Clareza de Tom e Forma nas Pinturas de Barnett Newman

As icônicas pinturas de zip de Barnett Newman, apresentando finas e luminosas faixas verticais cercadas por campos imersivos de cor, são consideradas algumas das obras mais emotivas e poderosas do século XX. Mas Newman não foi apreciado em sua época. Ele estava na casa dos quarenta anos antes de chegar ao seu estilo maduro, e quando exibiu pela primeira vez suas pinturas de zip, críticos e colecionadores as desprezaram universalmente. No entanto, Newman permaneceu singularmente focado no que queria comunicar com sua arte. Seu longo e difícil caminho para o sucesso lhe concedeu uma perspectiva única e uma oportunidade de conjecturar para si mesmo o significado e o propósito da vida e da arte. Quando a história alcançou Newman, sua perspectiva única resultou em uma obra artística que comunica com perfeita clareza o universal, o individual e o sublime.

Barnett Newman o Escritor

Barnett Newman nasceu com uma paixão por se comunicar, tanto por meio de palavras quanto de imagens. Quando criança, crescendo no Bronx, ele uma vez ganhou um concurso de oratória na escola. Quando chegou ao último ano do ensino médio, ele estava fazendo aulas quase todos os dias da semana na Art Students League. Na faculdade, ele colocou suas paixões em prática, estudando arte, se formando em filosofia e contribuindo com artigos para publicações da escola. Mas, apesar de seu imenso talento e determinação, após a faculdade, Newman se viu sem uma direção clara sobre como colocar suas paixões em prática em uma carreira.

Após se formar em filosofia em 1927, Newman começou a trabalhar na empresa da família, tentando economizar dinheiro antes de viver a vida de artista. Mas quando a bolsa de valores quebrou dois anos depois, quase todas as perspectivas para ele e sua família foram destruídas. Enfrentando realidades duras, Newman se dedicou seriamente a sobreviver de qualquer maneira que pudesse. Ele tentou dar aulas substitutas e escreveu para várias publicações sobre tópicos como política e história da arte. Enquanto lutava e buscava, continuou pintando e fez conexões com outras almas afins que também lutavam para encontrar seu caminho. Essas conexões incluíam sua esposa Annalee, os pintores Mark Rothko e Adolph Gottlieb, e a proprietária da galeria Betty Parsons.

Barnett Newman - Azul da Meia-Noite, 1970. 239 x 193 cm. Museu Ludwig, Colônia, Alemanha. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Barnett Newman, o Filósofo

Ao longo da década de 1930 e início da década de 1940, Newman estava incessantemente insatisfeito com seus próprios esforços como pintor. Ele tinha o coração de um poeta e filósofo e buscava uma maneira de comunicar sua natureza interior através de sua arte. Ele encontrou consolo escrevendo sobre arte, enquanto redigia ensaios para catálogos de exposições de vários outros artistas, graças à sua associação com Betty Parsons. Esses escritos, juntamente com suas variadas experiências de vida e lutas pessoais, o levaram gradualmente a desenvolver uma teoria profunda sobre a natureza da humanidade e o propósito da arte.

Ele expôs essa filosofia em dois ensaios que escreveu em 1947 e 1948, respectivamente. O primeiro ensaio foi intitulado O Primeiro Homem Foi um Artista. Nele, Newman argumentou que o instinto poético, ou artístico, sempre precedeu o instinto utilitário nos humanos, desde o início dos tempos. Ele argumentou que esculturas de barro de deuses precederam a cerâmica, e que grunhidos e gritos poéticos, expressivos das emoções mais primordiais, precederam as chamadas expressões civilizadas. “A cerâmica é o produto da civilização”, escreveu Newman. “O ato artístico é o direito de nascimento pessoal do homem.”

Barnett Newman - Dionísio, 1949. Óleo sobre tela. Dimensões totais: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 pol.). Doação de Annalee Newman, em homenagem ao 50º aniversário da National Gallery of Art. 1988.57.2. Coleção da National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque.

Barnett Newman, o Pintor

O segundo ensaio importante que Newman escreveu foi intitulado The Sublime Is Now. Neste texto, ele criticou todos os artistas do passado por simplesmente perseguirem a beleza. Mesmo os artistas modernistas, ele argumentou, estavam apenas reinterpretando o que era belo, criando uma “transferência de valores em vez de criar uma nova visão.” Ele afirmou que ele e seus contemporâneos estavam em busca de algo completamente novo, “negando completamente que a arte tem qualquer preocupação com o problema da beleza e onde encontrá-la.” Ele afirmou que o trabalho que ele e eles estavam fazendo não tinha conexão com nada histórico, nostálgico ou mítico, mas era “autoevidente” e feito “a partir de nossos próprios sentimentos.”

O resultado de toda essa filosofia se manifestou artisticamente para Newman em 1948, quando ele criou sua obra-prima icônica Onement, a primeira de suas pinturas zip. O título da peça é um jogo de palavras. Refere-se à palavra expiação, que pode significar reparar algo, mas também é uma referência cristã à fusão da humanidade e da divindade representada pela figura de Cristo. Mas ao omitir as duas primeiras letras da palavra, Newman também estava fazendo uma referência à totalidade do indivíduo, o um, e sua ideia abrangente de que a totalidade de todo entendimento sublime pode estar contida dentro de uma única pessoa, ou, para esse assunto, uma única pintura.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Óleo sobre tela e óleo sobre fita adesiva na tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Doação de Annalee Newman. 390.1992. Coleção do MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque.

Uma Expressão Singular de Propósito

Após pintar Onement, Barnett Newman destruiu todas as suas obras anteriores. Ele havia alcançado a voz estética pela qual estava buscando, e a partir daquele momento, continuou a destruir qualquer trabalho que não se encaixasse em sua visão específica. Ironicamente, ele não foi a única pessoa que sentiu a necessidade de destruir seu trabalho. Ele aprendeu essa lição infeliz em 1950, quando começou a ser representado por sua amiga Betty Parsons. Ao longo dos dois anos seguintes, ele realizou duas exposições individuais em sua galeria. Em ambas as exposições, suas pinturas foram rasgadas, e nas críticas, os críticos universalmente ridicularizaram o trabalho.

Abalado pelo ódio que experimentou, Newman retirou seu trabalho de Betty Parsons e parou completamente de expor suas obras pelos próximos quatro anos. Ele até comprou de volta uma de suas pinturas que havia sido vendida, escrevendo ao colecionador: “As condições ainda não existem . . . que possam tornar possível uma atitude direta e inocente em relação a uma peça isolada do meu trabalho.” Mas ele continuou a pintar suas pinturas de zip, acreditando inerentemente que elas comunicavam a pureza e a grandeza do espírito sublime e individual. Quando finalmente decidiu expor seu trabalho novamente, no entanto, ele ainda foi ridicularizado, com um crítico de uma exposição de 1957 da pintura Vir Heroicus Sublimis indo tão longe a ponto de amaldiçoar a obra e chamar a atenção apenas para seu tamanho e o fato de que é vermelha.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Óleo sobre tela. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Doação do Sr. e Sra. Ben Heller. 240.1969. Coleção MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque.

A próxima geração

Apesar do mal-entendido público sobre seus esforços, Newman persistiu, solidificando sua expressão ao simplificá-la. Suas obras mais bem-sucedidas consistiam apenas de dois elementos: tom e forma. Os zips em si não eram tanto formas quanto eram formas. Mas as pinturas eram formas em sua totalidade. Os zips eram realmente apenas expressões de qualidades tonais, uma mudança de cor diferenciando-os de seus campos de cor ao redor. E ele também expressou tom em um sentido musical, como em uma expressão clara, precisa e alongada de uma voz. Através de sua clara expressão de tom e forma, Newman definiu sua crença adamantina no valor do empoderamento, idiossincrasia e a essência universal do indivíduo.

Apesar de sua sinceridade e paixão, ao longo da década de 1950, apenas um crítico apoiou Barnett Newman, e esse foi Clement Greenberg. Embora seu apoio pouco tenha feito para convencer o establishment da arte sobre o valor da obra, refletiu a crescente compreensão que a geração mais jovem tinha sobre o que Barnett Newman representava. Para os jovens pintores, em vez de amarrá-los ao passado, Newman os libertou para abraçar sua individualidade única. Ele demonstrou que os espectadores podiam se aproximar de qualquer uma de suas pinturas e encontrá-las da mesma forma que encontrariam outro ser humano: apenas uma entidade essencial encontrando outra. Ele provou que as pinturas não precisavam se relacionar entre si, e não precisavam se relacionar com a história. Ele mostrou que cada obra de arte era um universo dentro de si mesma.

Barnett Newman - O Terceiro, 1964. Óleo sobre tela. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Uma Influência Atrasada, Mas Duradoura

Embora tenha levado até que Newman estivesse em seus sessenta anos para que uma nova geração pudesse se conectar com suas ideias, ele eventualmente conquistou o respeito e o reconhecimento que merecia. Hoje, a influência de Barnett Newman pode ser vista em vários artistas abstratos contemporâneos que criaram visões estéticas idiossincráticas baseadas em tom e forma. Por exemplo, considere Tom McGlynn, que criou uma visão sublime e idiossincrática baseada em tom e forma; ou o trabalho de Richard Caldicott, que explora a repetição serial e estruturas na criação de espaços estéticos singularmente únicos.

Apesar do mal-entendido inicial em relação ao seu trabalho, Barnett Newman agora é rotineiramente incluído entre os melhores Expressionistas Abstratos, artistas do Campo de Cor e até mesmo Minimalistas. Mas ele se considerava não afiliado a nenhum desses grupos. Ele se via mais como um movimento próprio. No entanto, embora não fosse como os Expressionistas Abstratos em estilo, ele era um porta-estandarte do valor da expressão pessoal. Embora não fosse um artista do Campo de Cor, ele demonstrou a capacidade das qualidades tonais sozinhas para criar formas estéticas meditativas e contemplativas. E embora não fosse um Minimalista, ele expressou precocemente o valor de simplificar e reduzir a linguagem visual.

Barnett Newman - Fogo Negro I, 1963. Óleo sobre tela. 114 x 84 pol. (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Imagem em destaque: Barnett Newman - Onement I (detalhe), 1948. Óleo sobre tela e óleo sobre fita adesiva na tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Doação de Annalee Newman. 390.1992. Coleção do MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park