Oryginalna sztuka tuszem, której nie powinieneś przegapić

Sztuka tuszu istnieje od tysiącleci - od swoich nieokrzesanych i skromnych greckich początków, przez najbardziej wyrafinowane dzieła sztuki stworzone w czasach dynastii Tang i Song w Chinach, a następnie w okresie Muromachi w Japonii, i ucieleśnia ciągłość oraz dziedzictwo minionych czasów. Podczas gdy sztuka tuszu była głównym i najbardziej rozwiniętym medium sztuki azjatyckiej, europejscy handlarze znacznie bardziej preferowali żywą i dekoracyjną chińską porcelanę niż dzieła sztuki tuszem z jej wyraźnymi praktykami twórczymi i estetycznymi reprezentacjami. Zdeprecjonowana podczas Rewolucji Kulturalnej w Chinach, nowoczesna sztuka tuszu pojawiła się w Hongkongu w latach 70., gdy wygnani chińscy malarze eksperymentowali z abstrakcją, tworząc w ten sposób najbardziej zdumiewającą abstrakcyjną sztukę tuszu. Współczesna sztuka tuszu ewoluowała z intrygującego badania własnego dziedzictwa kulturowego i tożsamości artystów, a także w odpowiedzi na najnowsze wydarzenia w globalnej sztuce współczesnej. Poruszając się po różnych stylach abstrakcji, ale flirtując również z ekspresjonizmem i sztuką koncepcyjną, większość artystów przekonująco dążyła do abstrakcji, co pozwoliło na przekształcenie krytycznych koncepcji medium i dotarcie do szerszego spojrzenia na sztukę tuszu. To połączenie tradycyjnej sztuki tuszu z zachodnią abstrakcją początkowo przyciągnęło artystów z Tajwanu, Chin kontynentalnych, Hongkongu, Japonii i Korei, ale grupa artystów zachodnich podążyła za nimi, gdy do techniki malarskiej dodano wylewanie i rozpryskiwanie. W miarę jak sztuka abstrakcyjna zyskuje na popularności, kolekcjonerzy spieszą się, aby dodać więcej nowych dzieł do swojej kolekcji. Znajdź swoje ulubione dzieło sztuki w naszej cotygodniowej kolekcji i zostań dumnym właścicielem jednego z nich!

Martín Reyna - Bez tytułu (Ref 19016)

Najnowsza praca od Reyna ucieleśnia jego wyraźną technikę rozcieńczania tuszu i dodawania wody na papierze, aby kolory rozpraszały się i oddziaływały w najbardziej niezwykły sposób. Nawilżając powierzchnię, pozwala tuszowi reagować spontanicznie i nieprzewidywalnie, gdy kolory rozpraszają się i rozprzestrzeniają, łaskawie wibrując i przekraczając swoje początkowe granice. Bez tytułu (Ref 19016) elegancko równoważy poświęcenie Reyny w starannym planowaniu liniowych i przestrzennych właściwości jego kompozycji oraz pozwalaniu siłom natury przejąć proces i prowadzić go w najbardziej nieprzewidywalny sposób. Reyna jest urodzonym w Argentynie malarzem abstrakcyjnym, który mieszka w Paryżu we Francji. Jego gesturalne obrazy abstrakcyjne zachwycają oko i aktywują umysł swoimi świetlistymi relacjami kolorystycznymi oraz zręcznymi eksploracjami perspektywy i przestrzeni.

Martin Reyna - Bez tytułu (Ref 19016), 2019. Tusz na papierze. 100 x 150 cm.

Harald Kröner - Yappanoise 33

Yappanoise 33 jest częścią jednej z czterech trwających serii dużych prac na papierze, inspirowanej potwornymi słowami i neologizmami Jamesa Joyce'a, które bezpośrednio nawiązują do trzech aspektów dzieła: yappan (użycie japońskiego tuszu), yap (nagły wybuch kolorowych plam rozprzestrzenionych po białym papierze) oraz noise (sonorność kolorów). Czarne i szare linie, zarówno poziome, jak i pionowe, nadają rytm i orkiestrują całość, podczas gdy wypukłości papieru nadają mu bardziej rzeźbiarski charakter. Kröner manipuluje papierem, stosując swoją charakterystyczną technikę inspirowaną montażem filmowym, co skutkuje starannym badaniem całkowitej przypadkowości, gdy stara się znaleźć równowagę między przypadkiem/kontrolą a chaosem/porządkiem i zainspirować widza do zaoferowania własnej interpretacji. Kröner jest niemieckim artystą, którego można opisać jako "artystę papierowego", produkującym głównie prace na papierze i kolaże. Jego prace obejmują również instalacje publiczne. Mieszka i pracuje w Pforzheim w Niemczech.

Harald Kröner - Yappanoise 33, 2014. Tusz, emalia na papierze. 110 x 160 x 3 cm.

Joanne Freeman - Okładki 4 Ultramaryna

Seria Okładek to osobisty hołd Freeman dla wizualizacji okładek mass mediów z kultury popularnej połowy wieku. Łączy jakość i odczucie tradycyjnych wydruków sztuki pięknej z niskotechnologiczną grafiką kultury popularnej. Łącząc tusz do akwaforty i akwatinty, Freeman podkreśla swój redukcyjny język wizualny, który uwydatnia intensywność fizyczności, emocji, ograniczeń i przypadkowości. Tusz jest idealny do podkreślenia jej ograniczonej palety, która uchwyca interakcję tła i pierwszego planu, gdy bada wizualne odniesienia do symboli miejskich i wzorów architektonicznych. Freeman jest amerykańską malarką abstrakcyjną, która tworzy minimalistyczne malowidła redukcyjne i prace na papierze, charakteryzujące się ostrymi, abstrakcyjnymi formami oraz odważnymi, żywymi, gesturalnymi znakami. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine, 2017. Akwatinta wykonana tuszem do akwaforty na bazie oleju Charbonnel, drukowana na papierze 100% z włókien bawełnianych Copperplate Warm White. 71 x 66 cm.

Margaret Neill - Odbiorca 1

Neill stosuje czarny tusz na papierze, aby stworzyć płynne i niepokojące formacje geometryczne, które ucieleśniają intensywność i ekspresyjność Lirycznej Abstrakcji. Jej intuicyjne i niereprezentacyjne podejście skutkuje lirycznym i elokwentnym wyrazem, który opiera się na przecięciu wielowarstwowych form i bogato opracowanych powierzchni, które ilustrują płynność czasu. Odbiorca 1 bada, jak sugestywne cechy ziemi i nieba współdziałają z miejskimi elementami obiektów i architektury, gdy bada swoje własne relacje z czasem i przestrzenią. Neill jest amerykańską artystką abstrakcyjną z Ohio, używającą różnych mediów do tworzenia lirycznych, gesturalnych obrazów inspirowanych krzywymi oraz niereprezentacyjnymi kształtami i formami. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY.

Margaret Neill - Receiver 1, 2018. Tusz na papierze. 74,93 x 55,88 cm.

Pierre Muckensturm - 174c091011

Ten druk akwatintowy jest częścią działań Muckensturma, mających na celu dalsze zaspokojenie jego trwałego zainteresowania czasem i perspektywą. 174c091011 to poliptyk składający się z dziewięciu elementów, które podkreślają jego fascynację stałością i czasowością, ujawnioną poprzez niepokojącą dychotomię między powtarzalnym i cyklicznym charakterem czasu a pojedynczymi, izolowanymi wydarzeniami, które zakłócają tę harmonię. Uwalnia swój proces twórczy, stosując gestualne znaki, analizując je i stopniowo przekształcając, gdy bada, jak ich zmiana w rozmiarze, kształcie, głębokości, wielkości i orientacji przekazuje różne znaczenia. Muckensturm jest francuskim malarzem abstrakcyjnym i grafikiem, którego język wizualny to harmonia, spokój i ponadczasowość. Urodził się w Strasburgu we Francji, obecnie mieszka i pracuje w Kolmarze.

Pierre Muckensturm - 174c091011, 2018. Druk akwafortowy na papierze BFK Rives 250 g. 156 x 156 cm.

Jill Moser - Billabong

Wykonane techniką aquatinty z użyciem spitbite i drypointu, Billabong ujawnia głębokie zanurzenie Moser w historii pisanej języka i semiotyki kryjącej się za każdym znakiem. Jej fascynacja językiem wizualnym i indeksykalnym ujawnia się w jej mocnych pociągnięciach pędzla, które wydają się spontaniczne i nieograniczone, ale które ewoluują poprzez metodyczny, indeksykalny proces. Billabong uchwyca energiczne pociągnięcia pędzla Moser, które prowadzą do lirycznego, kontemplacyjnego wyrazu, który odzwierciedla jej najgłębsze stany afektywne, gdy balansuje pomiędzy poziomem objawiającym a interpretacyjnym, aktywnie angażując widza. Moser jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której prace badają skrzyżowanie malarstwa, pisania i animowanego obrazu. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Jill Moser - Billabong, 2008. Etykieta. 58,4 x 53,3 cm.

Stephen Maine - Pitched Planes 135

Część serii Pitched Planes, Pitched Planes 135, to wyraźny druk wypukły, który zagłębia się w przejrzystość składowych wzorów, gdy łączą się w różnych warstwach. Druki wypukłe są wykonane przy użyciu powierzchni drukarskich różnych produktów przemysłowych, drukowane tuszem do akwaforty i drzeworytem. Przezroczystość wszystkich warstw tworzy optyczne mieszanie odcieni, ujawniając Maine’a nieustającą fascynację kolorem i jego właściwościami materialnymi. W Pitched Planes 135 zawiesza swoje ego, pozwalając na wystąpienie zjawisk kompozycyjnych przy minimalnej ingerencji z jego strony, a widz zanurza się w pojawiających się głębiach przestrzennych, gdy pojawia się iluzja trzeciego wymiaru. Maine jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym, pisarzem, kuratorem i nauczycielem, którego obrazy angażują i rozwijają współczesne idee dotyczące koloru, kompozycji, powierzchni i procesu. Mieszka i pracuje w Brooklynie, Nowy Jork.

Stephen Maine - Pitched Planes 135, 2004. Monotypia reliefowa. 61 x 48 cm.

Anne Russinof - Żebra 12

Dla Russinof kolor to wszystko - kolor służy do stworzenia okna na naturalną przestrzeń i światło. Ribs 12 to jej visceralna emocjonalna reakcja zmaterializowana przez farbę, głęboko osadzająca jej początkowy wizualny bodziec w kolorze. W miarę dodawania warstw, relacje kolorów ewoluują; głębia stopniowo się pojawia, a forma triumfalnie się wyłania. Russinof jest inspirowana poszukiwaniem, rozwijającą się tajemnicą i napięciem, które ogłaszają fascynującą interakcję między warstwami mokrej farby. Jej prace wydają się spontaniczne i intuicyjne, ukrywając intencjonalność i przygotowanie, które za nimi stoją. Russinof jest amerykańską malarką abstrakcyjną, której prace badają kolor i strukturę w gestualny, ekspresjonistyczny sposób. Urodziła się w Chicago w stanie Illinois, obecnie mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Anne Russinof - Ribs 12, 2017. Monotypia. 46 x 41 cm.

Odkryj więcej abstrakcyjnej sztuki tuszem!

Obraz wyróżniający: Anne Russinof - Ribs 12, 2017, widok instalacji.
Przez Jovana Vuković