Oryginalna sztuka tuszem, której nie powinieneś przegapić

Sztuka tuszu istnieje od tysięcy lat – od jej surowych i skromnych początków w starożytnej Grecji, przez najbardziej wyrafinowane dzieła stworzone podczas dynastii Tang i Song w Chinach, a następnie w okresie Muromachi w Japonii, i ucieleśnia ciągłość oraz dziedzictwo minionych czasów. Podczas gdy sztuka tuszu była głównym i najkwitnącym medium sztuki azjatyckiej, europejscy kupcy znacznie bardziej cenili żywe i dekoracyjne chińskie porcelany niż dzieła tuszowe z ich odrębnymi praktykami twórczymi i estetycznymi przedstawieniami. Potępiana podczas Rewolucji Kulturalnej w Chinach kontynentalnych, nowoczesna sztuka tuszu pojawiła się w Hongkongu w latach 70., gdy wygnani chińscy malarze eksperymentowali z abstrakcją, tworząc tym samym najbardziej zdumiewającą abstrakcyjną sztukę tuszu. Współczesna sztuka tuszu wyewoluowała z intrygującego badania własnego dziedzictwa kulturowego i tożsamości artystów, a także podążając za najnowszymi osiągnięciami światowej sztuki współczesnej. Poruszając się między różnymi stylami abstrakcji, ale flirtując także z ekspresjonizmem i sztuką konceptualną, większość artystów przekonująco dążyła do abstrakcji, która pozwalała na przeformułowanie kluczowych pojęć medium i dojście do szerszego spojrzenia na sztukę tuszu. To połączenie tradycyjnej sztuki tuszu z zachodnią abstrakcją początkowo przyciągnęło artystów z Tajwanu, Chin kontynentalnych, Hongkongu, Japonii i Korei, ale potem dołączyła grupa artystów zachodnich, gdy do pociągnięć pędzla dodano wylewanie i rozpryskiwanie. W miarę jak sztuka abstrakcyjna zyskuje na popularności, kolekcjonerzy śpieszą się, by wzbogacić swoje zbiory o nowe dzieła. Znajdź swoje ulubione dzieło w naszej cotygodniowej kolekcji i zostań jego dumnym właścicielem!

Martín Reyna - Bez tytułu (Ref 19016)

Najnowsze dzieło Reyna ukazuje jego charakterystyczną technikę rozcieńczania tuszu i dodawania wody na papierze, dzięki czemu kolory rozprzestrzeniają się i oddziałują na siebie w najbardziej niezwykły sposób. Nawilżając powierzchnię, pozwala tuszowi reagować spontanicznie i nieprzewidywalnie, gdy kolory rozpraszają się i rozbiegają, wdzięcznie drgając i przekraczając swoje pierwotne granice. Bez tytułu (Ref 19016) z wdziękiem równoważy oddanie Reyny starannemu planowaniu liniowych i przestrzennych właściwości swoich kompozycji oraz pozwalaniu siłom natury przejąć proces i prowadzić go w najbardziej nieprzewidywalny sposób. Reyna to argentyński malarz abstrakcyjny mieszkający w Paryżu, Francja. Jego gesturalne obrazy abstrakcyjne cieszą oko i pobudzają umysł dzięki świetlistym relacjom kolorów oraz zręcznym eksploracjom perspektywy i przestrzeni.

Martin Reyna - Bez tytułu (Ref 19016), 2019. Tusz na papierze. 100 x 150 cm.

Harald Kröner - Yappanoise 33

Yappanoise 33 jest częścią jednej z czterech trwających serii dużych prac na papierze, inspirowanych potwornymi słowami i neologizmami Jamesa Joyce’a, które bezpośrednio odnoszą się do trzech aspektów dzieła: yappan (użycie japońskiego tuszu), yap (nagły wybuch kolorowych znaków rozprzestrzeniających się po białym papierze) oraz noise (dźwięczność kolorów). Czarne i szare linie, zarówno poziome, jak i pionowe, wyznaczają rytm i orkiestrują całość, podczas gdy fałdy papieru nadają mu bardziej rzeźbiarski charakter. Kröner manipuluje papierem, stosując swoją charakterystyczną technikę inspirowaną montażem filmowym, co skutkuje starannym badaniem całkowitego przypadkowego charakteru, gdy stara się znaleźć równowagę między przypadkiem/kontrolą a chaosem/porządkiem i zainspirować widza do własnej interpretacji. Kröner to niemiecki artysta, którego można określić jako „artystę papieru”, tworzącego głównie prace na papierze i kolaże. Jego twórczość obejmuje także instalacje publiczne. Mieszka i pracuje w Pforzheim, Niemcy.

Harald Kröner - Yappanoise 33, 2014. Tusz, emalia na papierze. 110 x 160 x 3 cm.

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine

Seria Covers to osobisty hołd Freeman dla okładek masowych mediów z połowy XX wieku w kulturze popularnej. Łączy jakość i charakter tradycyjnych grafik artystycznych z niskotechnologiczną grafiką popkultury. Łącząc tusz do akwaforty i akwatyntę, Freeman podkreśla swój redukcyjny język wizualny, który uwydatnia intensywność fizyczności, emocji, ograniczeń i przypadkowości. Tusz idealnie podkreśla jej ograniczoną paletę, która oddaje interakcję tła i pierwszego planu, gdy eksploruje wizualne odniesienia do symboli miejskich i wzorów architektonicznych. Freeman to amerykańska malarka abstrakcyjna tworząca minimalistyczne, redukcyjne obrazy i prace na papierze, charakteryzujące się ostrymi abstrakcyjnymi formami i odważnymi, żywymi, gesturalnymi znakami. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine, 2017. Akwatinta wykonana tuszem do akwaforty na bazie oleju Charbonnel, drukowana na papierze 100% bawełnianym Copperplate Warm White. 71 x 66 cm.

Margaret Neill - Receiver 1

Neill nakłada czarny tusz na papier, tworząc płynne i niepokojące formacje geometryczne, które ucieleśniają intensywność i ekspresję Lirycznej Abstrakcji. Jej intuicyjne i niereprezentacyjne podejście skutkuje lirycznym i wymownym wyrazem, opartym na przecięciu wielowarstwowych form i bogato opracowanych powierzchni, które ilustrują płynność czasu. Receiver 1 bada, jak wywołujące emocje cechy ziemi i nieba współdziałają z miejskimi elementami przedmiotów i architektury, gdy eksploruje własną relację z czasem i przestrzenią. Neill to amerykańska artystka abstrakcyjna z Ohio, używająca różnych mediów do tworzenia lirycznych, gesturalnych obrazów opartych na krzywiznach i niereprezentacyjnych kształtach i formach. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY.

Margaret Neill - Receiver 1, 2018. Tusz na papierze. 74,93 x 55,88 cm.

Pierre Muckensturm - 174c091011

Ten wydruk akwatynty jest częścią wysiłków Muckensturm, by dalej zgłębiać swoje trwałe zainteresowanie czasem i perspektywą. 174c091011 to poliptyk składający się z dziewięciu elementów, które podkreślają jego fascynację stałością i przemijalnością, ujawnioną przez niepokojącą dychotomię między powtarzalną i cykliczną naturą czasu a pojedynczymi, odosobnionymi zdarzeniami zakłócającymi tę harmonię. Uwalnia swój proces twórczy, nanosząc gesturalne znaki, badając je i stopniowo przekształcając, eksplorując, jak zmiany ich rozmiaru, kształtu, głębokości, wielkości i orientacji przekazują różne znaczenia. Muckensturm to francuski malarz abstrakcyjny i grafik, którego język wizualny cechuje harmonia, spokój i ponadczasowość. Urodzony w Strasburgu, Francja, obecnie mieszka i pracuje w Colmar.

Pierre Muckensturm - 174c091011, 2018. Druk akwatyntowy na papierze BFK Rives 250 g. 156 x 156 cm.

Jill Moser - Billabong

Wykonany techniką akwatynty z użyciem spitbite i suchorytu, Billabong ukazuje głębokie zanurzenie Moser w historii pisma i semiotyki kryjącej się za każdym znakiem. Jej fascynacja językiem wizualnym i indeksacyjnym ujawnia się w mocnych pociągnięciach pędzla, które wydają się spontaniczne i niepowstrzymane, ale rozwijają się poprzez metodyczny, indeksacyjny proces. Billabong oddaje energiczne pociągnięcia pędzla Moser, które skutkują lirycznym, kontemplacyjnym wyrazem, odzwierciedlającym jej najgłębsze stany emocjonalne, gdy równoważy poziom objawienia i interpretacji, aktywnie angażując widza. Moser to amerykańska artystka abstrakcyjna, której twórczość bada przecięcie malarstwa, pisma i animowanego obrazu. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Jill Moser - Billabong, 2008. Akwaforta. 58,4 x 53,3 cm.

Stephen Maine - Pitched Planes 135

Część serii Pitched Planes, Pitched Planes 135, to wyraźny druk wklęsły, który zgłębia przejrzystość wzorów składowych, gdy łączą się w różnych warstwach. Druki wklęsłe wykonane są przy użyciu powierzchni drukarskich z różnych produktów przemysłowych, drukowanych tuszem do akwaforty i drzeworytem. Przezroczystość wszystkich warstw tworzy optyczne mieszanie odcieni, ukazując nieustającą fascynację Maine kolorem i jego właściwościami materialnymi. W Pitched Planes 135 zawiesza swoje ego, pozwalając na pojawienie się zjawisk kompozycyjnych przy minimalnej ingerencji z jego strony, a widz zanurza się w powstających głębiach przestrzennych, gdy pojawia się iluzja trzeciego wymiaru. Maine to amerykański malarz abstrakcyjny, pisarz, kurator i nauczyciel, którego obrazy angażują i poszerzają współczesne idee dotyczące koloru, kompozycji, powierzchni i procesu. Mieszka i pracuje w Brooklynie, Nowy Jork.

Stephen Maine - Pitched Planes 135, 2004. Monodruk wklęsły. 61 x 48 cm.

Anne Russinof - Ribs 12

Dla Russinof kolor jest wszystkim – służy do stworzenia okna na naturalną przestrzeń i światło. Ribs 12 to jej żywiołowa emocjonalna reakcja zmaterializowana przez farbę, głęboko osadzająca jej pierwotny bodziec wizualny w kolorze. W miarę nakładania kolejnych warstw, relacje kolorystyczne ewoluują; stopniowo pojawia się głębia, a forma triumfalnie wyłania się. Russinof inspiruje poszukiwanie, rozwijająca się tajemnica i napięcie, które zapowiadają fascynującą interakcję między warstwami mokrej farby. Jej prace wydają się spontaniczne i intuicyjne, skrywając intencjonalność i przygotowanie stojące za nimi. Russinof to amerykańska malarka abstrakcyjna, której twórczość bada kolor i strukturę w gesturalny, ekspresjonistyczny sposób. Urodzona w Chicago, Illinois, obecnie mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Anne Russinof - Ribs 12, 2017. Monotypia. 46 x 41 cm.

Odkryj więcej abstrakcyjnej sztuki tuszu!

Zdjęcie wyróżnione: Anne Russinof - Ribs 12, 2017, widok instalacji.
Autor: Jovana Vuković