Kobiety w amerykańskiej abstrakcji, 1930-1950
Amerykańscy artyści abstrakcyjni napotykali wiele przeszkód w latach 30. i 40. XX wieku. Wchodząc w dziedzinę, która wciąż była zdominowana przez realizm i rządzona przez potężnych krytyków sztuki oraz instytucje, artyści abstrakcyjni musieli znaleźć kreatywne sposoby na promowanie swojej pracy i zdobycie akceptacji w coraz bardziej burzliwym świecie. Na czoło wysunęły się odważne, utalentowane artystki, które dodatkowo musiały poruszać się w złożonych dynamikach społecznych i kulturowych w okresie przed- i powojennym. Do tej pory ich wkład w wczesną amerykańską abstrakcję często był pomijany na rzecz męskich pionierów. Jednak aby w pełni zrozumieć historię sztuki, musimy uznać kobiety, które utorowały drogę dla abstrakcji dzięki swojej kreatywności, estetyce i działalności na rzecz sztuki.
Wczesna abstrakcja
Abstrakcja jest powszechnie uznawana za początek w Europie pod koniec XIX wieku, gdy niektórzy artyści odchodzili od realizmu i eksplorowali kształty, tekstury i odcienie w większych detalach. Postęp technologiczny, w tym zwiększona komunikacja i podróże, umożliwił europejskim i amerykańskim artystom wymianę pomysłów jak nigdy dotąd. Podobnie wielu europejskich artystów uciekających przed terrorami I i II wojny światowej przywiozło nowe techniki i teorie do Stanów Zjednoczonych. Doprowadziło to do powstania rosnącej grupy amerykańskich artystów zainteresowanych abstrakcją, z których wielu odwiedziło artystów w Europie lub uczęszczało na kursy prowadzone przez europejskich uchodźców mieszkających w Stanach Zjednoczonych. Jednak abstrakcja była szczególnie potępiana przez amerykański establishment artystyczny, który zabraniał artystom abstrakcyjnym wystawiania w galeriach i muzeach, umieszczał ich na czarnej liście w prasie i uniemożliwiał im prowadzenie owocnych karier.
Możliwości dla kobiet
Chaos lat 30. XX wieku, ku zaskoczeniu, otworzył drzwi dla artystów abstrakcyjnych w Ameryce. W odpowiedzi na wysokie bezrobocie w społeczności artystycznej podczas Wielkiej Depresji, rząd Stanów Zjednoczonych stworzył Federalny Projekt Sztuki w ramach Administracji Postępu Prac (WPA). Artyści z różnych środowisk (w tym kobiety i artyści abstrakcyjni) otrzymali płatne stanowiska w rządowych projektach artystycznych w czasie depresji i lat wojennych. Zatrudniono tysiące artystów, w tym przyszłych pionierów, takich jak Lee Krasner, Dorr Bothwell oraz Louise Nevelson, aby upiększyć instytucje w całych Stanach Zjednoczonych za pomocą murali, obrazów i innych projektów. Inni artyści, tacy jak Irene Rice Pereira, pomogli w ustanowieniu finansowanych przez rząd szkół artystycznych, aby zapewnić lekcje sztuki dla uczniów z ubogich rodzin. Korzystając z tych unikalnych programów, artystki mogły zarabiać na życie dzięki sztuce i zdobywać cenne doświadczenie w nauczaniu, tworzeniu sztuki i angażowaniu się w życie publiczne. Te umiejętności były niezbędne, gdy tworzyły, zarządzały i promowały różnorodną dyscyplinę abstrakcji oraz swoje własne kariery.
Inne kobiety, w tym Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina i Ray Kaiser (później Eames), pomogły stworzyć nową organizację, American Abstract Artists (AAA), aby promować abstrakcję wśród publiczności i zapewnić przestrzenie wystawowe dla artystów. Założona w 1936 roku w Nowym Jorku, AAA powstała w odpowiedzi na pierwszą wystawę Muzeum Sztuki Nowoczesnej poświęconą abstrakcji, która odbyła się w tym samym roku. Ta wystawa, zatytułowana Cubism and Abstract Art, niemal wyłącznie prezentowała europejskich artystów – co stanowiło dalsze instytucjonalne odrzucenie amerykańskich artystów abstrakcyjnych. Slobodkina napisała Historyczny Zarys AAA, który jest nadal publikowany na ich stronie internetowej, podsumowując desperacką potrzebę tej grupy: „Jakie były okoliczności, w których ta unikalna organizacja powstała i szybko zakorzeniła się? . . . Rok to 1936. Miejsce – Nowy Jork. Okres – depresja gospodarcza i praktycznie całkowita izolacja ogółu społeczeństwa od wszelkiego kontaktu z aktualnymi zaawansowanymi trendami estetycznymi.”
W ciągu jednego roku AAA zorganizowało swoją pierwszą wystawę w Squibb Galleries w Nowym Jorku. Chociaż wystawa cieszyła się dużym zainteresowaniem i otrzymała ogólnie pozytywne opinie publiczne, prasa zareagowała z wrogością. Niemniej jednak AAA kontynuowało wystawianie w wielu lokalnych miejscach, powoli zdobywając rosnącą rzeszę wielbicieli i kolekcjonerów, nawet gdy Wielka Depresja i II wojna światowa przygnębiały nastroje i uszczuplały portfele. Kobiety odgrywały kluczową rolę w AAA, zajmując centralne miejsce na wystawach, pisząc krytyki i pełniąc role kierownicze – w tym założycielki Mason i Slobodkina, które obie pełniły funkcję Prezydenta AAA.
Charmion von Wiegand (1896-1983), Bez tytułu, ok. 1942. Papier kolażowy, nieprzezroczysta akwarela oraz tusz na papierze, 8 1/2 × 8 1/16 in. (21.6 × 20.5 cm). Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; dar Alice i Leo Yamina 91.84.5. © Spadek po Charmion von Wiegand; dzięki uprzejmości Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nowy Jork, NY
Krytyczny odbiór
Jednakże, nawet gdy abstrakcja zaczęła zdobywać uznanie w amerykańskiej kulturze, kobiety nadal napotykały znaczące trudności. Pomimo pewnych postępów dokonanych podczas wojny, które pozwoliły kobietom pracować poza domem, artystki były poddawane krytyce za wykonywanie prac, które nie były ściśle domowe lub związane z wojną. Wiele pionierów tego okresu jest pamiętanych bardziej za swoich sławnych mężów niż za swoje wkłady w abstrakcję, w tym Ray Kaiser (później Eames, żona Charlesa Eamesa), Lee Krasner (żona Jacksona Pollocka) i Elaine De Kooning (żona Willema De Kooninga). Jednak ich artystyczny wpływ na swoich mężów jest niezaprzeczalny. Wystarczy spojrzeć na Kaiser, wysoko wykształconą artystkę, która współpracowała z mężem architektem przy kilku projektach. Jej użycie organicznych form i napięcia między przestrzeniami jest centralnym elementem ich projektów i to właśnie sprawiło, że nazwisko Eames stało się tak sławne. Podobnie, wysiłki Krasner w promowaniu dziedzictwa Pollocka po jego przedwczesnej śmierci w 1956 roku są w dużej mierze powodem, dla którego jego prace są dzisiaj tak cenione.
Wiele galerii i muzeów również odmówiło wystawiania artystek: gallerysta Samuel Kootz, wielki zwolennik ekspresjonizmu abstrakcyjnego, rzekomo powiedział, że to dlatego, że były zbyt kłopotliwe. Z drugiej strony, wielu krytyków początkowo pozytywnie reagowało na prace kobiet artystek abstrakcyjnych – dopóki nie odkryli, że twórcą była kobieta. Krasner wspominała, że krytyk raz powiedział o jej pracy: „Dowiedzieliśmy się, że artystka była kobietą w samą porę, aby sprawdzić nasz entuzjazm.” W rezultacie kilka artystek zmieniło swoje imiona, aby ukryć swoją kobiecość. Irene Rice Pereira wystawiała swoje dynamiczne geometryczne obrazy pod nazwiskiem I. Rice Pereira. Podobnie artystka Dorr Bothwell legalnie zmieniła swoje imię z Doris, aby uzyskać bardziej przychylną reakcję krytyków na swoje surrealistyczne prace. Mimo to, wielu męskich liderów ruchu nadal odnosiło się do prac tych artystek w kontekście ich kobiecości. Legendarny Hans Hoffman, który szkolił wiele kobiet artystek abstrakcyjnych, powiedział kiedyś, że prace Krasner były „tak dobre, że nie wiedziałbyś, że zostały wykonane przez kobietę.” Pomimo oczywistej jakości ich prac, artystki były nieustannie przypominane, że kobiecość była narzędziem używanym przeciwko nim, aby uzasadnić odrzucenie ich rzemiosła przez świat sztuki.
Wolność w Abstrakcji
Ironią jest, oczywiście, to, że abstrakcja – z jej różnorodnością wyrazu, brakiem konkretnych form i niezliczonymi tematami – zazwyczaj nie jest klasyfikowana jako męska lub żeńska. Patrząc na abstrakcyjne dzieło sztuki, widz miałby trudności z określeniem płci artysty, który je stworzył. Weźmy na przykład grafikę Alice Trumbull Mason z 1945 roku Labyrinth of Closed Forms, konglomerat zaokrąglonych i prostokątnych kształtów na zacienionym tle. Dzieło bawi się odcieniami szarości, białą przestrzenią i interakcjami między formami – nic w tym dziele nie wskazuje na to, że Mason jest kobietą. Elaine De Kooning, podobnie, przyjęła elementy figurowości w swoich kolorowych, eterycznych pociągnięciach pędzla, tak jak wielu męskich artystów impresjonistycznych uczyniło to z światłem kilka dekad wcześniej. Dzięki abstrakcji kobiety mogły kwestionować idee 'żeńskiej' estetyki i wyłamać się z wcześniejszych schematów. Jednak znalezienie prawdziwej akceptacji w społeczności artystycznej pozostawało nieuchwytne – być może aż do teraz.
To, co jest niezwykłe wśród kobiet artystek abstrakcyjnych lat 30. i 40. XX wieku, to ich odporność i zaangażowanie w rzemiosło. Przez katastrofę gospodarczą i globalną wojnę znalazły sposoby, aby pozostać zainspirowane, zaangażowane i aktywne w swojej dziedzinie. W rezultacie ich prace i dziedzictwo przetrwały do dziś. Nie jest za późno, aby docenić osiągnięcia tych osób w tym niezwykłym okresie w historii.
Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney w Nowym Jorku zorganizowano wystawę, aby zbadać prace i osiągnięcia kilku amerykańskich artystek abstrakcyjnych w okresie przed- i powojennym. "Labirynt Form: Kobiety i Abstrakcja, 1930-1950" będzie dostępna do marca 2022 roku.
Przez Emelię Lehmann
Obraz wyróżniony: Lee Krasner (1908-1984), Martwa natura, 1938. Olej na papierze, 19 × 24 3/4 cala (48,3 × 62,9 cm). Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney, Nowy Jork; zakup na cześć Charlesa Simona, z funduszy przekazanych przez jego przyjaciół z Salomon Brothers z okazji jego 75. urodzin, oraz z funduszy anonimowego darczyńcy i Komitetu Rysunkowego 90.19. © 2021 Fundacja Pollock-Krasner/Prawa Artystów (ARS), Nowy Jork
