Escultura Minimalista como a Contemplação Pristina do Espaço

A escultura minimalista é definida por um conjunto de regras? O sucesso de uma escultura minimalista está relacionado às suas próprias propriedades ou depende de como ela interage com seu entorno? O crítico de arte Guillaume Apollinaire certa vez declarou que a escultura deve representar formas da natureza, caso contrário, seria arquitetura. O artista minimalista Robert Morris descreveu a escultura como ocupando a parte central de um contínuo de “coisas tridimensionais inúteis” que vão desde monumentos até ornamentos. Tirando o valor cômico, nenhuma dessas afirmações ajuda muito a entender a verdadeira e completa natureza da escultura, especialmente da escultura minimalista. Em vez de nos prender a definições acadêmicas, acreditamos que a escultura minimalista pode ser melhor compreendida mantendo a mente aberta e observando atentamente os artistas que foram pioneiros nesse caminho.

O Pai Fundador da Escultura Minimalista

Ronald Bladen demonstrou habilidade exemplar em desenho e pintura desde cedo. Mas foram suas obras escultóricas que lhe trouxeram fama e respeito. No início dos anos 1960, Bladen mudou sua prática, afastando-se das pinturas expressionistas abstratas que fazia e começou a criar objetos de madeira em grande escala. Algumas formas eram reconhecíveis, como um X gigante, e outras eram abstratas. Ele não especificava exatamente o que eram os objetos, apenas apontava que tentava fazer algo que tivesse “presença”.

Uma das primeiras esculturas minimalistas de Bladen foi chamada White Z. Ela não era geométrica nem figurativa. Era abstrata, monocromática, de bordas definidas e intrincada. Reagia à luz, era tátil e ficava no chão. Não foi reduzida de uma forma maior, mas sim construída a partir de formas menores. Possuía sua própria gestalt: um todo organizado que se tornava mais substancial do que a soma de suas partes.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

Em 1966, a obra de Bladen foi incluída na exposição Primary Structures, junto com Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin, Carl Andre e dezenas de outros artistas minimalistas. Essa exposição é considerada um momento definidor na história do Minimalismo. Bladen teve uma obra na mostra, uma escultura em três partes intitulada Three Elements.

A obra era quase monumental em escala. Transformava a própria natureza do espaço que ocupava. Espaço é apenas uma área dentro da qual as coisas existem e se movem. Three Elements criou novos espaços dentro de um espaço. Tornou-se espaço. Forçou a contemplação não apenas de sua própria forma, mas também da forma do ambiente e dos outros habitantes do seu entorno.

Ronald Bladen - Three Elements, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Valores Escultóricos

Apesar do inegável “algo” das esculturas de Bladen, alguns críticos e espectadores da época, e também alguns artistas, não as consideravam esculturas. As definições existentes de escultura pareciam não se aplicar ao que quer que fossem essas coisas. É exatamente por isso que essas obras foram tão revolucionárias e tão perfeitamente adequadas à teoria minimalista emergente da época. Elas exigiam uma redução das próprias definições de arte.

Em vez de definir uma escultura como algo figurativo, ou geométrico, ou algo esculpido em algum material ou fundido em outro, esses objetos exigiam uma explicação diferente. Eles redefiniram a escultura como algo caracterizado não pelo que é, mas pelo que não é. Uma pintura é um objeto estético que consiste em uma superfície que serve de suporte para a tinta, cujo propósito está contido ou é comunicado pela tinta na superfície. Arquitetura é uma estrutura destinada à habitação. Uma escultura não é nenhuma das duas. É um objeto estético que não é pintura nem arquitetura, mas que existe no espaço tridimensional.

Donald Judd - Objetos específicos sem título, © Donald Judd

A Relação da Escultura com a Parede

Um dos maiores desafios que o Minimalismo impôs à escultura foi se a escultura precisava ser colocada no chão. Robert Morris certa vez declarou que as esculturas absolutamente tinham que ser colocadas no chão, pois só no chão poderiam ser afetadas pela gravidade, uma propriedade essencial da escultura. Mas alguns dos objetos escultóricos mais famosos criados por artistas associados ao Minimalismo, de fato, penduram-se na parede ou utilizam a parede para apoio.

Donald Judd chamou as obras escultóricas que criou de Objetos Específicos. Ele as definiu como não sendo pinturas nem esculturas. Muitos de seus mais famosos Objetos Específicos penduram na parede. São objetos tridimensionais, têm forma definida, possuem escala, interagem com a luz e são táteis. Possuem cor e superfície, como todas as coisas materiais, mas seu propósito não é definido por esses elementos nem necessariamente comunicam algo através deles.

São esculturas ou não são? Quaisquer que sejam os jogos semânticos que queiramos fazer, as obras de Judd são claramente de natureza escultórica. Mas ao pendurá-las na parede, novas questões foram levantadas sobre as relações espaciais. Em vez de usar o espaço de uma galeria para contextualizar obras de arte, essas obras de arte recontextualizaram os espaços em que foram instaladas. Elas tanto habitavam o ambiente quanto o reordenavam. Pediam aos espectadores que contemplassem os espaços adicionais que as partes das obras criavam por sua presença. Questionavam até o papel da arquitetura ao se fixarem nela. Embora não fossem forçadas ao chão pela gravidade, chamavam a atenção para a gravidade ao demonstrar resistência a ela.

Ellsworth Kelly - Obra, © Ellsworth Kelly

A Forma da Mudança

As obras de outros artistas minimalistas como Ellsworth Kelly e John McCracken também desafiaram as definições existentes de escultura. As superfícies moldadas e monocromáticas de Kelly penduravam na parede e eram cobertas de tinta, mas estavam muito mais alinhadas com a essência da escultura do que da pintura. As “pranchas” monocromáticas de McCracken repousavam contra a parede, usando-a para apoio como uma pintura, mas principalmente apoiando-se no chão.

Embora cada um desses artistas minimalistas tenha se esforçado para definir o que estavam fazendo e para abordar o debate sobre como definir suas obras escultóricas, ainda há muito espaço para debate contínuo sobre o tema. O artista minimalista contemporâneo Daniel Göttin é um dos muitos artistas que continuam a explorar essa zona estética vagamente definida. Artista multidisciplinar, Göttin cria murais, instalações e objetos abstratos geométricos tridimensionais que penduram na parede.

Seus objetos de parede possuem superfícies que são pintadas ou cobertas por outros meios industriais, mas não são definidos por suas superfícies pintadas, e as superfícies não comunicam nada específico. São escultóricos, mas penduram planos na parede. Atrás deles e dentro deles, o espaço é criado e redefinido, e nossa experiência do espaço ao redor é recontextualizada por sua presença.

John McCracken - obra, © John McCracken

Simplicidade Não é Simples

Uma das lições principais que a escultura minimalista nos ensina é que a semântica da rotulagem é irrelevante. O significado que encontramos nessas obras vem menos do que chamamos elas e mais das maneiras pelas quais nos convidam a contemplar o espaço. Através delas retornamos à pureza dessa simples revelação, de que elas, como nós, habitam o espaço, perturbam o espaço, contêm o espaço, definem o espaço, contextualizam o espaço e trazem ordem ao espaço.

Apesar de sua simplicidade, são infinitamente complexas em sua capacidade de nos desafiar e envolver. Como Robert Morris apontou, “A simplicidade da forma não equivale necessariamente à simplicidade da experiência.”

Imagem em destaque: Daniel Göttin - Untitled E, 2005, Papel alumínio sobre papelão ondulado, 25 x 25 pol.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio