Wywiad z Joanne Freeman

Eleganckie białe płótna ozdobione zaledwie kilkoma starannie zaprojektowanymi pętlami w różnych kolorach, emanujące pewnym rytmem spokoju i harmonii. Zasada mniej znaczy więcej jest widoczna w pracach Joanne Freeman. Za pomocą zaledwie kilku skutecznych linii potrafi stworzyć wyrazistą wizję i przyciągnąć uwagę widza. IdeelArt miało wyjątkową okazję zadać Joanne Freeman kilka pytań o jej twórczość, proces twórczy i życie artystki. Rozmawialiśmy o jej przemyśleniach na temat pracy, o tym, jak postrzega relacje między twórcą a dziełem sztuki oraz między dziełem a widzem. Zapraszamy do krótkiego, lecz wnikliwego wywiadu z bardzo sympatyczną Joanne Freeman.

Studiowałaś w Madison w stanie Wisconsin, wykładałaś w Massachusetts, wystawiałaś się szeroko w USA i za granicą, a obecnie mieszkasz i pracujesz w Nowym Jorku. Czy możesz opowiedzieć, w jaki sposób twoja twórczość jest kształtowana przez poczucie miejsca?

Moja twórczość jest silnie uwarunkowana przez miejsce. Jak wspomniałam, mieszkam i pracuję w Nowym Jorku, a tamtejszy klimat wizualny i kulturowy ma duży wpływ na moje prace. Zawsze jestem zaskoczona, gdy wyjeżdżam i wracam, co zauważam. Czas z dala od miasta daje mi odświeżoną perspektywę i świeżość spojrzenia. Podróże działają podobnie – będąc w innym otoczeniu, jestem otwarta na rzeczy, które inni mogą uważać za zwyczajne z powodu przyzwyczajenia. Potrafię wymienić wiele wpływów na moją twórczość, czasem bezpośrednio podczas tworzenia, a czasem dopiero później, gdy ją oglądam.

Jak twoja własna fizyczność wpływa na twoją twórczość?

Mój proces w pracowni jest fizycznie wymagający, zwłaszcza gdy rośnie rozmiar obrazów. Ostro zakończone linie na obrazach powstają dzięki ruchowi mojego ramienia od jednego brzegu płótna do drugiego. Rozmiar zarówno zewnętrznych podpór, jak i wewnętrznych linii jest powiązany zarówno z procesem, jak i proporcjami mojego ciała.

Czasem pracujesz na okrągłych powierzchniach. Biorąc pod uwagę fizyczny charakter twoich gestów, jak zmienia się twoje połączenie z powierzchnią, gdy masz do czynienia z przestrzenią kołową?

Gesty stają się bardziej ograniczone i kontrolowane, gdy łączą się z przestrzenią kołową. Są bardziej celowe, obracające się i naśladujące okrągły kształt płótna. Podczas gdy na większych prostokątnych obrazach wykonuję szerokie ruchy, które wychodzą poza krawędzie i sugerują nieskończoność, okrągłe prace skupiają się na sobie, podkreślając kształt i krawędź powierzchni, co przyczynia się do upodmiotowienia obrazu.

Niektóre z twoich prac polegają na ograniczaniu dostępu do powierzchni przez zaklejanie taśmą wybranych miejsc. Jak zmienia się twój stan emocjonalny i intelektualny, gdy stajesz przed taką pracą, w porównaniu z sytuacją, gdy masz pełną swobodę dostępu do całej powierzchni?

Chyba masz na myśli moje prace na papierze, gdzie zaklejam taśmą fragmenty i tworzę kształty kolorów, w przeciwieństwie do moich obrazów, które wydają się bardziej otwarte. Proces jest w rzeczywistości dość podobny w obu mediach i jest dość intuicyjny. Umieszczam na powierzchni linię lub kształt i rozwijam to dalej. W obrazach kompozycja jest bardziej ustalona, a moje opcje dotyczą bardziej wyboru kolorów. Monochromatyczne kolory, których używam w rysunkach, pozwalają mi bardziej bawić się kompozycją. W każdym przypadku ograniczyłam język, wyznaczyłam granice i zawęziłam wybory, co paradoksalnie daje więcej swobody.

Wspomniałaś, że wpływ na ciebie mają prace artystów reduktywnych. Czy mogłabyś wymienić kilku artystów, których podziwiasz, i opowiedzieć o pytaniach, które pomogli ci znaleźć lub na które pomogli odpowiedzieć?

Oglądam wiele prac artystów, na myśl przychodzą mi: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi i Ellsworth Kelly. Podziwiam prace artystów, których dzieła wydają się minimalne i monumentalne, a jednocześnie celebrują rękodzieło i kapryśność. To trochę paradoks, proces malarstwa reduktywnego, ponieważ trzeba przejść przez wiele pracy i przesytu, by osiągnąć prostą, szczerą wypowiedź. Kwestionuję swoje reakcje na prace poprzedników i staram się znaleźć pewność, by powiedzieć więcej za pomocą mniej.

Co intelektualnie przeżywasz podczas fizycznego aktu tworzenia obrazu reduktywnego?

Staram się działać refleksyjnie w pracowni, kontrolując krytyczne oceny i próbując podejmować decyzje instynktownie, na podstawie informacji przed sobą. Kanonizacja artystów i silne wpływy historii sztuki mogą prowadzić do sytuacji opisanej mi jako syndrom Mona Lisy, gdzie mitologia dzieła przesłania szczerą reakcję na nie. Wchłonęłam reduktywny język wizualny, który działa dla mnie na podstawie jego historycznych precedensów: rosyjski konstruktywizm, szkoła Bauhausu, neoplastycyzm, a mniej oczywiste – wczesnochrześcijańska sztuka Giotta i Fra Angelico w klasztorze San Marco. Te nauki wraz z wpływami bardziej współczesnych artystów zawsze towarzyszą mi w pracowni. Mam nadzieję, że ten wyuczony wspólny język prowadzi do unikalnej interpretacji.

Czego oczekujesz, że widz doświadczy, spotykając się z twoją twórczością?

Dziwnie, ponieważ jestem tak zaangażowana w proces tworzenia, czasem trudno mi naprawdę zobaczyć moją pracę w danym momencie. Miałam doświadczenie zobaczenia mojej pracy kilka lat później w czyimś domu lub w kontekście innej instytucji. Wtedy zawsze miło pomyśleć: „o, wow, to działa”. Mam nadzieję, że widzowie doświadczą tego samego.

Joanne Freeman

Zdjęcie wyróżniające: fotografia serii „Covers” Joanne Freeman na targach Art on Paper, stoisko Kathryn Markel, Pier 36, Nowy Jork, NY. 4-6 marca – dzięki uprzejmości artystki