6 przykładów publicznej sztuki abstrakcyjnej na granicy reprezentacji
Czasami ludzie przyjmują abstrakcyjną sztukę publiczną, a czasami zdecydowanie tego nie robią. Niektóre abstrakcyjne sztuki publiczne dzieła stają się ukochanymi elementami krajobrazu publicznego; inne są źle rozumiane, a nawet nienawidzone przez tych, którzy żyją z nimi na co dzień. W każdym razie, to co często się dzieje, to że aby zrozumieć, dlaczego i jak jakieś nowe abstrakcyjne dzieło sztuki publicznej zajęło ich przestrzeń, publiczność tworzy własną narrację na temat tego, czym jest to dzieło, co reprezentuje lub co oznacza. Niektóre z najbardziej udanych abstrakcyjnych dzieł sztuki publicznej łatwo przechodzą w interpretację w kategoriach reprezentacyjnych, oferując widzom możliwość odniesienia się do nich na wielu różnych poziomach. Oto sześć słynnych dzieł sztuki publicznej, które są ukochane przez społeczności, w których się znajdują, i które istnieją na granicy bycia uznawanymi za reprezentacyjne i abstrakcyjne.
Isamu Noguchi - Czerwony Sześcian (Nowy Jork)
Zlokalizowany pod adresem 140 Broadway w Nowym Jorku, „Czerwony Sześcian” (1968) autorstwa Isamu Noguchi nie jest w rzeczywistości idealnym sześcianem. Czerwona, malowana stalowa forma jest nieco zniekształcona, jakby została rozciągnięta. Przez jej środek przebiega pusty, okrągły tunel. Dzieło to jest łatwe do zrozumienia w kategoriach figuratywnych, ponieważ sześcian jest tak powszechną formą geometryczną. Jednak istnieje wiele abstrakcyjnych i symbolicznych elementów tego dzieła. Abstrakcyjnie, sprzeciwia się ono otoczeniu, ponieważ linie wszystkich otaczających struktur są pionowe i poziome, podczas gdy każda krawędź „Czerwonego Sześcianu” jest ukośna. Okrągły otwór kwestionuje wziernikowanie niezliczonych otaczających okien, oferując dziurkę, przez którą można zobaczyć sąsiedni wieżowiec. Symbolicznie, Noguchi powiedział: „Sześcian oznacza przypadek, jak rzucanie kośćmi”, co odnosi się do pobliskiej Wall Street. Artysta zauważył również, że forma odnosi się do „stworzonej przez człowieka” bryły, podczas gdy okrągły otwór odnosi się do „promieniowania słonecznego.”
Isamu Noguchi - Czerwony Sześcian, Broadway, Manhattan, Nowy Jork. Zdjęcia: Ðиколай МакÑимович
Sol LeWitt - Czworoboczna Piramida (Waszyngton)
Zlokalizowana w Ogrodzie Rzeźby Narodowej Galerii Sztuki w Waszyngtonie, D.C., „Czworoboczna Piramida” (1999) jest typowa dla wielu prac LeWitta, ponieważ „struktura”, jak ją nazwał, została zaprojektowana, ale nie zbudowana przez niego. Zespół kamieniarzy i inżynierów zbudował ją na podstawie jego szczegółowych instrukcji. Symbolicznie, LeWitt powiedział, że forma odnosi się do „wycofanych” wieżowców, trendu architektonicznego powszechnego w połowie XX wieku, który naśladuje kształt piramidy. Przenośnie, każdy mógłby spojrzeć na tę pracę i założyć, że odnosi się do egipskich piramid. Abstrakcyjnie, jest głęboko konceptualna, ponieważ LeWitt zamierzał, aby mogła być odtworzona w dowolnym czasie, w dowolnym miejscu, przez kogokolwiek. W formalnym, abstrakcyjnym sensie, praca oferuje nieskończoną zmienność interakcji linii, kształtów, wzorów i form, gdy ewoluujące naturalne światło oddziałuje z niezliczonymi powierzchniami betonu i zaprawy.
Sol LeWitt - Piramida czterostronna. pierwsza instalacja 1997, wykonana 1999 z bloczków betonowych i zaprawy. wymiary całkowite: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 in.). Dar rodziny Donalda Fishera 1998.149.1. Na wystawie: Ogród rzeźb. © Narodowa Galeria Sztuki
Henry Moore - Duże Dwie Formy (Toronto)
Początkowo zainstalowana w 1973 roku na chodniku przed Galerią Sztuki Ontario, „Duże Dwie Formy” autorstwa Henry'ego Moore'a obecnie znajduje się w pobliskiej przestrzeni otwartej zwanej Grange Park. Dwie brązowe formy ucieleśniają zainteresowanie Moore'a biomorficzną abstrakcją. Przywołują skojarzenia z kośćmi, a także z parą ludzkich ciał wchodzących ze sobą w interakcję w przestrzeni. Przypominają również naturalne formy skalne, które mogłyby być wyrzeźbione przez erozję. Gdy ten obiekt został przeniesiony do nowej lokalizacji, jego abstrakcyjne cechy zmieniły się znacząco, ponieważ po raz pierwszy był widoczny z 360 stopni. Już nie flankowany przez wysoki budynek, mógł w pełni wyrazić swoje naturalne organiczne cechy. Otoczony trawą i drzewami, znacznie mniej przypomina dwa ludzkie formy, a znacznie bardziej zaprasza do czysto abstrakcyjnej interpretacji.
Henry Moore - Duże Dwie Formy. Galeria Sztuki Ontario. Zdjęcia: M. Readey
Anish Kapoor - Cloud Gate (Chicago)
Jednym z najbardziej oczywistych przykładów abstrakcyjnej rzeźby publicznej, która została przypisana reprezentacyjną interpretacją przez publiczność, jest „Cloud Gate” (2006) autorstwa Anisha Kapoor. Zainstalowana w Millennium Park w Chicago, 33-stopowa rzeźba ze stali nierdzewnej została zainspirowana wizualnymi cechami ciekłego rtęci. Jej abstrakcyjne tendencje obejmują biomorficzną obecność wśród wysokiej dżungli wytworzonych struktur geometrycznych, a także zdolność do zniekształcania odbić, które oferuje nieba, miasta i przechodniów. Pomimo tych aspektów, mieszkańcy Chicago nadali jej słynnie nową nazwę, nazywając ją „Fasolką”, opierając się całkowicie na jej kształcie przypominającym fasolę nerkową.
Anish Kapoor - Cloud Gate, 2006. Millennium Park, Chicago. Zdjęcia: Nyx Ning
Claes Oldenburg i Coosje van Bruggen - Igła, Nitka i Węzeł (Mediolan)
Zaprojektowane przez Claesa Oldenburga i jego żonę Coosje van Bruggen, „Igła, Nić i Węzeł” (2000) zostało zainstalowane w Mediolanie, Włochy, w ramach renowacji pobliskiego dworca kolejowego. Jego kolory nawiązują do otaczającej architektury, a jego obraz, jak mówi Oldenburg, reprezentuje pociąg przejeżdżający przez tunel. Ta zasadniczo figuralna rzeźba doświadczyła przeciwnego odbioru niż „Cloud Gate” w Chicago. Zamiast reagować na jej cechy figuralne, mieszkańcy podziwiają ją za sposób, w jaki jej linie, kolory i kształty zestawiają się z wizualnymi elementami otaczającej architektury. Jej obecność wydobywa formalne abstrakcyjne cechy wizualne całej przestrzeni publicznej, nadając ulicy, latarniom i otaczającym budynkom nowy, wyraźnie niefiguratywny charakter.
Claes Oldenburg i Coosje van Bruggen - Igła, nić i węzeł, 2000. Mediolan, Włochy. Stal nierdzewna, wzmocniony plastik, żelcoat poliestrowy, emalia poliuretanowa. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Zdjęcia: MarkusMark
Alexander Calder - Orzeł (Seattle)
Pierwotnie wzniesiony w Fort Worth w Teksasie, „Orzeł” (1974) autorstwa Alexandra Caldera wyraźnie przypomina ptaka drapieżnego. Wysoka na 39 stóp, czerwona, malowana stalowa forma wydaje się mieć dwie nogi, dwa skrzydła, ogon i dziób. Jednak w swojej pierwotnej lokalizacji przed szklanym wieżowcem, jej figuralne aspekty zostały utracone. Wśród wznoszącego się tła ze stali i szkła, jej żywy kolor, biomorficzne krzywe i liczne płaszczyzny nadały dziełu dramatyczne, formalne cechy abstrakcyjne. Jednak w latach 90. budynek został sprzedany, a rzeźba została zakupiona przez grupę inwestycyjną. Była krótko wystawiana w Muzeum Sztuki w Filadelfii, zanim kolekcjonerzy sztuki z okolic Seattle, Jon i Mary Shirley, kupili ją dla Muzeum Sztuki w Seattle. Obecnie znajduje się w nadmorskim Olympic Sculpture Park, gdzie zyskała zupełnie inny wizualny charakter. Bez innych wysokich struktur, które mogłyby konkurować, reprezentacyjne aspekty „Orła” natychmiast wysuwają się na pierwszy plan, zwłaszcza biorąc pod uwagę tysiące zamieszkujących ptaków morskich, których pełne wdzięku, prymitywne formy są tak pięknie odzwierciedlone w tym dziele.
Alexander Calder - Orzeł, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 stóp 9 cali × 32 stopy × 32 stopy 6 cali). Seattle, Waszyngton. Właściciel: Muzeum Sztuki w Seattle
Obraz wyróżniający: Isamu Noguchi - Czerwony Sześcian, Broadway, Manhattan, Nowy Jork. Zdjęcia autorstwa Ken Lund.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
