A Mãe Den do Expressionismo Abstrato - Betty Parsons

Betty Parsons morreu há 35 anos, quando eu tinha 13 anos. Eu nunca a conheci. Teoricamente, eu poderia tê-la conhecido, se soubesse que deveria tentar. Mas eu não tinha ideia de que ela existia até que fosse muito tarde. Imagino que muitas pessoas se arrependem de não ter conhecido Parsons. Ela foi uma revolucionária da Arte Moderna. Embora eu suspeite que ela não tivesse ideia de que isso aconteceria, seu exemplo me inspirou, e acredito que muitos membros da minha geração, a buscar novos modelos de autenticidade e excepcionalidade na arte. De coletivos de arte sem fins lucrativos, a espaços de projetos geridos por artistas, a museus experimentais, o mundo da arte hoje está repleto de pessoas e lugares que valorizam a grande arte em vez do grande lucro. Parsons é a quem agradeço por esse legado. Mas ela foi amplamente escrita, nas revistas de arte mais prestigiadas, por escritores muito mais realizados do que eu. Não há nada de novo que eu possa relatar sobre ela. Mas, como ela era única de uma maneira que minha alma aprecia, estou, no entanto, inclinado a tentar. Seu apelido, “a mãe den de Abstract Expressionism,” apareceu em um artigo na ARTnews de 1979, escrito por Grace Lichtenstein. O apelido se referia a como Parsons acreditava, nutria e mostrava o trabalho de Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still e Barnett Newman quando ninguém mais na América o faria. Esse artigo também revela a complexidade e profundidade que Parsons possuía como artista, aficionada e como empresária. Enquanto isso, uma entrevista gravada com Parsons em 1977 pela artista Helène Aylon e publicada na íntegra por Judith Stein na Art in America Magazine em 2013 vai longe para revelar o que era extraordinário sobre Parsons como ser humano. A melhor maneira que sinto que posso prestar meu respeito a Parsons é focar nesses dois perfis, criados por aqueles que realmente a conheceram em vida. Aqui, extraídos deles, estão dez citações que fizeram de Parsons uma heroína pessoal para mim, por me lembrarem do que é importante quando se trata da criação e apreciação da arte.

"Graças a Deus não parece haver nenhum 'ismo' hoje. Eu odeio modas."

Frequentemente, tentamos nomear os movimentos de hoje. Por que fazemos isso? Porque rótulos tornam os produtos mais fáceis de vender, especialmente para pessoas sem muita educação ou real apreciação. Em vez de acreditar em tendências, Parsons priorizou o que era bom e encontrou alegria no que era diferente.

"Sempre fui fascinado pelo que chamo de 'a presença invisível'. A coisa mais permanente neste mundo é o invisível; você nunca consegue se livrar disso."

Alguns artistas pensam que só podem ter sucesso se possuírem uma identidade comercializável, ou se fizerem arte especificamente sobre um determinado tema popular entre o público contemporâneo. Parsons se concentrou no desconhecido. Em vez de promover a arte do óbvio, ela se sentia atraída pela arte que revelava o que está escondido.

"Eu acredito na tensão. Se você está pintando um quadro, e ele não tem tensão, não tem emoção."

A tensão em uma obra de arte pode originar-se de algo dentro dela que é irreconhecível para o espectador. Ou pode originar-se de algo que é considerado vulgar ou grosseiro. Outras vezes, a tensão vem de algo que simplesmente não achamos bonito. Em vez de desviar o olhar dessas coisas, Parsons as abraçou, vendo nelas oportunidades para se desafiar a crescer.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Estou interessado em pinturas importantes, não na casa."

Parsons exibiu trabalhos em salas com paredes brancas nuas e pisos nus. Ela não fez nenhum esforço extra para convencer colecionadores a comprar. Ela via seu trabalho como tendo duas partes: promover a integridade do artista e convencer o público de que a obra era válida por razões não relacionadas a quão boa ela poderia parecer acima de seus sofás.

"Eu não quero estar carregado com todas essas riquezas—elas me entediariam até a morte."

Parsons nasceu na alta sociedade, mas rejeitou os adornos da riqueza. Depois de perder tudo na Grande Depressão, ela começou do zero. Nos cinquenta anos seguintes, frequentemente teve dificuldades para pagar as contas. Ela vendeu o suficiente de seu próprio trabalho, e de artistas que representava, para manter as luzes acesas, e considerou isso como a definição de sucesso financeiro.

"O mundo abstrato era considerado frio porque não tinha figuras. Mas tinha fogo, energia, natureza, luz, espaço—concentrava-se em todos esses valores."

Parsons tinha a confiança de acreditar em seu próprio gosto. Ela entendia a abstração muito antes da maioria dos americanos. Ela confiava em sua própria visão, independentemente do que o resto do mundo da arte dizia ou fazia.

"Eu sempre estive dez anos à frente do meu tempo. Essa é a história da minha vida."

Quando você não está tendo sucesso financeiramente, é tentador pensar que é porque o que você faz não tem valor. Parsons percebeu que às vezes a razão pela qual ninguém está comprando seu trabalho é porque eles não o reconhecem, porque ele é do futuro.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Sempre identifique-se com a arte; nunca identifique-se com o artista."

Parsons despreza alguns artistas, mas adora seu trabalho. Ela entendia que os artistas não precisam ser agradáveis, sociáveis ou charmosos. Artistas não são vendedores ou políticos. O trabalho deles fala por si só.

"[Os artistas que eu represento] ficam mais livres e criativos à medida que avançam. Eu sempre incentivei isso."

Alguns galeristas incentivam os artistas a encontrar um estilo que venda e, em seguida, se manter nele. Parsons desafiou os artistas que ela apresentou. Ela acreditava que o dinamismo e o crescimento são fundamentais para melhorar, e que as vendas são o aspecto menos importante de uma carreira artística.

"Todos nós fazemos parte de tudo."

Parsons foi frequentemente questionada sobre suas crenças em questões sociais. Esta citação foi sua resposta a uma dessas perguntas. Ela sabia que a arte tem a capacidade de revelar a realidade de que nossas universalidades superam em muito aquelas coisas que nos separam. Esta citação me influenciou mais. Vale a pena repetir constantemente, porque é tão fácil esquecer.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Imagem em destaque: Betty Parsons - Laranja, 1956, acrílico sobre tela, © 2018 A Herança de Betty Parsons, Cortesia de Alexander Gray Associates, Nova Iorque
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park