"Hanging Ody do Naturalnych Form" Ruth Asawy

Jeśli kiedykolwiek stałeś wśród instalacji Ruth Asawa, rozumiesz, że istnieje sztuka poza sztuką; sztuka stworzona nie z teorii, ale z bezpośredniego wyrazu, instynktu i pomysłowości. Asawa tworzyła dzieła, które uchwyciły eteryczne piękno natury. Powiedziała, że inspirowała się „widzeniem światła przez skrzydła owadów, obserwowaniem pająków naprawiających swoje sieci wczesnym rankiem oraz widzeniem słońca przez krople wody zawieszone na końcach igieł sosnowych podczas podlewania mojego ogrodu.” Takie zjawiska naturalne mają poetycką egzystencję: są tutaj, ale ulotne. Asawa uchwyciła ten paradoks w swoim najsłynniejszym zbiorze dzieł — wiszących, biomorficznych, metalowych formach tkanych techniką, której Asawa nauczyła się od rdzennych wytwórców koszy w Meksyku. Formy te otaczają i definiują przestrzeń, jednocześnie pozwalając powietrzu i światłu swobodnie przepływać przez ich granice. Można je zobaczyć i dotknąć, ale w pewnym sensie są tak samo niematerialne jak delikatne cienie, które rzucają. Nie są naturalne, ale przyjmują wizualny i metafizyczny język natury. Szanują naturę i uczą się od niej — czyniąc je pełnymi nadziei ambasadorami naszego pokolenia. W czasie swojego życia Asawa była często umniejszana przez mizoginistycznych krytyków sztuki, którzy próbowali umniejszyć jej tkane formy, ponieważ była kobietą tworzącą to, co w ich płytkich umysłach przypominało przedmioty rzemieślnicze. Asawa istniała poza zasięgiem ich małostkowej krytyki. Jej prace nie potrzebowały oficjalnej walidacji; potrzebowały tylko znaleźć swoją publiczność. To w końcu się dzieje teraz, sześć lat po jej śmierci. Galeria Davida Zwirnera niedawno podpisała umowę na reprezentowanie jej spuścizny, co przyniesie jej prace zasłużoną globalną uwagę. Może równie znaczące, Asawa została niedawno upamiętniona w doodle Google, aby zainaugurować Miesiąc Dziedzictwa Azjatyckich Amerykanów i Wysp Pacyfiku w Stanach Zjednoczonych. Doodle pokazywał pięć jej biomorficznych rzeźb metalowych, które układały się w słowo Google, z Asawą na ziemi, tkającą małe g. Dla artystki, która w 2002 roku powiedziała, że nie jest już nowoczesna, ponieważ nie wie nic o technologii, doodle Google jest niezwykłym hołdem, ale takim, który mam nadzieję, pomoże oświecić nowych fanów twórczości artystki, której zrozumienie natury oferuje inspirację, gdy najbardziej jej potrzebujemy.

Przetrwać ignorancję

Urodzona w 1926 roku w małym miasteczku rolniczym w Kalifornii, Asawa była zaledwie nastolatką, gdy stała się jedną z 120 000 Japończyków-Amerykanów aresztowanych i przymusowo wysłanych do obozów internowania, gdy Stany Zjednoczone przystąpiły do II wojny światowej. Była uwięziona z pięciorgiem ze swoich sześciu rodzeństwa i swoją matką. Jej młodsza siostra, która akurat odwiedzała Japonię, gdy reszta rodziny została aresztowana, była zmuszona zostać w Japonii sama. Jej ojciec, tymczasem – 60-letni rolnik – został aresztowany przez FBI i uwięziony w innym obozie, gdzie pozostawał oddzielony od rodziny przez dwa lata. Cudownie jednak, Asawa nie żywiła później w życiu urazy za trudności, jakie to doświadczenie na nią nałożyło. Nawet przypisuje to doświadczenie do zmiany swojego życia, ponieważ to w obozie internowania poświęciła się, aby stać się artystką.

Ruth Asawa - Bez tytułu (S.069/90), 1990. Rzeźba, drut miedziany. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 in). Galeria Michaela Rosenfelda

Jej konstruktywne podejście do tego trudnego doświadczenia rozciąga się na jej spojrzenie na całą wojnę. Po opuszczeniu obozu uczęszczała do Milwaukee State Teachers College, ale nie pozwolono jej uczyć w szkołach publicznych z powodu jej japońskiego pochodzenia. Ten rasizm skłonił ją do zapisania się do eksperymentalnego Black Mountain College w Karolinie Północnej. Black Mountain College było miejscem, gdzie wielu nauczycieli Bauhausu uciekło po tym, jak zostali wypędzeni z Niemiec przez nazistów. Asawa uczyła się tam przez trzy lata, pracując z najjaśniejszymi umysłami w dziedzinie sztuki, architektury, tańca i muzyki, w tym, co zostało opisane jako artystyczna utopia. Asawa szybko zauważyła, że bez plagi nazistów taka szkoła nigdy nie istniałaby w Stanach Zjednoczonych. Tylko dlatego, że ci nauczyciele zostali wydaleni z ojczyzny, byli gotowi pracować za prawie żadną zapłatę, uprawiając ziemię i gotując własne posiłki. Podobnie jak w jej własnym doświadczeniu w obozach internowania, postrzegała Black Mountain College jako przykład niesamowitych rzeczy, które mogą wyniknąć z wykorzystania każdej okazji w życiu, nawet tych bolesnych.

Ruth Asawa - Bez tytułu (S.454/50), 1957. Rzeźba, drut miedziany. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 in). Galeria Michaela Rosenfelda

Pani Fontanna

Jej konstruktywne podejście do życia uczyniło Asawę wyjątkową artystką, ponieważ rozumiała konieczność, aby sztuka miała wartość dla ludzkości. „Aktywizm jest marnotrawstwem,” powiedziała. „Lepiej pracować nad pomysłem i rozwijać go, niż burzyć i protestować przeciwko czemuś, co istnieje.” Jednym z najbardziej wpływowych sposobów, w jaki znalazła sposób na konstruktywne wykorzystanie swojej pracy, było tworzenie sztuki publicznej. W swoim przybranym domu w San Francisco była znana jako „Pani Fontanna”, z powodu wielu fontann, które stworzyła w całym mieście. Być może jej najsłynniejsza to fontanna syreny, która znajduje się na Ghirardelli Square, przed ikoniczną Ghirardelli Chocolate Company. Fontanna, za którą mieszkańcy najbardziej kochają Asawę, nazywa się po prostu Fontanna San Francisco i ucieleśnia jej zaangażowanie w konstruktywną estetykę.

Ruth Asawa- Szczegół fontanny w San Francisco na Union Square.

Fontanna jest wbudowana w niepozorną klatkę schodową prowadzącą do małego parku w pobliżu Union Square. Aby ją stworzyć, Asawa współpracowała z dziećmi z całego miasta, zapraszając je do tworzenia modeli z gliny przedstawiających ich ulubione aspekty San Francisco. Po tym, jak dzieci wykonały modele, Asawa kazała odlać gliniane formy w brązie, aby stworzyć niskoreliefowy zewnętrzny wygląd fontanny. Asawa powiedziała: „Kiedy pracuję nad dużymi projektami, takimi jak fontanna, lubię angażować ludzi, którzy jeszcze nie rozwinęli swojej kreatywnej strony — ludzi pragnących uwolnić swoją kreatywność.” Fontanna w San Francisco to coś, na co każdy może natknąć się przypadkiem. Jest łatwa do zrozumienia i mówi o tym, że wszyscy jesteśmy w tym razem. Choć nie jest podobna do prac, z których Asawa jest najbardziej znana, być może jest najdoskonalszym wyrazem jej sztuki: jest bezpośrednim, pełnym nadziei wyrazem estetycznym, kierowanym nie przez teorię akademicką, ale przez zrozumienie naszej natury — że wszyscy jesteśmy w tym razem.

Obraz wyróżniony: Ruth Asawa - Bez tytułu (S.383, montowany na ścianie, związany drut, otwarte centrum, sześciopunktowa gwiazda, z sześcioma gałęziami), 1967. Rzeźba wisząca—drut brązowy. 46 x 46 x 6 cali (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Prezentowana w galerii David Zwirner, 2017.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio