Elementos da Abstração - Elizabeth Gourlay em uma Entrevista

Elizabeth Gourlay considera seu trabalho uma meditação sobre formas e cores, às vezes comparando sua prática de estúdio ao processo de compor música. Usando uma mistura de meios que vão de óleos a grafite e colagem, Gourlay cria composições abstratas que fazem referência a um vocabulário estético sublimemente equilibrado entre a natureza e a geometria. Residente de Chester, Connecticut, Gourlay tem trabalhos em quatro exposições coletivas este mês, em Nova York, Connecticut e Massachusetts. A IdeelArt teve a oportunidade de conversar com ela sobre sua prática, seu calendário de exposições e seu novo corpo de trabalho.

Entrevista com Elizabeth Gourlay - Exposições e Atividades Recentes

IdeelArt: Você está tendo um mês agitado! Este mês você está em quatro exposições coletivas em quatro cidades diferentes. Quando você se encontra em um momento como este, quando muitos espectadores diferentes têm a oportunidade de conhecer seu trabalho, você ainda arruma tempo para continuar ativo no estúdio ou prefere estar nas galerias interagindo com esses espectadores e absorvendo suas reações ao seu trabalho?

Elizabeth Gourlay: Esta é a primeira vez que tenho tanta atividade de uma só vez. É emocionante, mas estou tão acostumado a dar atenção total a exposições individuais, que agora tive que perder uma abertura para ir a outra. Mas uma vez que a obra de arte é entregue, o tempo se torna meu. Embora eu esteja extremamente ansioso para voltar ao estúdio após até mesmo um curto período de atividade que me afasta, também aprecio a interação que acontece na galeria, conversando com outros artistas e amigos durante as aberturas e outros eventos da galeria. A arte abstrata é uma linguagem, e conversar com os espectadores, especialmente artistas e amigos durante os eventos, constrói um senso de resiliência nas novas expressões que estamos encontrando.

IA: Você tem exposições este mês em locais rurais idílicos, como a Tremaine Gallery em Lakeville, CT, assim como em centros urbanos densamente povoados, como a 1285 Avenue of the Americas Gallery, em Midtown Manhattan. Quais são as maneiras como os espectadores em ambientes dramaticamente diferentes responderam de forma diferente ao seu trabalho?

Por exemplo Em ambos os casos, o público era visualmente sofisticado e parecia engajado e positivo. Em Nova York, eles geralmente pareciam ser mais vocais, fazendo perguntas e expressando opiniões mais prontamente. Eu acho que os espectadores em Nova York tendiam a se aproximar mais das obras!

IA: De que maneiras as conversas ou outros tipos de interações com os espectadores afetaram a direção da sua prática?

Por exemplo "Eu tento não ser influenciado pelas reações dos espectadores, embora, inevitavelmente, se a resposta for positiva em relação a uma nova direção que me empolga no trabalho, isso tende a me influenciar a continuar explorando esse caminho. É sempre interessante vivenciar a diferença de opinião e como e por que as pessoas são atraídas por diferentes obras."

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotipo sobre papel. 40,6 x 38,1 cm.

Passado e Presente

IA: Como o trabalho que você está fazendo hoje é diferente do trabalho que você fez no passado? 

Por exemplo "Meu trabalho, a partir de 1994, era muito frequentemente baseado em grades e em um formato quadrado. Ele era construído em camadas de lavagens e linhas desenhadas. Por volta de 2005, comecei a brincar com formas geométricas muito mais ousadas e cores saturadas. Desde então, tenho alternado entre formas e cores ousadas e fortes e trabalhos que são mais delicados e suaves, ocasionalmente combinando os dois. As peças geralmente começam de uma maneira semelhante, mas podem terminar de forma muito diferente. Provavelmente, a maior mudança é a liberdade que me permito no processo de criação."

IA: Você às vezes menciona meditação ao discutir seu trabalho. Poderia elaborar sobre o que essa palavra significa em relação à sua arte? Por exemplo, você considera o processo de criação da obra como meditativo? Você considera o produto final como um potencial intermediário meditativo para os espectadores? 

Por exemplo Eu realmente considero o processo como meditativo. Eu tento não trazer muitas ideias para o estúdio, talvez uma ideia de cor ou uma ideia de forma. À medida que começo a trabalhar, deixo o olho interior, a mente inconsciente, responder ao trabalho e me guiar para capturar o elemento mental ilusório que pode ser distante e ainda assim tão presente. Normalmente, meu melhor trabalho acontece quando meu pensamento está desimpedido, quando estou em sintonia com o trabalho. Seja desenhando diretamente ou ao sobrepor lavagens, eu gosto da experiência de deixar a peça emergir. Não consigo expressar melhor do que Paul Klee, que disse: “minha mão é inteiramente o instrumento de uma esfera mais distante.” Eu não trabalho com a intenção de criar algo para a experiência de outra pessoa, mas estou aberto à reação e interpretação delas. Já tive pessoas que vivem com o trabalho frequentemente dizendo que olhar para a obra lhes traz paz, alegria calma, ou que a peça é aterradora. Portanto, tenho certeza de que considerar as peças finalizadas como intermediárias meditativas é muito válido, mas deixarei que aqueles que vivem com as peças e aqueles que são especialistas em mente e meditação façam a melhor avaliação. Se um ícone, ou intermediário meditativo, é um objeto que proporciona uma alegria calma, ou uma paz que é aterradora, então sim, frequentemente me dizem que minhas peças têm esses efeitos.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotipo sobre papel. 38,1 x 40,6 cm.

Sobre o Processo

IA: Wassily Kandinsky escreveu sobre música e sua capacidade de comunicar emoção em um nível abstrato. Você também faz conexões entre música e seu trabalho. Uma conexão que você faz é que seu vocabulário visual de linhas e cores pode ser interpretado como uma referência a escalas musicais. Quais são algumas outras maneiras que seu processo ou suas obras compartilham semelhanças com a composição musical?

POR EXEMPLO: Não estou pensando conscientemente em música ou composição musical. No entanto, o número de pessoas que faz essa conexão com a música é tão grande que deve haver algo na analogia. Eu ouço música, frequentemente, quando estou trabalhando e aprendi a tocar piano quando criança, então isso pode influenciar o trabalho. Estou “compondo” de uma maneira que pode parecer semelhante à composição musical, particularmente no processo de brincar com barras, linhas e blocos de cor. Mover esses elementos ao redor do plano da imagem é muito semelhante a ter notas e acordes em diferentes lugares em uma partitura. 

IA: Fale um pouco sobre seu processo, especificamente a relação que você tem com a colagem. Por exemplo, de que maneiras o processo de sobreposição de papel em seu trabalho te afeta de forma diferente do processo de pintura? 

POR EXEMPLO: Na maioria das vezes, meu processo de pintura, seja em papel ou linho, é muito direto. Normalmente, começo desenhando linhas, seguido por lavagens de cor, seguido por elementos de forma. Tento me surpreender com uma forma forte e inesperada, ou uma cor diferente da minha paleta habitual. Movo essas formas, tentando encontrar um equilíbrio entre cor e forma. Esta fase parece uma dança que está em andamento, onde o formalismo se infiltra por um tempo e onde eu me rebelo contra isso. As decisões sobre incluir ou não as intrusões ousadas resultantes são uma espécie de dinâmica que pode me manter envolvido com uma peça por semanas. As peças de colagem começam brincando com cor, manchando bordas com tinta e desenhando linhas em papel japonês e, em seguida, cortando isso em tiras. Eu colo essas tiras na tela ou no linho cuidadosamente, mas sem uma composição ou estrutura preconcebida em mente. À medida que a peça se desenvolve, começo a analisar para permitir que o editor volte à sala, para ajustar a cor ou a forma até que a peça pareça certa.   

Imagem em Destaque: Elizabeth Gourlay no estúdio