy ani sukcesu finansowego za życia. Głównie utrzymywał siebie i rodzinę jako nauczyciel. Jednym z kluczowych powodów jego trudności na rynku było to, że mimo iż białe, powojenne amerykańskie środowisko artystyczne przyjęło sztukę abstrakcyjną, to jednak w większości lekceważyło prace czarnoskórych artystów, abstrakcyjne czy nie. Jednocześnie większość powojennych czarnoskórych amerykańskich handlarzy i kolekcjonerów również odrzucała sztukę abstrakcyjną, wierząc, że sprawiedliwość społeczna może być osiągnięta tylko przez sztukę bezpośrednio odnoszącą się do kwestii sprawiedliwości społecznej. W rzeczywistości, gdy zaczynał karierę w latach 30., sam Lewis podzielał to przekonanie. Malował figuratywne, społecznie realistyczne obrazy w ramach Works Progress Administration, gdzie poznał kolegę abstrakcyjnego ekspresjonistę Pollocka. Jednak podczas II wojny światowej Lewis nie mógł nie zauważyć hipokryzji amerykańskiej armii walczącej z wrogiem białej supremacji, jednocześnie wymuszającej rasową segregację własnych oddziałów. Po wojnie Lewis porzucił przekonanie, że realistyczna sztuka może odegrać znaczącą rolę w przekształcaniu kultury. Powiedział: „Kiedyś malowałem czarnoskórych pozbawionych praw; dyskryminację, i powoli zdałem sobie sprawę, że to nikogo nie poruszało, nie poprawiało sytuacji.” Poświęcił się zamiast tego dożywotnim poszukiwaniom bardziej uniwersalnych aspektów estetyki, wykorzystując siłę koloru, linii, faktury i formy, by zjednoczyć ludzi w wizualnej przestrzeni kontemplacji i transcendencji.

Zaangażowana linia i przestrzeń

Jednym z najbardziej charakterystycznych elementów stylu abstrakcyjnego malarstwa, który rozwinął Lewis, jest jego użycie linii. Jego pociągnięcia pędzla są delikatne i pełne energii, wręcz liryczne, a jednocześnie posiadają architektoniczną strukturę, która nadaje im poczucie siły i ciężaru. Wykorzystywał ten element w taki sposób, że jego linie tworzyły wzajemne relacje, sugerując obecność form, zamiast opisywać dosłowne obiekty w przestrzeni. W obrazach takich jak „Uliczni muzycy” (1948) skupisko linii zajmuje środkową część płótna, otoczone różowawą, atmosferyczną mgłą. Obraz jest całkowicie abstrakcyjny, a jednak ze względu na sposób podziału przestrzeni wydaje się, jakby przedstawiał coś rozpoznawalnego. Linie w centrum płótna sugerują wygląd rzeczywistych muzyków, być może rozbitych na kubistyczny wieloświat perspektyw i płaszczyzn. Ale to nie jest obraz muzyków. To raczej wyraz energii i emocji muzyki granej na ulicy; ekscytacji nut przeszywających przestrzeń oraz karnawału kolorów i dźwięków wypełniających powietrze.

Norman Lewis - Florencja, 1947. Olej na masonicie. 14 x 18 cali. Kolekcja prywatna. © Majątek Normana W. Lewisa, za zgodą Iandor Fine Arts, New Jersey.

Oprócz użycia linii, Lewis rozwinął także charakterystyczną i bardzo skuteczną metodę angażowania przestrzeni wizualnej. Jego obrazy nie były „wszechobecne” jak obrazy Jacksona Pollocka, pokrywające każdy centymetr płótna pociągnięciami pędzla w taki sposób, że żadna część płótna nie zasługiwała na większą uwagę niż inna. Zamiast tego Lewis dawał widzom punkt skupienia w przestrzeni obrazu, nawet jeśli temat ich uwagi był abstrakcyjny. W „Zielonej mgle” (1948) osiągnął to, łącząc techniki tak, że oko intuicyjnie kierowało się ku środkowi płótna. Na zewnętrznym brzegu płótna farba jest rozmazana i wygładzona ręką, tworząc wrażenie atmosferycznej zielonej chmury, podczas gdy w centrum obrazu ostre, kaligraficzne linie sugerują obecność czegoś konkretnego lub być może rozwijającego się w tajemnicy przestrzeni wizualnej.

Norman Lewis - Przejście, 1948. Olej na płótnie. 25 x 54 cali. Michael Rosenfeld Gallery. © Majątek Normana W. Lewisa, za zgodą Iandor Fine Arts, New Jersey.

Grupa Spiralna

Chociaż jego decyzja o eksploracji uniwersalnych aspektów estetyki zamiast realistycznych przedstawień walki czarnoskórych w Ameryce niewiele pomogła mu w zdobyciu uznania wśród handlarzy czy kolekcjonerów, to jednak przyciągnęła Lewisa do grona innych czarnoskórych amerykańskich artystów, którzy podzielali jego wiarę w znaczenie osiągnięć estetycznych. 5 lipca 1963 roku został zaproszony do pracowni Romare Beardena, aby dołączyć do Hale Woodruffa, Charlesa Alstona, Jamesa Yeargansa, Felratha Hinesa, Richarda Mayhewa i Williama Pritcharda, tworząc kolektyw znany jako Grupa Spiralna. Grupa ta poświęcona była promowaniu mistrzostwa estetycznego i uniwersalności kulturowych. Spotykali się regularnie, by dyskutować o tym, w jaki sposób realistyczne przedstawienia nierówności rasowej pomagały lub nie pomagały kulturze czarnoskórych, oraz by badać, jak doskonałość w dziedzinie „wspólnych problemów estetycznych” mogłaby bardziej podnieść status kulturowy i zwiększyć wpływ czarnoskórych artystów w Ameryce.

Norman Lewis - Jazz Band, 1948. Wcięty na czarnej powlekanej płycie masonitowej. 20 x 23 7/8 cala. Kolekcja prywatna. © Majątek Normana W. Lewisa, za zgodą Iandor Fine Arts, New Jersey

Nazwa Grupa Spiralna została zaproponowana przez Hale Woodruffa. Odnosiła się do greckiego matematyka Archimedesa, którego „śruba” spiralnie „wznosiła się w coraz szerszych kręgach, jako symbol postępu.” Chociaż niektórzy malarze z Grupy Spiralnej tworzyli prace figuratywne, ich całkowite przyjęcie potencjału abstrakcji było przełomowe, zwłaszcza dla czarnoskórej sztuki amerykańskiej. Położyło to podwaliny pod artystów takich jak rzeźbiarz Richard Hunt, którego indywidualna wystawa w 1971 roku w Museum of Modern Art w Nowym Jorku była dopiero trzecią indywidualną wystawą czarnoskórego artysty w historii MoMA, a pierwszą artysty abstrakcyjnego. Wskazało to również wyraźnie na niefortunną rzeczywistość, że w Ameryce nigdy nie istniał tylko jeden świat sztuki, lecz wiele światów sztuki rywalizujących o uznanie i wpływy, zamiast współpracować na rzecz wspólnych celów kulturowych. Norman Lewis i inni członkowie Grupy Spiralnej położyli podwaliny pod coś lepszego: podejście do sztuki, które jest nie tylko uniwersalne, ale i jednoczące.

Kliknij tutaj, aby przeczytać więcej o tym artyście, który stał się głosem abstrakcyjnego ekspresjonizmu.

Zdjęcie główne: Norman Lewis - Bez tytułu, 1949. Olej na płótnie. 20 x 30 cali. Kolekcja prywatna. © Majątek Normana W. Lewisa, za zgodą Iandor Fine Arts, New Jersey.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio