Elementos da Abstração - Elizabeth Gourlay em uma Entrevista

Elizabeth Gourlay considera seu trabalho uma meditação sobre formas e cores, às vezes comparando sua prática no ateliê ao processo de compor música. Usando uma mistura de técnicas que vão desde óleos até grafite e colagem, Gourlay cria composições abstratas que fazem referência a um vocabulário estético sublimemente equilibrado entre a natureza e a geometria. Residente de Chester, Connecticut, Gourlay tem obras em quatro exposições coletivas este mês, em Nova York, Connecticut e Massachusetts. A IdeelArt teve a oportunidade de conversar com ela sobre sua prática, seu calendário de exposições e seu novo conjunto de trabalhos.

Entrevista com Elizabeth Gourlay - Exposições e Atividades Recentes

IdeelArt: Você está tendo um mês movimentado! Este mês você participa de quatro exposições coletivas em quatro cidades diferentes. Quando você se encontra em um momento assim, em que muitos espectadores diferentes têm a oportunidade de conhecer seu trabalho, você ainda arranja tempo para se manter ativa no ateliê ou prefere estar nas galerias interagindo com esses espectadores e absorvendo suas reações ao seu trabalho?

Elizabeth Gourlay: Esta é a primeira vez que tenho tanta atividade ao mesmo tempo. É empolgante, mas estou tão acostumada a dedicar atenção total a exposições individuais que agora tive que perder uma abertura para comparecer a outra. Mas, uma vez que a obra é entregue, o tempo volta a ser meu. Embora eu fique extremamente ansiosa para voltar ao ateliê mesmo após um curto período de atividades que me afastam, também gosto da interação que acontece na galeria, conversando com outros artistas e amigos durante as aberturas e outros eventos. A arte abstrata é uma linguagem, e conversar com os espectadores, especialmente artistas e amigos durante os eventos, fortalece a resiliência nas novas expressões que estamos descobrindo.

IA: Você tem exposições este mês em locais rurais idílicos, como a Tremaine Gallery em Lakeville, CT, assim como em centros urbanos densamente povoados, como a 1285 Avenue of the Americas Gallery, em Midtown Manhattan. De que maneiras os espectadores em ambientes tão diferentes responderam de forma distinta ao seu trabalho?

E.G. Em ambos os casos, o público era visualmente sofisticado e parecia engajado e positivo. Em Nova York, eles geralmente eram mais expressivos, fazendo perguntas e manifestando opiniões com mais facilidade. Acho que os espectadores em Nova York tendiam a se aproximar mais das obras!

IA: De que forma as conversas ou outros tipos de interação com os espectadores influenciaram a direção da sua prática?

E.G. Eu tento não me deixar influenciar pelas reações dos espectadores, embora, inevitavelmente, se a resposta for positiva a uma nova direção que me entusiasma no trabalho, isso tende a me incentivar a continuar explorando esse caminho. É sempre interessante experimentar as diferenças de opinião e entender como e por que as pessoas são atraídas por diferentes obras.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipia em papel. 40,6 x 38,1 cm.

Passado e Presente

IA: Como o trabalho que você faz hoje é diferente do que você fez no passado? 

E.G. Meu trabalho, desde cerca de 1994, era muito frequentemente baseado em grades e em formato quadrado. Era construído em camadas de lavagens e linhas desenhadas. Por volta de 2005, comecei a brincar com formas geométricas muito mais ousadas e cores saturadas. Desde então, tenho ido e voltado entre formas e cores fortes e marcantes e trabalhos mais delicados e suaves, ocasionalmente combinando os dois. As peças geralmente começam de forma semelhante, mas podem terminar de maneira muito diferente. Provavelmente a maior mudança é a liberdade que me permito no processo de criação.

IA: Você às vezes menciona meditação ao falar sobre seu trabalho. Poderia explicar o que essa palavra significa em relação à sua arte? Por exemplo, você considera o processo de fazer a obra como algo meditativo? Você considera o produto final um possível intermediário meditativo para os espectadores? 

E.G. Eu considero o processo meditativo. Tento não levar muitas ideias para o ateliê, talvez uma ideia de cor ou de forma. Ao começar a trabalhar, deixo o olhar interior, a mente inconsciente, responder à obra e me guiar para capturar o elemento mental ilusório que pode estar distante e, ao mesmo tempo, tão presente. Normalmente, meu melhor trabalho acontece quando meu pensamento está desimpedido, quando estou em sintonia com a obra. Seja desenhando diretamente ou aplicando camadas de lavagens, gosto da experiência de deixar a peça emergir. Não consigo expressar melhor do que Paul Klee, que disse: “minha mão é inteiramente o instrumento de uma esfera mais distante.” Não trabalho com a intenção de criar algo para a experiência de outro, mas estou aberta à reação e interpretação deles. Já ouvi pessoas que convivem com o trabalho dizerem que olhar para a obra lhes traz paz, alegria calma, ou que a peça é um ponto de apoio. Portanto, tenho certeza de que considerar as peças finalizadas como intermediárias meditativas é muito válido, mas deixarei que aqueles que vivem com as peças e os especialistas em mente e meditação façam a melhor avaliação. Se um ícone, ou intermediário meditativo, é um objeto que traz uma alegria calma ou uma paz que dá firmeza, então sim, frequentemente me dizem que minhas peças têm esses efeitos.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipia em papel. 38,1 x 40,6 cm.

Sobre o Processo

IA: Wassily Kandinsky escreveu sobre a música e sua capacidade de comunicar emoção em um nível abstrato. Você também faz conexões entre música e seu trabalho. Uma conexão que você faz é que seu vocabulário visual de linhas e cores pode ser interpretado como referência a escalas musicais. Quais são outras formas pelas quais seu processo ou suas obras compartilham semelhanças com a composição musical?      

EG: Eu não penso conscientemente em música ou composição musical. No entanto, o número de pessoas que fazem essa conexão com a música é tão grande que deve haver algo nessa analogia. Eu costumo ouvir música quando trabalho e aprendi a tocar piano quando criança, então isso pode influenciar o trabalho. Estou “compondo” de uma forma que pode parecer semelhante à composição musical, especialmente no processo de brincar com barras, linhas e blocos de cor. Movê-los pelo plano da imagem é muito parecido com ter notas e acordes em diferentes lugares numa partitura. 

IA: Fale um pouco sobre seu processo, especificamente a relação que você tem com a colagem. Por exemplo, de que maneiras o processo de sobrepor papéis em seu trabalho te afeta de forma diferente do processo de pintura? 

EG: Na maioria das vezes, meu processo de pintura, seja em papel ou linho, é muito direto. Normalmente, começo desenhando linhas, seguido por lavagens de cor, e depois elementos de forma. Tento me surpreender com uma forma forte e inesperada, ou uma cor fora da minha paleta habitual. Movo esses elementos, tentando equilibrar cor e forma. Essa etapa parece uma dança contínua, onde o formalismo aparece por um momento e eu resisto a ele. As decisões sobre incluir ou não as intrusões ousadas resultantes criam uma dinâmica que pode me manter envolvida com uma peça por semanas. As peças de colagem começam brincando com cor, manchando bordas com tinta e desenhando linhas em papel japonês, que depois corto em tiras. Colo essas tiras na tela ou no linho cuidadosamente, mas sem uma composição ou estrutura preconcebida em mente. Conforme a peça se desenvolve, começo a analisar para permitir que o editor volte à sala, ajustando cor ou forma até que a peça pareça correta.   

Imagem em destaque: Elizabeth Gourlay no ateliê