Wywiad z Joanne Freeman

Eleganckie białe płótna ozdobione tylko kilkoma starannie zaprojektowanymi pętlami w różnych kolorach, emanujące pewnym rytmem spokoju i harmonii. Zasada less-is-more jest widoczna w pracach Joanne Freeman. Dzięki zaledwie kilku skutecznym liniom udaje jej się zbudować wpływową wizję i przyciągnąć widza. IdeelArt miało wyjątkową okazję, aby zadać Joanne Freeman kilka pytań na temat jej pracy, procesu twórczego i życia jako artystki. Rozmawialiśmy o jej przemyśleniach na temat jej pracy, jak postrzega relację między twórcą a sztuką oraz między sztuką a widzem. Cieszcie się więc naszym krótkim, ale wnikliwym wywiadem z bardzo uroczą Joanne Freeman. 

Uczęszczałeś na studia w Madison, Wisconsin, wykładałeś w Massachusetts, szeroko wystawiałeś w Stanach Zjednoczonych i za granicą, a obecnie mieszkasz i pracujesz w Nowym Jorku. Czy możesz opowiedzieć o tym, w jaki sposób twoja praca jest kształtowana przez poczucie miejsca?

Moja praca jest silnie wpływana przez miejsce. Jak wspomniano, mieszkam i pracuję w Nowym Jorku, a ten wizualny i kulturowy klimat ma duży wpływ na moją pracę. Zawsze jestem zaskoczony, gdy wychodzę i wracam, tym, co zauważam. Czas spędzony z dala zawsze daje mi odnowioną perspektywę i świeżość spojrzenia. Podróże robią to samo, gdy jestem w innym środowisku, jestem otwarty na rzeczy, które inni mogą uznać za banalne przez znajomość. Mogę przytoczyć wiele wpływów na moją pracę, czasami bezpośrednio podczas jej tworzenia, a czasami długo po fakcie, gdy ją oglądam.

Jak twoja praca jest wpływana przez twoją własną fizyczność?

Mój proces w studiu jest fizycznie wyczerpujący, szczególnie gdy zwiększa się skala obrazów. Twarde krawędzie w obrazach powstają dzięki ruchowi mojej ręki od jednego brzegu płótna do drugiego. Rozmiar zarówno zewnętrznych podpór, jak i wewnętrznych linii jest względny zarówno do procesu, jak i proporcji mojego ciała.

Czasami pracujesz na okrągłych powierzchniach. Biorąc pod uwagę fizyczny charakter gestów, jakie wykonujesz, jak rozwija się twoje połączenie z powierzchnią w obliczu okrągłej przestrzeni?

Gesty stają się bardziej stonowane i kontrolowane, gdy są połączone z okrągłą przestrzenią. Są bardziej zamierzone, obracając się i naśladując okrągły kształt płótna. Gdzie w większych prostokątnych obrazach wykonuję wielkie zamachy, które wychodzą poza krawędzie i sugerują nieskończoność, okrągłe prace koncentrują się na sobie, podkreślając kształt i krawędź powierzchni, co przyczynia się do obiektywizacji obrazu.

"Niektóre z prac, które tworzysz, polegają na ograniczeniu dostępu do powierzchni poprzez zaklejanie niektórych obszarów. Jak zmienia się twój stan emocjonalny/intelektualny, gdy stajesz w obliczu takiej pracy, w porównaniu do sytuacji, gdy masz pełną swobodę dostępu do całej powierzchni?"

Myślę, że odnosisz się do moich prac na papierze, gdzie taśmą odgradzam obszary i tworzę kształty koloru, w przeciwieństwie do moich obrazów, które wydają się bardziej otwarte. Proces jest w rzeczywistości dość podobny w obu mediach i jest naprawdę dość intuicyjny. Umieszczam na powierzchni linię lub kształt i rozwijam to. W obrazach kompozycja jest bardziej ustalona, a moje opcje dotyczą bardziej wyboru kolorów. Monochromatyczny kolor, którego używam w rysunkach, pozwala mi bardziej bawić się kompozycją. Tak czy inaczej, uprościłem język, ustaliłem granice i ograniczyłem swoje wybory, co paradoksalnie pozwala na większą wolność.

Wspomniałeś o wpływie pracy artystów reduktywnych. Czy mógłbyś wymienić kilku artystów, których prace podziwiasz, i opowiedzieć o pytaniach, które pomogli ci znaleźć lub odpowiedzieć na nie.

Patrzę na wiele prac artystów, niektórzy, którzy przychodzą mi na myśl to: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi i Ellsworth Kelly. Podziwiam prace artystów, których dzieła wydają się minimalne i monumentalne, ale jednocześnie celebrują rękodzieło i kapryśność. To trochę Catch-22, proces malarstwa redukcyjnego, ponieważ musisz przejść przez wiele pracy i przesady, aby osiągnąć prostą, szczerą wypowiedź. Kwestionuję swoje reakcje na prace moich poprzedników i staram się znaleźć pewność, aby powiedzieć więcej za pomocą mniej.

Co doświadczasz intelektualnie podczas fizycznego aktu redukcyjnego tworzenia obrazów?

Staram się działać refleksyjnie w studiu, kontrolując krytyczne oceny i próbując podejmować decyzje instynktownie, na podstawie informacji, które mam przed sobą. Kanonizacja artystów i potężne wpływy historii sztuki mogą prowadzić do sytuacji, którą opisano mi jako syndrom Mona Lisy, gdzie mitologia dzieła przyćmiewa szczerą reakcję na nie. Zinternalizowałem redukcyjny język wizualny, który działa dla mnie na podstawie jego artystycznych precedensów; rosyjski konstruktywizm, szkoła Bauhausu, neoplastykę, a mniej oczywiście, wczesną sztukę chrześcijańską Giotta i Fra Angelico w klasztorze San Marco. Te nauki, wraz z wpływami bardziej współczesnych artystów, zawsze towarzyszą mi w studiu. Mam nadzieję, że ten wspólnie wyuczony język prowadzi do unikalnej interpretacji.

Czego masz nadzieję, że widz doświadczy, spotykając się z twoją pracą?

Dziwnie, ponieważ jestem tak zaangażowany w proces tworzenia mojej pracy, czasami mam trudności z dostrzeganiem jej w danym momencie. Miałem doświadczenie zobaczenia mojej pracy kilka lat później w czyimś domu lub w kontekście innej instytucji. W tym momencie zawsze miło jest pomyśleć: "o wow, to działa". Mam nadzieję, że to samo będzie miało miejsce dla widza.

Joanne Freeman

Obraz wyróżniający: Zdjęcie z serii ''Covers'' Joanne Freeman w Art on Paper, stoisko Kathryn Markel, Pier 36, Nowy Jork, NY. 4-6 marca - Dzięki uprzejmości artystki.