"Hanging Ody do Naturalnych Form" Ruth Asawy

Jeśli kiedykolwiek stałeś pośród instalacji Ruth Asawa, rozumiesz, że istnieje sztuka poza sztuką; sztuka ukształtowana nie z teorii, lecz z bezpośredniego wyrazu, instynktu i pomysłowości. Asawa tworzyła dzieła, które uchwyciły eteryczne piękno natury. Mówiła, że inspirowało ją „widzenie światła przez skrzydła owadów, obserwowanie pająków naprawiających swoje sieci o świcie oraz widok słońca przez krople wody zawieszone na końcach igieł sosnowych podczas podlewania ogrodu.” Takie zjawiska naturalne mają poetycką egzystencję: są tu, lecz ulotne. Asawa uchwyciła ten paradoks w swoim najsłynniejszym cyklu prac — wiszących, biomorficznych formach z metalu, tkanych techniką, której nauczyła się od rdzennych twórców koszyków w Meksyku. Formy te zamykają i wyznaczają przestrzeń, jednocześnie pozwalając swobodnie przepływać powietrzu i światłu przez swoje granice. Można je zobaczyć i dotknąć, a jednak w pewien sposób są tak nietrwałe jak delikatne cienie, które rzucają. Nie są naturalne, lecz przyjmują wizualny i metafizyczny język natury. Szanują naturę i uczą się od niej — czyniąc je pełnymi nadziei ambasadorami naszego pokolenia. Za jej życia Asawa często była umniejszana przez mizoginistycznych krytyków sztuki, którzy próbowali umniejszyć jej tkane formy, ponieważ była kobietą tworzącą coś, co ich płytkie umysły uważały za przedmioty rzemieślnicze. Asawa istniała poza zasięgiem ich drobnych krytyk. Jej prace nie potrzebowały oficjalnego uznania; potrzebowały tylko znaleźć swoją publiczność. To wreszcie się dzieje, sześć lat po jej śmierci. Galeria David Zwirner niedawno podpisała umowę na reprezentowanie jej spuścizny, co przyniesie jej dziełom zasłużoną światową uwagę. Równie znaczące było niedawne upamiętnienie Asawy w doodle Google, które rozpoczęło Miesiąc Dziedzictwa Azjatycko-Amerykańskiego i Pacyficznego w Stanach Zjednoczonych. Doodle pokazywał pięć jej biomorficznych metalowych rzeźb układających się w słowo Google, z Asawą na ziemi, tkaącą małą literę g. Dla artystki, która w 2002 roku powiedziała, że nie jest już nowoczesna, bo nic nie wie o technologii, doodle Google jest niezwykłym hołdem, ale takim, który miejmy nadzieję, pomoże rozświetlić nowych fanów twórczości artystki, której zrozumienie natury daje inspirację, gdy najbardziej jej potrzebujemy.

Przetrwać niewiedzę

Urodzona w 1926 roku w małym rolniczym miasteczku w Kalifornii, Asawa była nastolatką, gdy została jedną z 120 000 japońsko-amerykańskich osób aresztowanych i przymusowo wysłanych do obozów internowania, gdy Stany Zjednoczone przystąpiły do II wojny światowej. Była więziona wraz z pięciorgiem z sześciu swoich rodzeństwa oraz matką. Jej młodsza siostra, która akurat odwiedzała Japonię, gdy reszta rodziny została zatrzymana, została zmuszona do pozostania tam sama. Jej ojciec, 60-letni rolnik, został aresztowany przez FBI i osadzony w innym obozie, gdzie przez dwa lata pozostawał oddzielony od rodziny. Cudem jednak Asawa nie żywiła później urazy za trudności, jakie to doświadczenie na nią nałożyło. Wręcz przypisuje temu doświadczeniu zmianę swojego życia, ponieważ to właśnie w obozie internowania poświęciła się zostaniu artystką.

Ruth Asawa - Bez tytułu (S.069/90), 1990. Rzeźba, miedziany drut. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 cali). Galeria Michaela Rosenfelda

Jej konstruktywne podejście do tego trudnego doświadczenia rozciąga się na jej spojrzenie na całą wojnę. Po opuszczeniu obozu uczęszczała do Milwaukee State Teachers College, ale nie pozwolono jej uczyć w szkołach publicznych z powodu japońskiego pochodzenia. Ten rasizm skłonił ją do zapisania się do eksperymentalnego Black Mountain College w Karolinie Północnej. Black Mountain College było miejscem, do którego uciekło wielu nauczycieli Bauhausu po tym, jak zostali wypędzeni z Niemiec przez nazistów. Asawa szkoliła się tam przez trzy lata, pracując z najbystrzejszymi umysłami w dziedzinie sztuki, architektury, tańca i muzyki, w tym, co opisano jako artystyczną utopię. Asawa szybko jednak podkreślała, że bez plagi nazistów taka szkoła nigdy nie powstałaby w Stanach Zjednoczonych. To tylko dlatego, że ci nauczyciele zostali wygnani ze swojej ojczyzny, byli gotowi pracować za niemal darmo, uprawiając ziemię i gotując własne posiłki. Podobnie jak w przypadku jej własnych doświadczeń w obozach internowania, widziała Black Mountain College jako przykład niesamowitych rzeczy, które mogą wyniknąć z wykorzystania każdej życiowej szansy, nawet bolesnej.

Ruth Asawa - Bez tytułu (S.454/50), 1957. Rzeźba, miedziany drut. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 cali). Galeria Michaela Rosenfelda

Pani Fontanna

Jej konstruktywne podejście do życia uczyniło Asawę wyjątkową artystką, ponieważ rozumiała konieczność, by sztuka miała wartość dla ludzkości. „Aktywizm jest marnotrawstwem,” mówiła. „Lepiej pracować nad pomysłem i go rozwijać, niż burzyć i protestować przeciwko czemuś, co istnieje.” Jednym z najbardziej wpływowych sposobów, w jaki znalazła konstruktywność w swojej pracy, było tworzenie sztuki publicznej. W swoim przybranym domu, San Francisco, była znana jako „Pani Fontanna” z powodu wielu fontann, które stworzyła w całym mieście. Być może najsłynniejsza jest fontanna syreny, która stoi na Ghirardelli Square, przed kultową firmą Ghirardelli Chocolate Company. Fontanna, którą mieszkańcy kochają najbardziej, jednak nazywa się po prostu Fontanną San Francisco i uosabia jej zaangażowanie w konstruktywną estetykę.

Ruth Asawa - Detal fontanny San Francisco na Union Square.

Fontanna jest wbudowana w skromne schody prowadzące do małego parku kieszonkowego w pobliżu Union Square. Do jej stworzenia Asawa współpracowała z dziećmi z całego miasta, zapraszając je do tworzenia glinianych modeli przedstawiających ich ulubione aspekty San Francisco. Po wykonaniu modeli, Asawa zleciła odlewanie glinianych form w brązie, tworząc niskorzeźbę na zewnętrznej powierzchni fontanny. Asawa mówiła: „Kiedy pracuję nad dużymi projektami, takimi jak fontanna, lubię włączać osoby, które jeszcze nie rozwinęły swojej kreatywnej strony — ludzi pragnących uwolnić swoją twórczość.” Fontanna San Francisco to coś, na co każdy może natknąć się przypadkiem. Jest łatwa do zrozumienia i mówi o tym, że wszyscy jesteśmy w tym razem. Choć nie przypomina prac, z których Asawa jest najbardziej znana, jest być może najdoskonalszym wyrazem jej sztuki: to bezpośredni, pełen nadziei wyraz estetyczny, kierowany nie przez akademicką teorię, lecz przez zrozumienie naszej natury — że wszyscy jesteśmy w tym razem.

Zdjęcie główne: Ruth Asawa - Bez tytułu (S.383, drut wiązany na ścianę, otwarte centrum, gwiazda sześcioramienna z sześcioma gałęziami), 1967. Rzeźba wisząca — drut brązowy. 46 x 46 x 6 cali (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Pokazano w galerii David Zwirner, 2017.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio