Clareza de Tom e Forma nas Pinturas de Barnett Newman

As icônicas pinturas zip de Barnett Newman, com suas finas e luminosas faixas verticais cercadas por campos imersivos de cor, são consideradas algumas das obras mais emotivas e poderosas do século XX. Mas Newman não foi valorizado em sua época. Ele tinha mais de quarenta anos quando chegou ao seu estilo maduro, e quando exibiu suas pinturas zip pela primeira vez, críticos e colecionadores as desprezaram universalmente. No entanto, Newman permaneceu focado no que queria comunicar com sua arte. Seu longo e difícil caminho para o sucesso lhe concedeu uma perspectiva única e a oportunidade de refletir por si mesmo sobre o significado e o propósito da vida e da arte. Quando a história finalmente reconheceu Newman, sua perspectiva singular resultou em uma obra artística que comunica com perfeita clareza o universal, o individual e o sublime.

Barnett Newman, o Escritor

Barnett Newman nasceu com uma paixão por comunicar, tanto por palavras quanto por imagens. Quando criança, crescendo no Bronx, ele venceu um concurso de oratória na escola. Quando estava no último ano do ensino médio, frequentava aulas quase todos os dias na Art Students League. Na faculdade, colocou suas paixões em prática, estudando arte, formando-se em filosofia e contribuindo com artigos para publicações escolares. Mas, apesar de seu imenso talento e determinação, após a faculdade Newman não tinha uma direção clara sobre como usar suas paixões em uma carreira.

Após se formar em filosofia em 1927, Newman começou a trabalhar no negócio da família, tentando economizar dinheiro antes de viver a vida de artista. Mas quando a bolsa de valores quebrou dois anos depois, quase todas as perspectivas para ele e sua família foram destruídas. Diante das duras realidades, Newman se empenhou seriamente para sobreviver de qualquer maneira possível. Tentou dar aulas substitutas e escreveu para várias publicações sobre temas como política e história da arte. Enquanto lutava e buscava seu caminho, continuou pintando e fez conexões com outras almas afins que também buscavam seu lugar. Essas conexões incluíram sua esposa Annalee, os pintores Mark Rothko e Adolph Gottlieb, e a dona da galeria Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Azul Meia-Noite, 1970. 239 x 193 cm. Museu Ludwig, Colônia, Alemanha. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

 

Barnett Newman, o Filósofo

Durante as décadas de 1930 e início dos anos 1940, Newman estava constantemente insatisfeito com seus próprios esforços como pintor. Ele tinha o coração de um poeta e filósofo e buscava uma forma de comunicar sua natureza interior por meio da arte. Encontrou consolo escrevendo sobre arte, redigindo ensaios para catálogos de exposições de vários outros artistas, graças à sua associação com Betty Parsons. Esses escritos, junto com suas variadas experiências de vida e lutas pessoais, o levaram gradualmente a desenvolver uma teoria profunda sobre a natureza da humanidade e o propósito da arte.

Ele expôs essa filosofia em dois ensaios que escreveu em 1947 e 1948, respectivamente. O primeiro ensaio se intitulava O Primeiro Homem Foi um Artista. Nele, Newman argumentava que o instinto poético, ou artístico, sempre precedeu o instinto utilitário nos humanos, desde o início dos tempos. Ele afirmava que esculturas de barro de deuses precederam a cerâmica, e que grunhidos e gritos poéticos expressivos das emoções mais primitivas antecederam as chamadas expressões civilizadas. “A cerâmica é produto da civilização,” escreveu Newman. “O ato artístico é o direito pessoal do homem.”

 

Barnett Newman - Dionísio, 1949. Óleo sobre tela. Total: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 pol.). Doação de Annalee Newman, em homenagem ao 50º aniversário da National Gallery of Art. 1988.57.2. Coleção National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

 

Barnett Newman, o Pintor

O segundo ensaio importante que Newman escreveu se intitulava O Sublime é Agora. Nesse texto, ele repreendia todos os artistas do passado por simplesmente perseguirem a beleza. Até mesmo os artistas modernistas, argumentava, estavam apenas reinterpretando o que era belo, criando uma “transferência de valores em vez de criar uma nova visão.” Ele afirmava que ele e seus contemporâneos buscavam algo inteiramente novo, “negando completamente que a arte tenha qualquer relação com o problema da beleza e onde encontrá-la.” Ele sustentava que a obra que ele e eles estavam fazendo não tinha conexão com nada histórico, nostálgico ou mítico, mas era “autoevidente” e feita “a partir de nossos próprios sentimentos.”

O resultado de toda essa filosofia se manifestou artisticamente para Newman em 1948, quando criou sua obra-prima icônica Onement, a primeira de suas pinturas zip. O título da obra é um jogo de palavras. Refere-se à palavra expiação, que pode significar reparar algo, mas também é uma referência cristã à união da humanidade e da divindade representada pela figura de Cristo. Mas ao omitir as duas primeiras letras da palavra, Newman também fazia referência à totalidade do indivíduo, o um, e sua ideia abrangente de que a totalidade de toda compreensão sublime pode estar contida em uma pessoa, ou, para o caso, em uma pintura.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Óleo sobre tela e óleo sobre fita adesiva na tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Doação de Annalee Newman. 390.1992. Coleção MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

 

Uma Expressão Singular de Propósito

Após pintar Onement, Barnett Newman destruiu todas as suas obras anteriores. Ele havia alcançado a voz estética que buscava e, a partir daquele momento, continuou destruindo qualquer obra que não se encaixasse em sua visão específica. Ironicamente, ele não foi a única pessoa que sentiu a necessidade de destruir seu trabalho. Aprendeu essa lição infeliz em 1950, quando começou a ser representado por sua amiga Betty Parsons. Nos dois anos seguintes, realizou duas exposições individuais em sua galeria. Em ambas as mostras, suas pinturas foram cortadas, e nas críticas os trabalhos foram universalmente ridicularizados.

Abalado pelo ódio que experimentou, Newman retirou suas obras da galeria de Betty Parsons e parou completamente de expor por quatro anos. Ele até recomprou uma de suas pinturas que havia sido vendida, escrevendo ao colecionador: “As condições ainda não existem... que possam possibilitar uma atitude direta e inocente em relação a uma peça isolada do meu trabalho.” Mas continuou pintando suas pinturas zip, acreditando inerentemente que elas comunicavam a pureza e a grandeza do espírito sublime e individual. Quando finalmente decidiu expor novamente, seu trabalho ainda foi ridicularizado, com um crítico de uma exposição de 1957 da pintura Vir Heroicus Sublimis chegando a amaldiçoar a obra e chamar atenção apenas para seu tamanho e pelo fato de ser vermelha.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Óleo sobre tela. 2,42 x 5,42 m. Doação do Sr. e Sra. Ben Heller. 240.1969. Coleção MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

 

A Próxima Geração

Apesar do incompreendimento público de seus esforços, Newman persistiu, solidificando sua expressão ao simplificá-la. Suas obras mais bem-sucedidas consistiam apenas em dois elementos: tom e forma. As próprias zips não eram tanto formas quanto eram figuras. Mas as pinturas eram formas em sua totalidade. As zips eram realmente expressões de qualidades tonais, uma mudança de cor que as diferenciava dos campos de cor ao redor. E ele também expressava tom em um sentido musical, como uma expressão clara, precisa e alongada de uma voz. Por meio de sua clara expressão de tom e forma, Newman definiu sua firme crença no valor do empoderamento, da idiossincrasia e da essência universal do indivíduo.

Apesar de sua sinceridade e paixão, durante a década de 1950 apenas um crítico apoiou Barnett Newman, e esse foi Clement Greenberg. Embora seu apoio tenha feito pouco para convencer o meio artístico do valor do trabalho, refletia a crescente compreensão que a geração mais jovem tinha do que Barnett Newman representava. Para os jovens pintores, em vez de prendê-los ao passado, Newman os libertou para abraçar sua individualidade única. Ele demonstrou que os espectadores podiam se aproximar de qualquer uma de suas pinturas e encontrá-las da mesma forma que encontrariam outro ser humano: apenas uma entidade essencial encontrando outra. Ele provou que as pinturas não precisavam se relacionar entre si, nem com a história. Mostrou que toda obra de arte é um universo em si mesma.

 

Barnett Newman - O Terceiro, 1964. Óleo sobre tela. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

 

Uma Influência Tardia, Mas Duradoura

Embora tenha levado até os sessenta anos de Newman para que uma nova geração pudesse se conectar com suas ideias, ele acabou conquistando o respeito e o reconhecimento que merecia. Hoje, a influência de Barnett Newman pode ser vista em inúmeros artistas abstratos contemporâneos que criaram visões estéticas idiossincráticas baseadas em tom e forma. Por exemplo, considere Tom McGlynn, que criou uma visão sublime e idiossincrática baseada em tom e forma; ou o trabalho de Richard Caldicott, que explora a repetição serial e estruturas na criação de espaços estéticos singularmente únicos.

Apesar do incompreendimento inicial em relação ao seu trabalho, Barnett Newman agora é rotineiramente incluído entre os melhores expressionistas abstratos, artistas do campo de cor e até minimalistas. Mas ele se considerava não afiliado a nenhum desses grupos. Via-se mais como um movimento próprio. No entanto, embora não fosse como os expressionistas abstratos em estilo, ele foi um porta-bandeira do valor da expressão pessoal. Embora não fosse um artista do campo de cor, demonstrou a capacidade das qualidades tonais sozinhas para criar formas estéticas meditativas e contemplativas. E embora não fosse um minimalista, expressou de forma premonitória o valor de simplificar e reduzir a linguagem visual.

 

Barnett Newman - Fogo Negro I, 1963. Óleo sobre tela. 289,5 x 213,3 cm. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

 

Imagem em destaque: Barnett Newman - Onement I (detalhe), 1948. Óleo sobre tela e óleo sobre fita adesiva na tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Doação de Annalee Newman. 390.1992. Coleção MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio