Figuras Chave do Movimento de Padrão e Decoração
O movimento Padrão e Decoração ocupa um lugar especial na história da arte contemporânea. Emergindo do Movimento de Arte Feminista dos anos 1960, o Padrão e Decoração declarou-se como uma espécie de "terceiro método" entre a figuração e a abstração. Os líderes do movimento reconheceram que o instinto de criar arte decorativa tem sido um aspecto essencial de toda cultura humana desde o início da civilização. No entanto, eles também perceberam que a civilização ocidental patriarcal, por algum motivo, em algum momento, adotou a postura de que as artes decorativas deveriam ser subjugadas como menos importantes e menos sérias do que outras chamadas Artes Finais. Os fundadores do Movimento Padrão e Decoração rejeitaram categoricamente essa suposição, declarando que sua abordagem formalista ao trabalho decorativo é igualmente relevante, significativa e historicamente importante como qualquer outra posição estética. A filosofia abrangente do movimento Padrão e Decoração foi exposta em 1978 por duas das fundadoras do movimento—Valerie Jaudon e Joyce Kozloff—em seu manifesto maravilhosamente bombástico, Noções Histericamente Artísticas de Progresso e Cultura. Seu parágrafo de abertura afirma: "Como feministas e artistas explorando o decorativo em nossas próprias pinturas, estávamos curiosas sobre o uso pejorativo da palavra 'decorativo' no mundo da arte contemporânea. Ao reler os textos básicos da Arte Moderna, percebemos que o preconceito contra o decorativo tem uma longa história e é baseado em hierarquias: arte fina acima da arte decorativa, arte ocidental acima da arte não ocidental, arte de homens acima da arte de mulheres. Ao focar nessas hierarquias, descobrimos um sistema de crenças perturbador baseado na superioridade moral da arte da civilização ocidental." Assim, os líderes do movimento se propuseram a consignar essas hierarquias ultrapassadas e inúteis ao monte de cinzas da história. O legado de seu trabalho é um de beleza visceral e maravilha intelectual. Somente agora, de fato, o público está realmente absorvendo o poder deste movimento vital e o papel que continua a desempenhar hoje em tornar o campo da arte contemporânea mais equitativo, mais mente aberta e mais completo.
Cinco Líderes do Movimento
Já em 1960, Miriam Schapiro estava abandonando as tendências estéticas dominantes da época em favor de descobrir uma voz visual pessoal e única, baseada em grande parte em sua identidade como mulher. Suas primeiras obras proto-feministas foram seus “Santuários”, que atuavam como uma espécie de ponte santificada entre feminilidade, espiritualidade e a linguagem modernista compartimentada da grade. Ela continuou a criar vários outros corpos de trabalho distintivamente feministas, incluindo seus monumentais “Leques”, e uma série de obras abstratas geométricas de bordas duras que apresentam imagens ousadas e luminosas de simbolismo feminino arquetípico. Em 1973, Schapiro participou de “Womanhouse”, uma das mais importantes obras de arte feminista de todos os tempos. Ela também mais tarde cunhou o termo “Femmage” para seu método distintivo de mesclar técnicas de Arte Fine como colagem e assemblagem com técnicas de artesanato como costura.
Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acrílico, têxteis, papel sobre tela. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Estate of Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.
Joyce Kozloff teve sua epifania sobre o diminuto histórico das artes decorativas após viver no México e depois visitar Marrocos e Turquia no início da década de 1970. Inspirada por como as antigas tradições estéticas nesses lugares ainda estavam vivas e prosperando na vida cotidiana, ela perseguiu suas próprias ideias sobre esse tema em várias frentes diferentes. Ela começou a fazer pinturas em grande escala e instalações multimídia que empregavam métodos e materiais tradicionalmente atribuídos a ofícios decorativos; ela se juntou ao Coletivo Heresies, que participou de ações sociais feministas e publicou o jornal HERESIES: Uma Publicação Feminista sobre Arte e Política; e co-escreveu o manifesto mencionado Pattern and Decoration. Nas décadas desde a fundação do movimento, Kozloff se tornou mais ativa no campo da arte pública e desenvolveu uma voz estética distinta baseada na ideia de mapeamento, tanto em um sentido cartográfico quanto cultural.
Joyce Kozloff - Se Eu Fosse uma Botânica Mediterrânea. 3 painéis de uma obra de 9 painéis. Acrílico, impressão digital arquivística em jato de tinta, e colagem sobre tela. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff
Além de co-escrever o manifesto Pattern and Decoration, Valerie Jaudon se estabeleceu como uma das vozes estéticas mais confiantes do movimento. Seu estilo distinto combina marcas caligráficas com padrões e designs evocativos de estilos decorativos do Oriente Médio. Além de suas pinturas e obras em papel, Jaudon executou mais de uma dúzia de projetos públicos em grande escala, desde pisos incrustados, até murais de teto, até enormes instalações em parques públicos. O maior desses projetos é o monumental “Filippine Garden (2004), um caminho de cimento nos terrenos do Tribunal Federal em St. Louis, Missouri. Sua composição é típica de sua obra na maneira como parece ao mesmo tempo familiar e exótica; suas raízes são lindamente obscuras, e se funde perfeitamente ao ambiente natural e arquitetônico.
Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Óleo sobre tela. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.
Já no final da década de 1960, Susan Michod começou a desenvolver uma posição estética que se situava entre a abstração modernista e as tendências estéticas de várias tradições indígenas antigas. Seu trabalho transita entre essas duas perspectivas cooperativas, evocando tanto a maravilha hipnótica da Op Art quanto os padrões geométricos sombrios nativos das formas de arte da América Central pré-colombiana. Além de suas contribuições ao Movimento de Padrão e Decoração como artista, Michod foi co-fundadora da Artemisia Gallery em Chicago, um espaço de exposição influente para artistas femininas, onde luminares como Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff e Nancy Spero, entre muitos outros, exibiram seus trabalhos iniciais.
Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acrílico sobre papel. 40 x 30 pol. © Susan Michod
Juntamente com Miriam Schapiro, Robert Kushner ajudou a organizar algumas das primeiras exposições de Padrão e Decoração. Kushner veio para o campo da arte a partir do mundo da ilustração publicitária, que deixou em 1961 após ver uma exposição do trabalho de Franz Kline. No entanto, levou alguns anos até que ele ganhasse a confiança para desenvolver sua própria voz única. Depois de experimentar uma variedade de estilos, desde o Expressionismo Abstrato, até Minimalismo, até Pintura de Campo de Cor, ele eventualmente abandonou as tendências predominantes para dar um salto estilístico pessoal em 1972, aplicando “formas” estêncil em suas telas em um padrão “all-over”. Ao longo da década de 1970, essas pinturas em estêncil padronizadas evoluíram para incluir mais imagens florais, abraçando um meio-termo entre celebrações formalistas da decoração e representações figurativas de jardins simétricos.
Robert Kushner - Folhas Rosas, 1979. Acrílico, vários têxteis. 205 x 330,5 cm. Cortesia do Museu Ludwig – Museu de Arte Contemporânea, Budapeste, doação de Peter e Irene Ludwig. Foto: Museu Ludwig – Museu de Arte Contemporânea, Budapeste. © Robert Kushner
Imagem em destaque: Susan Michod - Sem título, 1977. Aquarela sobre papel. 30 pol. x 22,5 pol. (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery em Long Island City, NY. © Susan Michod
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Barcio
