O que aprendemos com os pioneiros do campo de cor?
Quando você pensa em Expressionismo Abstrato, o que vem à mente? Você imagina pintores lançando, gotejando, respingando e esfregando tinta em telas com gestos carregados de emoção? Embora a Pintura de Ação tenha sido uma parte enorme do Ab-Ex, havia um lado mais contido do movimento também. A pintura de Campo de Cor, como era chamada, envolvia superfícies planas e não-pintadas compostas de espaço colorido. Nas pinturas de Campo de Cor, a personalidade do artista é menos visível do que nas Pinturas de Ação. Enquanto os Pintores de Ação transmitiam suas próprias maquinações subconscientes através de seu trabalho, os pintores de Campo de Cor criavam obras que ofereciam aos espectadores uma arena para experimentar suas próprias revelações.
Abstração Pós-Pintural
O termo “pictórico” refere-se a qualidades que a superfície de uma pintura pode ter, como pinceladas e textura, qualidades que tornam a mão do artista óbvia na obra. Por exemplo, uma pintura que apresenta camadas de tinta aplicadas de forma espessa, nas quais as pinceladas são claramente visíveis e a técnica individual do pintor é óbvia, pode ser considerada pictórica. Abstração Pós-Pictórica foi um movimento que surgiu na década de 1960, apresentando pintores que evitavam fazer obras pictóricas.
A frase Abstração Pós-Pictórica foi criada pelo crítico de arte Clement Greenberg, que a usou como título de uma exposição que estreou em 1964 no Museu de Arte do Condado de Los Angeles. Essa exposição apresentou 31 artistas, muitos dos quais estavam associados ao Expressionismo Abstrato. Enquanto os pintores expressionistas abstratos anteriores, como Jackson Pollock e Willem de Kooning, criavam imagens pictóricas nas quais suas técnicas individuais eram claramente óbvias nas qualidades de superfície das obras, os Abstracionistas Pós-Pictóricos criaram obras abstratas com superfícies planas onde a mão do artista não era óbvia.
Robert Motherwell- Elegia à República Espanhola No. 110, 1971, Acrílico com grafite e carvão sobre tela, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenciado por VAGA, Nova York, NY
Artistas do campo de cores
Entre os Abstracionistas Pós-Pintura havia um grupo de pintores que ficou conhecido como os pintores do Campo de Cor. Seu nome se referia à tendência que esses artistas tinham de incorporar grandes áreas de cor em suas obras. Seus campos de cor podiam envolver completamente um espectador ao se inspecionar de perto uma obra de arte. Eles não eram apenas superfícies pintadas; eram também áreas nas quais a introspecção poderia ocorrer.
Os pintores do Campo de Cor foram revolucionários porque, em vez de usar a superfície como um fundo sobre o qual pintar um assunto, fizeram com que a própria superfície se tornasse o assunto. Eles evitaram formas em suas pinturas. Não havia imagem de nada presente. O fundo e o primeiro plano eram um só. Os campos de cor não tinham um contexto próprio, mas eram, na verdade, um lugar onde o espectador poderia se conectar com algo pessoal, talvez algo mítico, e transcender as limitações da imagem.
Frank Stella - Harran II, 1967, Tinta de polímero e tinta de polímero fluorescente sobre tela, 120 × 240 in, Museu de Young, São Francisco, © 2019 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque
Uma Arena Sobre Tela
O Expressionismo Abstrato considera a tela uma arena na qual algo pode ocorrer. Drama e emoção ocorrem nas obras dos Pintores de Ação. Enquanto os pintores de Campo de Cor também utilizam a tela como uma arena, em vez de seu próprio drama se desenrolando ali, é um lugar onde a introspecção do espectador pode contribuir, ou até mesmo criar inteiramente o drama que emerge. As pinturas de Campo de Cor puxam o espectador para dentro da obra, convidando-o a contemplar muito mais do que apenas a tinta, a cor e a superfície. Eles são convidados a contemplar a si mesmos, usando a arena da pintura como uma espécie de talismã nessa jornada pessoal.
A reflexão sustentada é necessária ao olhar para uma pintura de Campo de Cor. Em vez de experimentar uma carga imediata de uma Pintura de Ação, ou sentir harmonia em uma obra abstrata geométrica, ou perceber nostalgia, romance ou alegria em uma obra figurativa, os espectadores de pinturas de Campo de Cor devem olhar para dentro em busca de novas revelações. Mas a liberdade também pode ser um fardo. A angústia dos Pintores de Ação muitas vezes vem de sua total liberdade para expressar seus eu interiores. Com as pinturas de Campo de Cor, essa temida sensação de liberdade é passada ao espectador.
Campos de Emoção Não Objetiva
Embora tenha rejeitado o rótulo, Mark Rothko é considerado por muitas pessoas como o pintor de Color Field mais influente. As icônicas pinturas de Rothko consistem em faixas horizontais de cor, que se engajam de uma maneira amorfa, misturando-se em suas bordas. Suas pinturas às vezes consistem em tons brilhantes, como laranja, amarelo ou vermelho. Outras vezes, apresentam azuis, marrons e preto. Os espectadores que se deparam com essas pinturas muitas vezes são dominados por emoções, que vão desde excitação e alegria até seriedade e até desespero. Rothko disse sobre seu trabalho: "As pessoas que choram diante das minhas pinturas estão tendo a mesma experiência religiosa que eu tive quando as pintei."
Mark Rothko - Laranja e Amarelo, 1956, Óleo sobre tela, 180,3 x 231,1 cm, Albright
Tirolesas
Barnett Newman fez obras em uma veia semelhante à de Rothko, mas elas tiveram um efeito muito diferente nos espectadores. As pinturas de Campo de Cor de Newman apresentam faixas verticais de cor separadas por faixas de cor muito mais finas, às vezes chamadas de "zips". As pinturas zip de Newman às vezes apresentam um único zip, outras vezes vários. Às vezes, as bordas dos zips são nítidas, outras vezes se misturam com os campos de cor ao redor. A verticalidade das imagens de Newman e a presença dos zips criam uma resposta emocional muito diferente das obras de Rothko.
"Algo sobre os zíperes impede que o olhar se concentre por muito tempo em um único ponto. A linha vertical pode assumir uma qualidade antropomórfica, como se representasse uma figura ou uma pista. Ela atrai o olhar para si e depois o desvia novamente para os campos de cor. As obras de Newman transmitem uma sensação de bravura e parecem um pouco mais ansiosas do que as de Rothko por causa disso. Elas convidam a uma contemplação nervosa, altamente moderna."
Barnett Newman - Onement I, 1948, Óleo sobre tela e óleo sobre fita adesiva na tela, 27 1/4 x 16 1/4 polegadas (69,2 x 41,2 cm), © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque
União e Revelação
As pinturas do Campo de Cor de Clyfford Still possuem uma presença completamente diferente das de Rothko ou Newman. Os espaços coloridos nelas parecem estar em um estado de transformação ou evolução. Elas têm uma qualidade orgânica. Embora nenhuma forma específica esteja presente, as áreas parecem mudar e interagir, sugerindo a possibilidade de uma forma futura. Onde há uma sensação de estabilidade nas imagens que Rothko e Newman criaram, as pinturas de Still projetam mais uma sensação de mudança. Forças díspares se juntam nelas, sugerindo que o tempo para introspecção é limitado, já que tudo está em fluxo. Still disse sobre suas pinturas: “Estas não são pinturas no sentido usual; elas são vida e morte se fundindo em uma união temerosa. Quanto a mim, elas acendem um fogo; através delas eu respiro novamente, seguro um cordão dourado, encontro minha própria revelação.”
Clyfford Still - PH-971, 1957, óleo sobre tela, 113 1/4 pol. x 148 pol. x 2 1/4 pol., Coleção SFMoMA, © Cidade e Condado de Denver, Cortesia do Museu Clyfford Still / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque
Transbordamentos de Emoção
Helen Frankenthaler foi uma das pintoras de Color Field mais inovadoras. Ela desenvolveu uma técnica inovadora de manchar suas telas não preparadas, despejando tinta diluída diretamente na superfície. Ao despejar a tinta em vez de espalhá-la com uma ferramenta, ela evitou completamente qualquer sugestão da mão do artista e criou uma planura ainda mais plana. Ela também permitiu que a tinta se espalhasse e interagisse com a tela de maneiras inesperadas. As áreas manchadas foram permitidas a sangrar umas nas outras, a alterar-se mutuamente e a combinar-se entre si. O resultado da técnica de mancha de Frankenthaler foram imagens que comunicavam uma sensação de processos naturais orgânicos profundamente profundos.
Helen Frankenthaler - Canyon, 1965, Acrílico sobre tela, 44 x 52 pol, © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque
O Olhar Manchado
Morris Louis foi profundamente influenciado pela técnica de manchas de Frankenthaler, e ele a modificou para desenvolver sua própria abordagem estética característica. Assim como Frankenthaler, Louis também despejou tinta diluída em suas telas para alcançar o aspecto manchado, mas ele fez isso utilizando uma técnica característica cuidadosamente protegida que supostamente envolvia algo semelhante a dobrar a tela como um funil. Os campos de cor resultantes que Louis criou possuem uma qualidade estranha que atrai o espectador para um espaço de pensamento místico e introspectivo.
Morris Louis - Salient, 1954, Resina acrílica (Magna) sobre tela, 74 1/2 x 99 1/4 pol. (189,2 x 252,1 cm), © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque
Um Pouco Mais de Atmosfera
Baseando-se nas ideias de Frankenthaler e Louis, Jules Olitski desenvolveu sua própria técnica única para suas pinturas de Campo de Cor. Ele aplicava tinta em suas telas com uma pistola de spray, pulverizando levemente camadas de tinta sobre cada uma para criar campos de cor luminosos e atmosféricos que, mesmo hoje, parecem futuristas. O estilo característico de Olitski também era marcado por linhas de borda dura adicionadas perto das bordas externas da tela. Esse gesto de borda talvez previu o fim da pintura de Campo de Cor, pois parece quase reintroduzir a noção de assunto sendo apresentado dentro de uma moldura.
Jules Olitski - Patutsky no Paraíso, 1966, © Jules Olitski Estate/Licenciado por VAGA, Nova Iorque
Contemplação como o Legado Duradouro
Esses pioneiros do Campo de Cor conseguiram criar pinturas que podiam atuar não apenas como objetos de arte, mas também como intermediários para as experiências estéticas transcendentes de um espectador. Ao criar obras que não tinham outro assunto além da própria cor, eles alteraram a maneira como uma pintura poderia ser percebida e levaram a pintura a novos reinos míticos e espirituais. A contemplação é o legado duradouro dos pioneiros do Campo de Cor. Para muitos de nós, suas pinturas são talismãs, guiando-nos por caminhos para um estado de espírito mais introspectivo.
Imagem em destaque: Helen Frankenthaler - Montanhas e Mar, 1952, Óleo e carvão sobre tela não tratada e sem preparação, 86 3/8 × 117 1/4 pol (219,4 × 297,8 cm), © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park
