Monumentalna sztuka Louise Nevelson

W tym roku przypada 30. rocznica śmierci Louise Nevelson, artystki, która głęboko wpłynęła na sztukę XX wieku, a jej dziedzictwo wciąż rezonuje dzisiaj. Nevelson jest najbardziej znana ze swoich monochromatycznych kompozycji z drewna. Ich unikalny estetyczny głos jest częściowo zakorzeniony w historii sztuki, a częściowo w wizualnym i materialnym języku Nowego Jorku — jej przybranego domu. Jej strategie kompozycyjne czerpią z kubizmu, który porównywała do religii, oraz z formalnych teorii abstrakcyjnych Hansa Hofmanna, który był jej nauczycielem przez wiele lat. Materialna obecność jej kompozycji uwydatnia odrzucone aspekty życia miejskiego. Jakby inicjując rodzaj odwrotnej ekdyzy, Nevelson zbierała złamane kawałki mebli i gruz budowlany z chodników miasta i przekształcała je w monumentalne dzieła sztuki. Metamorfoza profanacyjnego detrytu w świętą sztukę jest niezaprzeczalna w takich dziełach jak „Sky Cathedral” (1958), utworze, który po raz pierwszy przyciągnął uwagę krytyków do Nevelson. Jest to jeszcze bardziej głębokie w instalacji wielkości pokoju „Dawn’s Wedding Feast” (1959); dzieło ścienne otoczone kolumnami montowanymi na podłodze i wiszącymi oraz dwoma ikonicznymi totemami panny młodej i pana młodego, to dzieło nie tylko ustanowiło Nevelson jako jedną z wiodących artystek swojego pokolenia, ale także pomogło w pionierskim rozwoju sztuki instalacji. To, co jest szczególnie poruszające w jej pracach, to fakt, że Nevelson w jakiś sposób nasyciła je poczuciem intymności pomimo ich monumentalnej skali. Zadbala, aby każdy pojedynczy element mógł wyrazić swoje istotne cechy w ramach struktury całości. W tym procesie stworzyła dzieła, które można podziwiać obiektywnie lub które mogą zapraszać widzów do bardziej osobistego doświadczenia. W hołdzie dla życia i twórczości tego geniusza, oto moje dziewięć ulubionych cytatów Louise Nevelson — każdy z nich cenny za sposób, w jaki wyjaśnia jej pracę i ujawnia wewnętrzne mechanizmy jej umysłu.

1. "Jeśli masz ramę wokół siebie, która nie pasuje do obrazu, to łamiesz ramę."

Urodzona w 1899 roku w Perejasławiu-Chmielnickim w dzisiejszej Ukrainie, Leah Berliawsky imigrowała do Stanów Zjednoczonych w 1905 roku, aby uciec przed prześladowaniami religijnymi. Jako dziecko z zapałem zajmowała się sztuką, mimo zniechęcenia ze strony rodziców. Po poślubieniu Charlesa Nevelsona w 1920 roku i urodzeniu syna dwa lata później, zdała sobie sprawę, że wciąż znajduje się w tej samej sytuacji, co jako dziecko, z tą różnicą, że teraz to jej mąż i jego rodzina namawiali ją do porzucenia sztuki, aby być bardziej troskliwą matką i żoną. Zdała sobie sprawę, że jest w złej sytuacji, Nevelson opuściła męża i syna w 1931 roku i wyjechała, aby uczyć się u Hansa Hofmanna.

2. "Sześcian skupia to i nadaje mu jego prawdziwą strukturę."

Nevelson zbudowała wszystkie swoje assemblage wokół podstawowej formy geometrycznej sześcianów. Niezależnie od tego, ile kawałków drewna złożyła w assemblage, ani jak rozdzielone mogły wyglądać te kawałki po złożeniu, sześciany zawsze trzymały kompozycję razem, zarówno wizualnie, jak i fizycznie.

3. "Czarny obejmuje wszystkie kolory. To nie jest negacja."

Większość prac Nevelson to czarne monochromy. Wielu krytyków źle zrozumiało jej użycie tego koloru, sugerując, że próbowała wyeliminować przeszłe życie swoich materiałów. Zamiast tego, nalegała, że czarny jest kolorem inkluzywnym, który pozwala każdemu oddzielnemu elementowi pracy zachować swoją fundamentalną istotę, a jednocześnie wchłonąć się w ducha całości. Powiedziała również, że kolor czarny sprawia, że jej prace wyglądają "arystokratycznie."

Louise Nevelson - Bez tytułu, ok. 1976. Malowane czarne drewno. 94 × 36 × 16 3/4 in; 238.8 × 91.4 × 42.5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nowy Jork. © 2018 Spadek po Louise Nevelson/Prawa Artystów (ARS), Nowy Jork

4. "To znacznie bardziej bezpośrednie, gdy robię to w mój sposób. To jest natychmiastowe, to jest prawdziwe i to jest tam."

Po spędzeniu lat na rysowaniu i malowaniu obrazów ze złamanymi rzeczami, Nevelson zdała sobie sprawę, że użycie samego detrytu wprowadzi do jej pracy materialną prawdę, oprócz obdarzenia jej emocjonalnym śladem przeszłych skojarzeń z tym, czym materiały kiedyś były.

5. "To jest praca i ja, to nie jest publiczność i ja. Publiczność jest odbiciem."

Nevelson zaczęła tworzyć rzeźby publiczne w dużej skali w latach 70. używając materiałów takich jak plastik i stal Cor-Ten. Krytycy kwestionowali znaczenie jej prac, które miały zupełnie inny wygląd i odczucie niż jej drewniane assemblage. Odrzuciła ich krytykę, twierdząc, że ma autonomiczne prawo jako artystka do tworzenia dowolnego rodzaju dzieł.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patynowane drewno. 12 × 9 × 7 cali; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Spadek po Louise Nevelson/Prawa Artystów (ARS), Nowy Jork

6. "Jedyną rzeczywistością, którą uznaję, jest moja własna rzeczywistość."

Nevelson stawiła czoła kontrolującym rodzicom, kontrolującemu małżonkowi, seksistowskim krytykom, lekceważącym kuratorom i ignorantom wśród widzów. Ignorowała organizacje społeczne takie jak „Klub”, wybierając zamiast tego życie outsidera w świecie sztuki. Pomimo wszystkich, którzy wątpili i zniechęcali ją, odniosła sukces. Ten cytat wyjaśnia dlaczego.

7. "Daje nam miejsce, aby poruszać się przez trzy wymiary, w czwarty i dalej. To naprawdę jest miejsce, gdzie przechodzisz przez materię w ducha."

Nevelson opisała siebie nie jako malarkę ani rzeźbiarkę, lecz jako architektkę budującą z cienia i światła. Jej miłość do kubizmu inspirowała ją do tworzenia dzieł, które nagradzały ruch—wyraz czwartej wymiaru. Interesowała się tworzeniem środowisk, w które mogłyby podróżować zarówno ciało, jak i umysł.

Louise Nevelson - Bez tytułu, 1985. Drewno pomalowane na czarno. 44 × 22 × 17 1/5 cali; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Spadek po Louise Nevelson/Prawa Artystów (ARS), Nowy Jork

8. „Kiedy tworzysz, jest dodatkowa energia, która przewyższa wszystko inne.”

Nevelson była notorycznie prywatną i zdyscyplinowaną artystką. Wierzyła, że emocje oferowane przez rzeczy inne niż praca twórcza bledną w porównaniu do ekscytacji, jaką czuła w swoim studiu. Kiedy jej teraz słynna instalacja „Dawn’s Wedding Feast” miała premierę na wystawie „Sixteen Americans” w MoMA, powiedziała, że częściowo symbolizuje ona jej małżeństwo z jej pracą.

9. "To nie jak żyję, to jak kończę swoje życie."

Kiedy Nevelson była młoda, jej rodzina zniechęcała ją do zostania artystką, mówiąc jej, że nie zapewni jej to wygodnego stylu życia. Nawet wtedy wiedziała, że tylko wtedy będzie mogła zaznać spokoju po śmierci, jeśli pozostanie wierna sobie.

Obraz wyróżniający: Louise Nevelson - Makieta dla Night Wall VI, 1977-1979. Spawana stal malowana na czarno. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 cali; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Spadek po Louise Nevelson/Prawa Artystów (ARS), Nowy Jork.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio