Tworzenie Współczesnej Tradycji - Jeffrey Gibson

Ostatnio doświadczyłem czegoś rzadkiego, oglądając prace Jeffrey Gibson. Coś w tych dziełach otworzyło przede mną drzwi. Ujawniło mi szerszą i ciekawszą relację z przestrzenią fizyczną. Widzisz, często chodzę na wystawy sztuki. I zazwyczaj mam ten sam ogólny rodzaj relacji z każdą wystawą, na której się pojawiam. Pewnie możesz się domyślić, jaki to rodzaj relacji, patrząc na to, jak o tym teraz mówię. Charakteryzuje się tym, że czuję się oddzielony od sztuki i przestrzeni, którą ona zajmuje. Widzę siebie, sztukę, wystawę i przestrzeń jako cztery odrębne rzeczy, bez żadnego wrodzonego związku. Wchodzę do przestrzeni, gdzie prezentowana jest sztuka, oglądam ją, myślę o tym, co widzę, a potem, z upływem czasu, dzieło może, ale nie musi, na mnie oddziaływać na różne sposoby. Oczywiście zdarzały się sytuacje, gdy dzieło sprawiało, że nie postrzegałem go w ten sposób, jak na przykład Skyspace Jamesa Turrella, gdzie przestrzeń jest sztuką. Ale na ogół prawie zawsze traktuję wystawy sztuki jako okazję, by gdzieś pójść i coś obejrzeć. Jednak to, co wydarzyło się przy pracy Jamesa Gibsona, to to, że wywołała we mnie inny rodzaj relacji. Nie chciała zaakceptować ograniczenia bycia tylko przedmiotami w przestrzeni, na które się patrzy i o których się myśli. Mocą swojej obecności dała mi znać, że nie widzę całego obrazu. Uświadomiła mi, że sztuka nie tylko zajmuje przestrzeń: przestrzeń i sztuka nawzajem się przenikają. A gdy człowiek wchodzi w tę relację, dochodzi do zdarzenia, w którym wszystkie trzy — sztuka, przestrzeń i osoba — stają się równorzędnymi współtwórcami. Nie mówię tu o niczym duchowym czy metafizycznym. Mówię, że tak jak osoba, która zakłada mundur wojskowy, „staje się” żołnierzem, albo osoba, która przywdziewa szatę liturgiczną, „staje się” duchownym, tak gdy przestrzeń organizuje wystawę sztuki, „staje się” czymś nowym, czymś więcej. A gdy wchodzimy w relację z tym nowym bytem — tym połączeniem sztuki i przestrzeni — zamieszkujemy go tak, jak kapłan zamieszkuje szatę liturgiczną lub żołnierz mundur. Tchnimy w to życie. Dajemy temu moc i przywileje. Jest to więcej, niż byłoby bez naszej obecności. I od nas zależy, co to znaczy.

Powwow i Rave

Jeffrey Gibson urodził się w Kolorado w 1972 roku. Jego rodzinne dziedzictwo to rdzenni Amerykanie, częściowo Czerokowie i częściowo Choctawowie. Ze względu na zawód ojca Gibson podróżował jako młody człowiek, mieszkając w różnych okresach w Korei Południowej, Niemczech, Anglii i różnych miejscach w Stanach Zjednoczonych. Mieszanka wpływów kulturowych bywała dla niego czasem oświecająca, a innym razem frustrująca. Jednym z najlepszych przykładów jest jego miłość do muzyki i tańca. Jako młody człowiek został wprowadzony w tradycję rdzennych Amerykanów powwow, czyli spotkań towarzyskich, podczas których gra się muzykę, a żywe stroje ożywają dzięki tancerzom. Jako nastolatek w Azji i Europie mógł tę samą energię przenieść do swojego życia, chodząc z przyjaciółmi do klubów, by słuchać muzyki i tańczyć. Jednak gdy wrócił do Stanów Zjednoczonych w wieku 16 lat, trafił do kultury, w której był za młody, by wchodzić do barów i klubów. Była to subtelna, ale wszechobecna dziwność kulturowa. Przyciągała go muzyka i taniec, ale miał niewiele sposobów, by wyrazić to uczucie w społecznie akceptowalny sposób.

Jednym z ujść, które znalazł, była podziemna scena rave, która w wielu aspektach miała ten sam duch co powwow: była społeczna, opierała się na muzyce, a scena zachęcała jednostki do wyrażania swojej osobowości przez ozdoby i stroje oraz do zwracania na siebie uwagi poprzez taniec. Po ukończeniu szkoły średniej zdobył tytuł licencjata sztuk pięknych na Art Institute of Chicago w 1995 roku. Następnie, po przyjęciu na studia magisterskie Royal College of Art w Londynie, dowiedział się od swojego wodza, że Mississippi Band of Choctaw Indians jest gotowa pokryć jego czesne. Gibson powiedział w wywiadzie dla ARTnews w 2007 roku: „Mój wódz uważał, że moje tam pójście, bycie silnym artystą, czyni go silniejszym.” Prace Gibsona, które tworzy od uzyskania tytułu magistra sztuk pięknych w 1998 roku i powrotu do Stanów Zjednoczonych, są kształtowane przez ten ogromny i różnorodny zakres doświadczeń kulturowych, które wypełniły jego wychowanie, zwłaszcza przez poczucie przynależności do wielu wspólnot oraz przyciąganie do dziedzictwa powwow i rave: przestrzeni, które ożywają, gdy zamieszkują je ludzie i sztuka.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, technika mieszana, zdjęcie: Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Walka z uogólnieniami

Prace Gibsona obejmują wiele mediów i form, ale przekazują jednorodny język estetyczny. Język ten dominuje żywymi, czystymi kolorami, ostrymi geometrycznymi kształtami i wzorami optycznymi. Obrazy natychmiast przywodzą na myśl zarówno modernistyczną abstrakcję, jak i estetykę rdzennych Amerykanów. To, co jest tak skuteczne w tym połączeniu, to fakt, że natychmiast otwiera ono to, co obie te estetyki mogą potencjalnie zaoferować. Modernistyczna sztuka abstrakcyjna wykorzystuje kształty i wzory w sposób samoodniesiony, nazywając trójkąty trójkątami i niczym więcej, prosząc widzów, by cieszyli się relacjami kolorów bez poszukiwania jakiegoś zakodowanego, ukrytego znaczenia. Jednak tradycja rdzennych Amerykanów jest z natury zakodowana. Trójkąt nigdy nie jest tylko trójkątem. Symbolizuje coś: może coś osobistego, może coś kulturowego, może coś poetyckiego. Ale bez względu na to, ma znaczenie dla kogoś. Dzięki podwójnym tradycjom, z których wywodzą się te dzieła, możemy je swobodnie interpretować, dodając do nich własne tradycje, kody i oczekiwania.

Jednym z najbardziej ikonicznych cykli prac Gibsona jest seria worków treningowych ozdobionych kolorowymi koralikami. Po raz pierwszy zetknął się z workami, gdy jego terapeuta zasugerował, by zatrudnił trenera personalnego, który pomógłby mu radzić sobie ze złością, jaką odczuwał jako młody artysta próbujący odnaleźć swój głos i drogę w świecie sztuki współczesnej. Forma worka jest sama w sobie symboliczna. Sugeruje opór, izolację i przekazywanie energii. Worki treningowe poruszają się i kołyszą. Ulegają naciskowi, ale zawsze wracają do pierwotnej pozycji. Są miękkie i twarde jednocześnie. Gibson tworzy na nich obrazy za pomocą takich mediów jak koraliki i zwisające tkaniny, które odnoszą się do powszechnego współczesnego rozumienia sztuki rdzennych Amerykanów. Czasem umieszcza też teksty w kompozycjach, zapraszając do głębszej refleksji nad obrazem i formą. Worki treningowe są pokryte wizualnym językiem historii sztuki, a także zakodowanym językiem narracji kulturowej i materialnym językiem uogólnień. Mówią o walce, którą wszyscy przeżywamy, próbując zrozumieć, kim mamy się stać.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, akryl i grafit na płótnie, 31 × 27 cali, 78,7 × 68,6 cm (lewy) oraz Village, 2017, akryl i grafit na płótnie, 31 × 27 cali, 78,7 × 68,6 cm (prawy), zdjęcia: De Buck Gallery

Zamieszkiwanie form

To, co najbardziej bezpośrednio na mnie wpływa, gdy rozważam prace Jeffreya Gibsona, to jego kostiumy. Tworzy płynne, kolorowe, misternie zdobione stroje i umieszcza je na drewnianych konstrukcjach. Natychmiast wyobrażam sobie, że je zakładam. Myślę o tym, jak kostium by mnie przemienił, gdybym go nosił. Potem myślę o tym, jak ja bym go przemienił. Razem stawalibyśmy się czymś bardziej wyrazistym, niż każdy z nas osobno. Kształty, kolory i wzory na kostiumie nabrałyby nowego znaczenia w połączeniu z ruchami mojego ciała. Obiekt sztuki i ja złączyliśmy się, tworząc żywą formę komunikacji.

Coś w sposobie, w jaki te kostiumy ilustrują zlewanie się sztuki, przestrzeni i ludzkiego ciała, dało mi nowe spojrzenie — nie tylko na te dzieła, ale na wszystkie dzieła sztuki. Przestrzeń wystawowa jest nośnikiem obrazów i przedmiotów, tak jak te kostiumy. Wchodzę do niej, tak jakbym zakładał kostium na swoje ciało. Zamieszkując wystawę i poruszając się w niej, obrazy i przedmioty na jej powierzchniach ożywają dzięki moim ruchom. Może to zabrzmi banalnie, ale już nie czuję, że jestem tylko facetem chodzącym na wystawy, by oglądać sztukę. Teraz rozumiem, że każda przestrzeń, która pokazuje sztukę, jest jak jeden z tych kostiumów Jeffreya Gibsona. Czeka na nas, na nasz oddech i ciała, byśmy mogli ją wypełnić, ożywić, tchnąć w nią życie i nadać sobie nawzajem więcej znaczenia, niż kiedykolwiek moglibyśmy mieć sami.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016, 18 × 11 1/2 × 13 cali, 45,7 × 29,2 × 33 cm (lewy) oraz I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 cali, 47 × 38,1 × 35,6 cm (prawy), zdjęcia: Roberts & Tilton, Culver City

Zdjęcie główne: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, ołówek, akwarela, farba akrylowa, taśma, nić, archiwalne odbitki pigmentowe, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 cala, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor Phillip Barcio