Por que Jackie Winsor é Eccentricamente Abstrata

A obra de Jackie Winsor oferece um contraponto perfeitamente maravilhoso às teorias acadêmicas sobre a abstração contemporânea. O debate que impulsiona a maioria das conversas atuais sobre arte abstrata inevitavelmente gira em torno da diferença entre a abstração pura — arte que não tem nenhuma relação com o chamado mundo real — e a abstração que é derivada ou abstraída de algo figurativo. Por mais de cinco décadas, Winsor tem criado obras que, em teoria, poderiam se encaixar em qualquer um dos lados desse debate. Por exemplo, a presença estranha de “Chunk Piece” (1970), um tronco enrolado de cânhamo, poderia ser considerada algo abstraído do mundo real, apesar de nada exatamente igual a ele existir na realidade. Enquanto isso, “Pink and Blue Piece” (1985), um cubo espelhado, poderia ser chamado de abstração formalista pura, já que é apenas uma forma geométrica simples repousando no espaço. No entanto, ambas as obras também poderiam ser descritas de inúmeras outras maneiras. O cubo supostamente formalista poderia ser figurativo, pois se assemelha a vários outros objetos do mundo real; e o tronco supostamente abstraído pode não ser abstrato de forma alguma — pode ser um objeto concreto e autorreferencial que existe apenas para expressar suas próprias qualidades. As esculturas que Winsor cria são tão excêntricas e individualistas que desconstroem completamente o debate sobre abstração. Elas existem fora da conversa, tornando-a irrelevante. Ainda assim, são tão convincentes em um nível visceral — tão sublimemente declarativas de algo essencial, mas além do nosso intelecto — que não posso deixar de pensar que são essenciais para nossa compreensão da abstração. Como outros dois visionários de sua geração — Richard Serra e Eva Hesse — Winsor representa a promessa de que a arte abstrata pode ser simultaneamente inimaginavelmente esotérica e inegavelmente humana.

Existir teimosamente

Em 1979, aos 37 anos, Winsor recebeu uma exposição individual no Museu de Arte Moderna de Nova York. A exposição apresentou 24 obras. No ensaio do catálogo da mostra, Winsor foi descrita como “uma das escultoras jovens mais talentosas da atualidade.” O ensaio, no entanto, não esclarece exatamente o que fez os curadores considerarem o trabalho de Winsor tão importante. Evitando todo exagero, simplesmente aponta sobre a obra “sua objetualidade ou, como Ellen Johnson, citando Rilke, coloca, sua ‘existência teimosa.’” As peças da exposição do MoMA compartilhavam uma qualidade universal melhor descrita como comunicativa de um esforço meticuloso e prolongado: eram evidências de trabalho. “Bound Square” (1972) parece tão básico quanto uma simples moldura de madeira, mas os quilômetros de corda enrolados em seus cantos desmentem o fato de que Winsor passou inúmeras horas metodicamente amarrando a peça. “Four Corners” (1972) é uma simples disposição de quatro formas redondas no chão, mas quantas horas foram gastas para enrolar as bolas em forma? Da mesma forma, os inúmeros pregos cravados na superfície de madeira de “Nail Piece” (1970) sugerem uma qualidade maníaca, enquanto “30 to 1 Bound Trees” (1971-72), com título autorreferencial, parece interrogar o valor de todo trabalho humano em relação à natureza.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Madeira e corda. 1,91 x 1,93 x 0,37 m. Fundação Joseph G. Mayer, Inc., em homenagem a James Thrall Soby e Fundo Grace M. Mayer em homenagem a Alfred H. Barr, Jr. Coleção MoMA. © 2019 Jackie Winsor

A primeira reação que alguém pode ter ao encontrar esculturas como “Bound Square,” “Four Corners,” “Nail Piece” e “30 to 1 Bound Trees” é admirar a simplicidade abstrata das formas. Talvez, em segundo lugar, sinta uma atração visceral pela fisicalidade crua dos materiais — a madeira, o cânhamo e o metal. Mas é no processo de finalmente imaginar o esforço que foi necessário para criar as esculturas que nossa conexão humana com essas formas e materiais atinge seu ápice. É então que percebemos que as simples formas geométricas não foram escolhidas apenas por suas qualidades formais abstratas, mas porque se prestam melhor ao trabalho repetitivo e monótono. Imaginar a sensação de segurar a madeira, o cânhamo, o martelo e os pregos nas mãos, hora após hora, conecta as esculturas à nossa humanidade de carne e osso. As peças, de fato, existem teimosamente apesar da nossa capacidade de descrevê-las, validá-las ou atribuir-lhes significado; elas também ocupam teimosamente um território intelectual, celebrando com sua existência a natureza inerentemente bela, porém desconcertante, de todo esforço.

Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Cimento, madeira queimada e tela de arame. 86,1 x 86,4 x 86,4 cm. Doação de Agnes Gund. Coleção MoMA. © 2019 Jackie Winsor

O fim dos rótulos

Um dos rótulos mais duvidosos frequentemente atribuídos a Winsor é “Arte do Processo,” que é uma forma de descrever fenômenos estéticos para os quais o objeto final não é importante — o que importa é o processo de criação. O que confunde as pessoas, sem dúvida, sobre Winsor é que o processo é tão obviamente vital para suas criações. De fato, nada do que ela faz poderia existir sem que ela inventasse frequentemente processos inteiramente novos, que incorporam métodos e técnicas inéditos, talvez específicos apenas para a criação de uma determinada escultura. Por mais importantes que sejam seus processos, o objeto final continua sendo vital. Sim, ele é o resultado do processo e a validação do processo, mas também é a razão de ser do processo. Sem a visão que Winsor teve para um objeto, existindo teimosamente no espaço e no tempo reais, o processo não teria razão para existir.

Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973. Compensado. 19,1 x 121,9 x 121,9 cm. Doação da Fundação Gilman em memória de J. Frederic Byers III. Coleção MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Outro rótulo frequentemente atribuído a Winsor é Pós-Minimalismo. Esse rótulo, também, tem pouca relação com seu trabalho. A arte pós-minimalista usa o minimalismo como ponto de partida ou referência, mas não abraça todas as suas crenças conceituais. Winsor se destaca dessa descrição confusa e de todos os outros rótulos mal formulados. Como Marcel Duchamp, ela é um movimento artístico de uma só pessoa. Ela traz esculturas à existência que falam com confiança sobre o que significa ter presença; conter textura; ocupar espaço; ser o resultado de trabalho. Ela faz arte que declara que tem tanto direito de estar aqui quanto qualquer pedra, árvore ou criatura. Suas esculturas não precisam ser validadas por teoria ou explicadas academicamente para reivindicar sua autonomia. Elas nos libertam da necessidade de categorizar ou mesmo entender. Tudo o que precisamos fazer para apreciar seu trabalho é simplesmente apreciá-lo pelo que ele inegavelmente é: concreto; abstrato; esotérico; excêntrico; e humano.

Imagem em destaque: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Cânhamo. 91,4 x 96,5 cm. Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio