Tworzenie Współczesnej Tradycji - Jeffrey Gibson

Ostatnio miałem rzadkie doświadczenie, oglądając prace Jeffreya Gibsona. Coś w tych pracach otworzyło przede mną drzwi. Ujawniło mi szerszą i ciekawszą relację z przestrzenią fizyczną. Widzisz, uczęszczam na wiele wystaw sztuki. I zazwyczaj mam ten sam ogólny typ relacji z każdą wystawą, na którą się wybieram. Możesz prawdopodobnie zgadnąć, jaki to rodzaj relacji, na podstawie tego, jak o tym teraz mówię. Jest ona definiowana przez fakt, że czuję się oddzielony od sztuki i przestrzeni, w której się znajduje. Widzę siebie, sztukę, wystawę i przestrzeń jako cztery oddzielne rzeczy, bez wewnętrznego połączenia. Wchodzę w przestrzeń, w której sztuka jest wystawiana, patrzę na sztukę, myślę o tym, co widzę, a potem, z upływem czasu, praca może lub nie może rezonować ze mną na różne sposoby. Oczywiście były pewne przypadki, w których praca sprawiła, że nie postrzegałem jej w ten sposób, jak na przykład Skyspace Jamesa Turrella, w którym przestrzeń jest sztuką. Ale w większości przypadków prawie zawsze postrzegam wystawy sztuki jako okazje do pójścia gdzieś i spojrzenia na coś. Co się jednak wydarzyło w przypadku prac Jamesa Gibsona, to to, że wyciągnęły ze mnie inny rodzaj relacji. Nie chciały zaakceptować ograniczenia bycia tylko rzeczami w przestrzeni, które są oglądane i o których się myśli. Dzięki swojej obecności dały mi znać, że nie widzę całego obrazu. Uświadomiły mi, że sztuka nie tylko zajmuje przestrzeń: przestrzeń i sztuka zamieszkują się nawzajem. A kiedy osoba wchodzi w tę relację, zachodzi zdarzenie, w którym wszystkie trzy – sztuka, przestrzeń i osoba – stają się równymi współpracownikami. Nie mówię o niczym duchowym ani metafizycznym. Mówię, że w ten sam sposób, w jaki osoba zakładająca mundur wojskowy "staje się" żołnierzem, lub osoba zakładająca szatę "staje się" ministrem, kiedy przestrzeń organizuje wystawę sztuki, "staje się" czymś nowym, czymś więcej. A kiedy wchodzimy w relację z tym nowym bytem – tą kombinacją sztuki i przestrzeni – zamieszkujemy ją w ten sam sposób, w jaki kapłan zamieszkuje szatę lub żołnierz zamieszkuje mundur. Tchnimy w nią życie. Nadajemy jej moc i przywileje. Jest czymś więcej, niż byłaby bez naszej obecności. I to od nas zależy, aby pokazać, co to oznacza.

Powwow i imprezy rave

Jeffrey Gibson urodził się w Kolorado w 1972 roku. Jego dziedzictwo rodzinne to rdzenny Amerykanin, częściowo Cherokee i częściowo Choctaw. Z powodu pracy jego ojca, Gibson podróżował jako młody człowiek, mieszkając w różnych momentach w Korei Południowej, Niemczech, Anglii i w różnych miejscach w Stanach Zjednoczonych. Mieszanka wpływów kulturowych była czasami dla niego oświecająca, a innym razem frustrująca. Doskonałym przykładem jest jego miłość do muzyki i tańca. Jako młody mężczyzna został wprowadzony w rdzenną amerykańską tradycję powwow, społecznego zgromadzenia, w którym gra się muzykę, a żywe kostiumy ożywają dzięki tancerzom. A jako nastolatek w Azji i Europie, mógł wnieść tego samego ducha do swojego życia, chodząc z przyjaciółmi do klubów, aby słuchać muzyki i tańczyć. Ale kiedy wrócił do Stanów Zjednoczonych w wieku 16 lat, został wrzucony w kulturę, w której był za młody, aby wejść do barów i klubów. To była subtelna, ale wszechobecna kulturowa osobliwość. Przyciągała go muzyka i taniec, ale miał niewiele sposobów, aby wyrazić to uczucie w społecznie akceptowalny sposób.

Jednym z miejsc, które znalazł, była scena undergroundowych rave'ów, która w wielu aspektach miała ten sam duch co powwow: była społeczna, oparta na muzyce, a scena zachęcała jednostki do manifestowania swojej osobowości poprzez ozdoby i kostiumy oraz do zwracania na siebie uwagi poprzez taniec. Po ukończeniu szkoły średniej uzyskał tytuł BFA w Art Institute of Chicago w 1995 roku. Następnie, po przyjęciu do programu Master of Fine Art w Royal College of Art w Londynie, dowiedział się od swojego szefa, że Mississippi Band of Choctaw Indians jest gotowa pokryć jego czesne. Gibson powiedział w wywiadzie z ARTnews w 2007 roku: „Mój szef uważał, że moje tam pójście, jako silnego artysty, czyni go silniejszym.” Prace, które Gibson tworzy od uzyskania tytułu MFA w 1998 roku i powrotu do Stanów Zjednoczonych, są inspirowane tym ogromnym i różnorodnym zakresem doświadczeń kulturowych, które wypełniały jego dorastanie, szczególnie poczuciem wielu jego społeczności oraz przyciąganiem do dziedzictwa powwow i rave'ów: przestrzeni, które ożywają, gdy są zamieszkiwane przez ludzi i sztukę.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Photo Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Walka z generalizacjami

Prace Gibsona łączą wiele mediów i form, ale przekazują jednoczącą estetyczną język. Ten język zdominowany jest przez żywe, czyste kolory, ostre geometryczne kształty i optyczne wzory. Obrazy natychmiast przywodzą na myśl zarówno modernistyczną abstrakcję, jak i estetykę rdzennych Amerykanów. To, co jest tak skuteczne w tym połączeniu, to fakt, że natychmiast otwiera to, co obie te estetyczne pozycje mogą potencjalnie zaoferować. Modernistyczna sztuka abstrakcyjna wykorzystuje kształty i wzory w sposób samoreferencyjny, nazywając trójkąty trójkątami i niczym więcej, oraz zachęcając widzów do cieszenia się relacjami kolorów na ich własnych zasługach, bez poszukiwania jakiegokolwiek zakodowanego, ukrytego sensu. Ale tradycja rdzennych Amerykanów jest z natury zakodowana. Trójkąt nigdy nie jest tylko trójkątem. Symbolizuje coś: być może coś osobistego, być może coś kulturowego, być może coś poetyckiego. Ale niezależnie od tego, ma to znaczenie dla kogoś. Z powodu podwójnych tradycji, z których te dzieła się wywodzą, jesteśmy wolni, aby interpretować je otwarcie, dodając nasze własne tradycje, kody i oczekiwania do mieszanki.

Jednym z najbardziej ikonicznych dzieł, jakie Gibson stworzył do tej pory, jest seria worków treningowych ozdobionych kolorowym koralikowym haftem. Po raz pierwszy spotkał się z workami treningowymi, gdy jego terapeuta zasugerował, aby zatrudnił osobistego trenera, który pomógłby mu w radzeniu sobie z gniewem, który odczuwał jako młody artysta próbujący znaleźć swój głos i drogę w świecie sztuki współczesnej. Forma worka sama w sobie jest symboliczna. Sugeruje opór, izolację i transfer energii. Worki treningowe poruszają się i kołyszą. Ulegają naciskowi, ale zawsze wracają do swojej pierwotnej pozycji. Są jednocześnie miękkie i twarde. Gibson tworzy na nich obrazy, używając mediów takich jak koraliki i spływające tekstylia, które odnoszą się do uprzedzeń, jakie współczesni ludzie mają wobec sztuki rdzennych Amerykanów. Czasami wprowadza również tekst do kompozycji, zapraszając do głębszej kontemplacji obrazu i formy. Worki treningowe są pokryte wizualnym językiem historii sztuki, a także zakodowanym językiem narracji kulturowej i materialnym językiem generalizacji. Mówią o walce, którą wszyscy przeżywamy, próbując zrozumieć, kim się staniemy.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Left) and Village, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Right), photo credits De Buck Gallery

Formy zamieszkujące

To, co najbardziej na mnie wpływa, gdy myślę o pracy Jeffrey'a Gibsona, to jego kostiumy. Tworzy on płynne, kolorowe, bogate kostiumy i umieszcza je na drewnianych konstrukcjach. Natychmiast wyobrażam sobie, że zakładam jeden z nich. Myślę o tym, jak kostium by mnie przekształcił, gdybym go nosił. Potem myślę o tym, jak ja bym go przekształcił. Razem stalibyśmy się czymś bardziej ekspresyjnym, niż obaj jesteśmy osobno. Kształty, kolory i wzory na kostiumie nabrałyby nowego znaczenia w połączeniu z ruchami mojego ciała. Obiekt sztuki i ja połączylibyśmy się, aby stać się żywą formą komunikacji.

Coś w sposobie, w jaki te kostiumy ilustrują łączenie sztuki, przestrzeni i ludzkiego ciała, dało mi nowe spojrzenie - nie tylko na te dzieła sztuki, ale na wszystkie dzieła sztuki. Przestrzeń wystawowa jest nośnikiem obrazów i obiektów, tak jak te kostiumy. Wchodzę do niej, tak jak zakładam kostium na swoje ciało. Gdy zamieszkuję wystawę i poruszam się w jej obrębie, obrazy i obiekty na jej powierzchniach ożywają dzięki mojemu ruchowi. Może to brzmi banalnie, ale już nie czuję, że jestem tylko facetem, który chodzi na wystawy sztuki, aby oglądać sztukę. Teraz zdaję sobie sprawę, że każda przestrzeń, która pokazuje sztukę, jest jak jeden z tych kostiumów, które tworzy Jeffrey Gibson. Czeka na nas, czeka na nasz oddech i ciała, abyśmy mogli ją wypełnić, ożywić, nadać jej życie i obdarzyć się nawzajem większym znaczeniem, niż moglibyśmy mieć sami.

Jeffrey Gibson - Inny Język, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Lewo) oraz Powinienem Wiedzieć Lepiej, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Prawo), zdjęcia: Roberts & Tilton, Culver City

Obraz wyróżniający: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, ołówek, akwarela, farba akrylowa, taśma, nić, archiwalne wydruki pigmentowe, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 in, 148.9 × 244.8 × 7 cm

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Przez Filip Park