6 przykładów publicznej sztuki abstrakcyjnej na granicy reprezentacji

Czasami ludzie akceptują abstrakcyjną sztukę publiczną, a czasami zdecydowanie nie. Niektóre abstrakcyjne dzieła sztuki publicznej stają się ukochanymi elementami krajobrazu miejskiego; inne są niezrozumiane, a nawet znienawidzone przez tych, którzy obcują z nimi na co dzień. Tak czy inaczej, często zdarza się, że aby zrozumieć, dlaczego i jak nowe abstrakcyjne dzieło sztuki publicznej zagościło w ich otoczeniu, ludzie tworzą własną opowieść o tym, czym jest dzieło, co przedstawia lub co oznacza. Niektóre z najbardziej udanych abstrakcyjnych dzieł sztuki publicznej łatwo można interpretować w sposób przedstawiający, dając widzom możliwość odniesienia się do nich na wielu różnych poziomach. Oto sześć słynnych dzieł sztuki publicznej, które są ukochane przez społeczności, w których się znajdują, i które balansują na granicy między przedstawieniem a abstrakcją.

Isamu Noguchi - Czerwony sześcian (Nowy Jork)

Znajdujący się pod adresem 140 Broadway w Nowym Jorku, „Czerwony sześcian” (1968) autorstwa Isamu Noguchiego nie jest tak naprawdę idealnym sześcianem. Czerwona, malowana stalowa forma jest lekko zdeformowana, jakby została rozciągnięta. Przez jej środek przebiega pusta, okrągła tunelowa przestrzeń. Dzieło łatwo odnieść do formy figuratywnej, ponieważ sześcian jest tak powszechnym kształtem geometrycznym. Jednak zawiera też wiele abstrakcyjnych i symbolicznych elementów. Abstrakcyjnie przeczy otoczeniu, ponieważ linie wszystkich pobliskich budynków są pionowe i poziome, podczas gdy każda krawędź „Czerwonego sześcianu” jest ukośna. Okrągły otwór kwestionuje podglądactwo niezliczonych okien wokół, oferując dziurkę, przez którą można zobaczyć sąsiedni wieżowiec. Symbolicznie Noguchi powiedział: „Sześcian oznacza przypadek, jak rzucanie kostką do gry”, nawiązując do pobliskiego Wall Street. Artysta zauważył również, że forma odnosi się do „ręcznie wykonanych” bloków, podczas gdy okrągły otwór symbolizuje „promieniowanie słoneczne”.

 

Isamu Noguchi - Czerwony sześcian, Broadway, Manhattan, Nowy Jork. Zdjęcie: Николай Максимович

 

Sol LeWitt - Czterostronna piramida (Waszyngton)

Znajdująca się w Ogrodzie Rzeźb Narodowej Galerii Sztuki w Waszyngtonie, D.C., „Czterostronna piramida” (1999) jest typowa dla wielu dzieł LeWitta, ponieważ „konstrukcja”, jak ją nazywał, została zaprojektowana, ale nie zbudowana przez niego. Zespół kamieniarzy i inżynierów wykonał ją według jego szczegółowych wskazówek. Symbolicznie LeWitt powiedział, że forma nawiązuje do cofniętych drapaczy chmur, trendu architektonicznego popularnego w połowie XX wieku, który naśladuje kształt piramidy. Figuratywnie każdy mógłby spojrzeć na to dzieło i założyć, że odnosi się do piramid egipskich. Abstrakcyjnie jest głęboko konceptualne, ponieważ LeWitt zamierzał, aby mogło być odtworzone w dowolnym czasie, w dowolnym miejscu, przez każdego. W formalnym, abstrakcyjnym sensie dzieło oferuje nieustannie zmieniającą się grę linii, kształtów, wzorów i form, gdy zmieniające się naturalne światło współgra z niezliczonymi powierzchniami betonu i zaprawy.

 

Sol LeWitt - Czterostronna piramida. pierwsza instalacja 1997, wykonana 1999 z betonowych bloków i zaprawy. wymiary: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 cali). Dar rodziny Donalda Fishera 1998.149.1. Na wystawie: Ogród Rzeźb. © National Gallery of Art

 

Henry Moore - Duże dwie formy (Toronto)

Pierwotnie zainstalowane w 1973 roku na chodniku przed Galerią Sztuki Ontario, „Duże dwie formy” autorstwa Henry’ego Moore’a obecnie znajdują się w pobliskim otwartym terenie zwanym Grange Park. Dwie formy z brązu uosabiają zainteresowanie Moore’a biomorficzną abstrakcją. Przywodzą na myśl kości, a także parę ludzkich ciał oddziałujących ze sobą w przestrzeni. Przypominają też naturalne formy skalne, jakie mogły powstać wskutek erozji. Po przeniesieniu dzieła na nowe miejsce jego abstrakcyjne cechy znacznie się zmieniły, ponieważ po raz pierwszy można je oglądać z każdej strony. Nie otoczone wysokim budynkiem, mogło swobodniej wyrażać swoje naturalne, organiczne cechy. Otoczone trawą i drzewami znacznie mniej przypomina dwie ludzkie formy, a znacznie bardziej zachęca do czysto abstrakcyjnej interpretacji.

 

Henry Moore - Duże dwie formy. Galeria Sztuki Ontario. Zdjęcie: M. Readey

 

Anish Kapoor - Brama Chmur (Chicago)

Jednym z najbardziej oczywistych przykładów abstrakcyjnej rzeźby publicznej, której publiczność nadała interpretację przedstawiającą, jest „Brama Chmur” (2006) autorstwa Anisha Kapora. Zainstalowana w Millennium Park w Chicago, 33-stopowa stalowa rzeźba została zainspirowana wizualnymi cechami ciekłego rtęci. Jej abstrakcyjne cechy obejmują biomorficzną obecność pośród wysokich, geometrycznych konstrukcji, a także zdolność do zniekształcania odbić nieba, miasta i przechodniów. Pomimo tych aspektów mieszkańcy Chicago słynnie nadali jej nową nazwę, nazywając ją „Fasolką”, całkowicie na podstawie jej kształtu przypominającego fasolkę nerkowatą.

 

Anish Kapoor - Brama Chmur, 2006. Millennium Park, Chicago. Zdjęcie: Nyx Ning

 

Claes Oldenburg i Coosje van Bruggen - Igła, nić i Knot (Mediolan)

Zaprojketowane przez Claesa Oldenburga i jego żonę Coosje van Bruggen, „Igła, nić i Knot” (2000) zostało zainstalowane w Mediolanie we Włoszech, w ramach remontu pobliskiego dworca kolejowego. Jego kolory nawiązują do otaczającej architektury, a jego obrazowość, jak mówi Oldenburg, przedstawia pociąg przejeżdżający przez tunel. Ta zasadniczo figuratywna rzeźba spotkała się z reakcją odwrotną niż „Brama Chmur” w Chicago. Zamiast reagować na jej cechy figuratywne, miejscowi podziwiają ją za to, jak jej linie, kolory i kształty kontrastują z wizualnymi elementami otaczającej architektury. Jej obecność wydobywa formalne abstrakcyjne cechy całej przestrzeni publicznej, nadając ulicy, latarniom i pobliskim budynkom nowy, wyraźnie niefiguratywny charakter.

 

Claes Oldenburg i Coosje van Bruggen - Igła, nić i Knot, 2000. Mediolan, Włochy. Stal nierdzewna, wzmocniony plastik, żelkot poliestrowy, emalia poliuretanowa. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 stóp × 65 stóp × 123 stopy). Zdjęcie: MarkusMark

 

Alexander Calder - Orzeł (Seattle)

Pierwotnie postawiony w Fort Worth w Teksasie, „Orzeł” (1974) autorstwa Alexandra Caldera wyraźnie przypomina ptaka drapieżnego. 39-stopowa, czerwona, malowana stalowa forma zdaje się mieć dwie nogi, dwa skrzydła, ogon i dziób. Jednak w swoim pierwotnym miejscu przed szklanym wieżowcem jego cechy figuratywne ginęły. Pośród wysokich stalowo-szklanych budynków jego żywy kolor, biomorficzne krzywizny i liczne płaszczyzny nadawały dziełu dramatyczne formalne abstrakcyjne cechy. W latach 90. budynek sprzedano, a rzeźbę kupiła grupa inwestorów. Krótko była wystawiana w Muzeum Sztuki w Filadelfii, zanim kolekcjonerzy sztuki z okolic Seattle, Jon i Mary Shirley, zakupili ją dla Muzeum Sztuki w Seattle. Obecnie znajduje się w nadmorskim Olympic Sculpture Park, gdzie zyskała zupełnie inny wizualny charakter. Bez innych wysokich budowli w pobliżu, cechy przedstawiające „Orła” od razu wychodzą na pierwszy plan, zwłaszcza biorąc pod uwagę tysiące zamieszkujących tam ptaków morskich, których wdzięczne, pierwotne formy tak pięknie odbijają się w dziele.

 

Alexander Calder - Orzeł, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 stóp 9 cali × 32 stopy × 32 stopy 6 cali). Seattle, Waszyngton. Właściciel: Muzeum Sztuki w Seattle

 

Zdjęcie główne: Isamu Noguchi - Czerwony sześcian, Broadway, Manhattan, Nowy Jork. Zdjęcie: Ken Lund.

Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio