Monumentalna sztuka Louise Nevelson

W tym roku przypada 30. rocznica śmierci Louise Nevelson, artystki, która wywarła głęboki wpływ na sztukę XX wieku, a jej dziedzictwo wciąż rezonuje dzisiaj. Nevelson jest najbardziej znana ze swoich monochromatycznych kompozycji z drewna. Ich wyjątkowy estetyczny wyraz ma swoje korzenie częściowo w historii sztuki, a częściowo w wizualnym i materialnym języku Nowego Jorku — jej przybranego domu. Jej strategie kompozycyjne czerpią z kubizmu, który porównywała do religii, oraz z formalnych abstrakcyjnych teorii Hansa Hofmanna, który przez wiele lat był jej nauczycielem. Materialna obecność jej kompozycji wywyższa odrzucone aspekty życia miejskiego. Jakby wywołując rodzaj odwrotnego zrzucenia skóry, Nevelson zbierała połamane meble i gruz budowlany z chodników miasta i przekształcała je w monumentalne dzieła sztuki. Metamorfoza profanego odpadku w świętą sztukę jest niezaprzeczalna w dziełach takich jak „Sky Cathedral” (1958), które przyniosło Nevelson pierwsze uznanie krytyczne. Jeszcze głębsze jest to w instalacji o rozmiarach pokoju „Dawn’s Wedding Feast” (1959); dzieło ścienne otoczone kolumnami stojącymi na podłodze i wiszącymi oraz dwoma ikonicznymi totemami panny młodej i pana młodego, które nie tylko ustanowiło Nevelson jedną z czołowych artystek swojego pokolenia, ale także pomogło zapoczątkować dziedzinę sztuki instalacji. Szczególnie poruszające w jej dziełach jest to, że Nevelson w jakiś sposób napełniła je poczuciem intymności mimo ich monumentalnej skali. Dbała o to, by każdy pojedynczy element mógł wyrazić swoje istotne cechy w strukturze całości. W ten sposób stworzyła dzieła, które można odbierać obiektywnie lub które zapraszają widzów do bardziej osobistego doświadczenia. Na cześć życia i twórczości tej genialnej artystki przedstawiam moje dziewięć ulubionych cytatów Louise Nevelson — każdy cenny, ponieważ wyjaśnia jej pracę i odsłania wewnętrzne funkcjonowanie jej umysłu.

1. „Jeśli masz ramę wokół siebie, która nie pasuje do obrazu, to łamiesz ramę.”

Urodzona w 1899 roku w Pereiaslav-Khmelnytskyi na terenie dzisiejszej Ukrainy, Leah Berliawsky wyemigrowała do Stanów Zjednoczonych w 1905 roku, by uciec przed prześladowaniami religijnymi. Jako dziecko z zapałem zajmowała się sztuką, mimo zniechęcania ze strony rodziców. Po ślubie z Charlesem Nevelsonem w 1920 roku i urodzeniu syna dwa lata później zdała sobie sprawę, że nadal znajduje się w tej samej sytuacji co jako dziecko, tylko teraz to mąż i jego rodzina nakazywali jej porzucić sztukę, by być bardziej troskliwą matką i żoną. Zdała sobie sprawę, że jest w niewłaściwej ramie, więc w 1931 roku opuściła męża i syna i wyjechała, by studiować u Hansa Hofmanna.

2. „Sześcian skupia to i nadaje prawdziwą strukturę.”

Nevelson budowała wszystkie swoje kompozycje wokół podstawowej formy geometrycznej — sześcianu. Bez względu na to, ile kawałków drewna łączyła w kompozycję, ani jak bardzo fragmenty mogły wyglądać na rozczłonkowane, sześciany zawsze spajały kompozycję, zarówno wizualnie, jak i fizycznie.

3. „Czerń obejmuje wszystkie kolory. To nie jest zaprzeczenie.”

Większość dzieł Nevelson to czarne monochromy. Wielu krytyków błędnie rozumiało jej użycie tego koloru, sugerując, że stara się wymazać przeszłe życie swoich materiałów. Ona jednak nalegała, że czerń jest kolorem włączającym, który pozwala każdemu oddzielnemu elementowi zachować swoją podstawową istotę, jednocześnie wchłaniając się w ducha całości. Powiedziała też, że kolor czarny nadaje jej dziełom „arystokratyczny” wygląd.

Louise Nevelson - Bez tytułu, ok. 1976. Konstrukcja z drewna malowanego na czarno. 94 × 36 × 16 3/4 cala; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nowy Jork. © 2018 Fundusz Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

4. „Robienie tego w moim stylu jest o wiele bardziej bezpośrednie. To natychmiastowe, prawdziwe i obecne.”

Po latach rysowania i malowania obrazów ze złamanych rzeczy Nevelson zdała sobie sprawę, że użycie samego odpadku wprowadzi do jej pracy materialną prawdę, a także obdarzy ją emocjonalnym śladem dawnych skojarzeń z tym, czym kiedyś były użyte materiały.

5. „To praca i ja, to nie ja i publiczność. Publiczność jest odbiciem.”

Nevelson zaczęła tworzyć wielkoformatowe rzeźby publiczne w latach 70. XX wieku, używając materiałów takich jak plastik i stal Cor-Ten. Krytycy kwestionowali sens tych dzieł, które wyglądały i odbierane były zupełnie inaczej niż jej drewniane kompozycje. Odrzucała ich krytykę, podkreślając swoje autonomiczne prawo jako artystki do tworzenia dowolnego rodzaju dzieł.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patynowane drewno. 12 × 9 × 7 cali; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Fundusz Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

6. „Jedyną rzeczywistością, którą uznaję, jest moja własna rzeczywistość.”

Nevelson stawiła czoła kontrolującym rodzicom, dominującemu małżonkowi, seksistowskim krytykom, lekceważącym kuratorom i nieświadomym widzom. Ignorowała organizacje społeczne takie jak „The Club”, wybierając życie outsiderki świata sztuki. Pomimo wszystkich, którzy w nią wątpili i ją zniechęcali, odniosła sukces. Ten cytat wyjaśnia dlaczego.

7. „Daje nam miejsce, by poruszać się przez trzy wymiary, w czwarty i dalej. To naprawdę miejsce, gdzie przechodzi się przez materię do ducha.”

Nevelson nie określała siebie ani jako malarkę, ani rzeźbiarkę, lecz jako architektkę budującą światłem i cieniem. Jej miłość do kubizmu inspirowała ją do tworzenia dzieł, które nagradzają ruch — wyraz czwartego wymiaru. Interesowało ją tworzenie środowisk, do których mogły podróżować zarówno ciało, jak i umysł.

Louise Nevelson - Bez tytułu, 1985. Drewno malowane na czarno. 44 × 22 × 17 1/5 cala; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Fundusz Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

8. „Kiedy tworzysz, pojawia się dodatkowa energia, która przewyższa wszystko inne.”

Nevelson była znana jako artystka prywatna i zdyscyplinowana. Wierzyła, że emocje oferowane przez inne rzeczy bledną w porównaniu z przypływem, jaki odczuwała w swoim atelier. Kiedy jej teraz słynna instalacja „Dawn’s Wedding Feast” miała premierę na wystawie „Sixteen Americans” w MoMA, powiedziała, że częściowo symbolizuje ona jej związek z pracą.

9. „To nie jest sposób, w jaki żyję, lecz jak kończę swoje życie.”

Gdy Nevelson była młoda, jej rodzina zniechęcała ją do zostania artystką, mówiąc, że nie zapewni jej to wygodnego życia. Już wtedy wiedziała, że będzie mogła zaznać spokoju dopiero po śmierci, jeśli pozostanie wierna sobie.

Zdjęcie główne: Louise Nevelson - Makieta do Night Wall VI, 1977-1979. Spawana stal malowana na czarno. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 cala; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Fundusz Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio