Figuras Chave do Movimento de Padrão e Decoração

O movimento Pattern and Decoration ocupa um lugar especial na história da arte contemporânea. Surgindo a partir do Movimento de Arte Feminista dos anos 1960, o Pattern and Decoration se declarou como uma espécie de “terceiro método” entre a figuração e a abstração. Os líderes do movimento reconheceram que o instinto de criar arte decorativa tem sido um aspecto essencial de toda cultura humana desde o início da civilização. No entanto, também perceberam que a civilização ocidental patriarcal, por algum motivo, em algum momento, adotou a postura de que as artes decorativas deveriam ser subjugadas como menos importantes e menos sérias do que outras chamadas Belas Artes. Os fundadores do Movimento Pattern and Decoration rejeitaram categoricamente essa suposição, declarando que sua abordagem formalista ao trabalho decorativo é igualmente relevante, significativa e historicamente importante quanto qualquer outra posição estética. A filosofia geral do movimento Pattern and Decoration foi exposta em 1978 por duas das fundadoras do movimento — Valerie Jaudon e Joyce Kozloff — em seu manifesto maravilhosamente bombástico, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Seu parágrafo inicial afirma: “Como feministas e artistas explorando o decorativo em nossas próprias pinturas, ficamos curiosas sobre o uso pejorativo da palavra ‘decorativo’ no mundo da arte contemporânea. Ao reler os textos básicos da Arte Moderna, percebemos que o preconceito contra o decorativo tem uma longa história e se baseia em hierarquias: arte fina acima da arte decorativa, arte ocidental acima da arte não ocidental, arte dos homens acima da arte das mulheres. Ao focar nessas hierarquias, descobrimos um sistema de crenças perturbador baseado na superioridade moral da arte da civilização ocidental.” Assim, os líderes do movimento se propuseram a relegar essas hierarquias ultrapassadas e inúteis ao lixo da história. O legado de seu trabalho é de beleza visceral e maravilha intelectual. Só agora, de fato, o público está absorvendo verdadeiramente o poder desse movimento vital e o papel que ele continua a desempenhar hoje em tornar o campo da arte contemporânea mais justo, mais aberto e mais completo.

Cinco Líderes do Movimento

Já em 1960, Miriam Schapiro abandonava as tendências estéticas dominantes da época em favor de descobrir uma voz visual única e pessoal, baseada em grande parte em sua identidade como mulher. Suas primeiras obras protofeministas foram seus “Santuários”, que atuavam como uma espécie de ponte santificada entre feminilidade, espiritualidade e a linguagem compartimentada modernista da grade. Ela continuou a criar vários outros corpos de trabalho distintamente feministas, incluindo seus monumentais “Leques” e uma série de obras abstratas geométricas de contornos rígidos que apresentam imagens ousadas e luminosas da simbologia feminina arquetípica. Em 1973, Schapiro participou de “Womanhouse”, uma das obras feministas mais importantes de todos os tempos. Ela também cunhou posteriormente o termo “Femmage” para seu método distinto de misturar técnicas das Belas Artes, como colagem e assemblage, com técnicas artesanais como costura.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acrílico, têxteis, papel sobre tela. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Espólio de Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff teve sua epifania sobre a diminuição histórica das artes decorativas após viver no México e depois visitar Marrocos e Turquia no início dos anos 1970. Inspirada por como as antigas tradições estéticas nesses lugares ainda estavam vivas e florescendo na vida cotidiana, ela perseguiu suas próprias ideias sobre esse tema em várias frentes diferentes. Começou a fazer pinturas em grande escala e instalações multimídia que empregavam métodos e materiais tradicionalmente atribuídos aos ofícios decorativos; juntou-se ao Coletivo Heresies, que participava de ações sociais feministas e publicava o jornal HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; e coescreveu o manifesto Pattern and Decoration mencionado anteriormente. Nas décadas desde a fundação do movimento, Kozloff tornou-se mais ativa no campo da arte pública e desenvolveu uma voz estética distinta fundada na ideia de mapeamento, tanto no sentido cartográfico quanto cultural.

Joyce Kozloff - If I Were a Botanist Mediterranean. 3 painéis de uma obra de 9 painéis. Acrílico, impressão digital arquivística a jato de tinta e colagem sobre tela. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Além de coescrever o manifesto Pattern and Decoration, Valerie Jaudon se estabeleceu como uma das vozes estéticas mais confiantes do movimento. Seu estilo distinto mistura marcas caligráficas com padrões e desenhos evocativos dos estilos decorativos do Oriente Médio. Além de suas pinturas e trabalhos em papel, Jaudon executou mais de uma dúzia de projetos públicos em grande escala, desde pisos embutidos, murais de teto até enormes instalações em parques públicos. O maior desses projetos é o monumental “Filippine Garden” (2004), um caminho de cimento nos terrenos do Tribunal Federal em St. Louis, Missouri. Sua composição é típica de sua obra na forma como parece ao mesmo tempo familiar e exótica; suas raízes, belamente incertas, se fundem perfeitamente ao ambiente natural e arquitetônico.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Óleo sobre tela. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Já no final dos anos 1960, Susan Michod começou a desenvolver uma posição estética no meio do caminho entre a abstração modernista e as tendências estéticas de várias tradições indígenas antigas. Seu trabalho transita entre essas duas perspectivas cooperativas, lembrando tanto o fascínio hipnótico da Op Art quanto os padrões geométricos sóbrios nativos das formas artísticas da América Central pré-colombiana. Além de suas contribuições como artista para o Movimento Pattern and Decoration, Michod foi cofundadora da Galeria Artemisia em Chicago, um espaço de exposições influente para artistas mulheres, onde luminárias como Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff e Nancy Spero, entre muitas outras, mostraram seus primeiros trabalhos.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acrílico sobre papel. 40 x 30 pol. © Susan Michod

Junto com Miriam Schapiro, Robert Kushner ajudou a organizar algumas das primeiras exposições do Pattern and Decoration. Kushner veio para o campo da arte vindo do mundo da ilustração publicitária, que deixou em 1961 após ver uma exposição do trabalho de Franz Kline. No entanto, levou alguns anos até que ele ganhasse confiança para desenvolver sua própria voz única. Depois de experimentar uma variedade de estilos, desde o Expressionismo Abstrato, ao Minimalismo, até a Pintura de Campo de Cor, ele eventualmente abandonou as tendências predominantes para dar um salto estilístico pessoal em 1972, aplicando “formas” feitas com estêncil em suas telas em um padrão “total”. Ao longo da década de 1970, essas pinturas com estêncil padronizado evoluíram para incluir mais imagens florais, abraçando um meio-termo entre celebrações formalistas da decoração e representações figurativas de jardins simétricos.

Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Acrílico, vários têxteis. 205 x 330,5 cm. Cortesia do Museu Ludwig – Museu de Arte Contemporânea, Budapeste, Doação Peter und Irene Ludwig / doação de Peter e Irene Ludwig. Foto: Museu Ludwig – Museu de Arte Contemporânea, Budapeste. © Robert Kushner

Imagem em destaque: Susan Michod - Sem título, 1977. Aquarela sobre papel. 30 pol. x 22,5 pol. (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery em Long Island City, NY. © Susan Michod
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio