A Arte Abstrata e Sombria de Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb foi uma das figuras-chave da abstração no meio do século XX. Suas pinturas são emotivas, escassas e primitivas, e muitas pessoas as consideram sombrias. Mas Gottlieb se via como o oposto do escuro. Ele se sentia energético, complexo, apaixonadamente moderno e alguém que estava iluminando o caminho, liderando com sua arte em direção a algo melhor para a humanidade. Nascido na cidade de Nova York no início de um dos períodos mais tumultuados da história humana, Gottlieb definitivamente amadureceu em um tempo sombrio: um período de angústia social, política e econômica, quando o futuro da sociedade estava em questão de uma maneira real e concreta. É claro, não apenas por meio de sua arte, mas também por seus escritos, que as ansiedades e ambiguidades da Primeira Guerra Mundial, da Grande Depressão e da Segunda Guerra Mundial contribuíram absolutamente para o desenvolvimento de sua visão estética. Mas essa visão estética não era apenas de tristeza ou desgraça, como muitos críticos sugeriram. Era, de fato, uma através da qual Gottlieb simplesmente se esforçou para comunicar a verdade sobre o coração e a mente humanos, de uma maneira esperançosa. Talvez seja inevitável que tal verdade, como Gottlieb a percebeu, deva incluir algum grau de loucura e caos. Mas o extenso corpo de trabalho que Gottlieb deixou para trás quando morreu em 1974 também incluía o belo, o sereno, o pacífico e o sublime. Essas complexidades paradoxais, que definiram sua visão de mundo às vezes controversa, levaram Adolph Gottlieb a redefinir a arte abstrata e resultaram na criação de uma obra que só agora começa a ser reconhecida por seu verdadeiro brilho e luz.
Um artista de coração
Adolph Gottlieb nasceu em uma família de imigrantes da classe trabalhadora em Nova York em 1904. Comparado a muitas das outras crianças que cresceram no Lower East Side na época, ele teve um começo de vida tremendo, já que seus pais construíram um negócio de papelaria de sucesso e esperavam passá-lo para ele um dia. Mas, ainda muito jovem, ele sabia com certeza que tudo o que queria ser era um artista. Ele estava tão certo desse fato que abandonou a escola aos 15 anos para se dedicar totalmente à sua arte. Ele participou de palestras na Art Students League, uma instituição dirigida por artistas onde muitos artistas que eventualmente se tornaram parte do movimento Expressionismo Abstrato frequentaram aulas. E então, com apenas 17 anos, Gottlieb partiu para a Europa, ganhando sua passagem trabalhando a bordo de um navio com destino à França.
Sua crença juvenil em suas habilidades valeu a pena no exterior, pois ele rapidamente se familiarizou com o mundo do Modernismo Europeu. Em contraste com a arte americana na década de 1920, a arte europeia na época era fantásticamente inventiva. Ele foi exposto ao Fauvismo, Cubismo, Suprematismo, Futurismo e Abstração Geométrica. Ele frequentou museus e participou de todas as aulas de arte gratuitas que conseguiu encontrar. E quando seu visto expirou, ele passou quase mais um ano viajando pela Europa. Ao longo do caminho, ele se convenceu de que os artistas europeus estavam conectados a algo importante. Em particular, ele ficou fascinado com a influência crescente da arte tribal, uma tendência que o inspirou a rejeitar o coloquialismo da arte figurativa americana em favor de buscar universalidades dentro de símbolos antigos e tradições visuais centenárias.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Serigrafia colorida, 31 1/8 × 23 1/8 pol, 79,1 × 58,7 cm (Esquerda) e Flying Lines, 1967, Serigrafia colorida, 30 × 22 pol, 76,2 × 55,9 cm, créditos da foto Marlborough Gallery
O Artista Filósofo
Quando Gottlieb retornou a Nova York em 1922, ele trouxe de volta um senso de sua própria responsabilidade como artista. Ele se via como uma força de modernização para sua cultura e abraçou a noção de que os artistas deveriam ser filósofos e agentes de mudança social. Ele terminou sua formação artística e, ao longo dos anos seguintes, fez amizade com um grupo de outros artistas/filósofos, como Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith e Milton Avery, alguns dos quais acabariam se tornando os artistas americanos mais famosos de sua geração. Gottlieb e seus companheiros eram anomalias. Eles eram artistas abstratos, ou pelo menos artistas que faziam arte que era interpretada como abstrata, mas também estavam ansiosos para falar publicamente sobre o significado de seu trabalho.
Naquela época, artistas vanguardistas, e especialmente artistas abstratos, não eram compreendidos nos Estados Unidos e definitivamente não eram amplamente respeitados—nem mesmo em Nova York. Muitos tinham dificuldade em defender a si mesmos e seu valor, e especialmente o valor dos ideais estéticos modernistas. Mas Gottlieb era um defensor natural e um comunicador nato. Ele estava politicamente e socialmente engajado e era rápido em se manifestar a favor do que considerava importante. Em 1935, Gottlieb e seu amigo Mark Rothko (então conhecido como Marcus Rothkowitz) colocaram suas crenças em ação formando um grupo chamado The Ten. Ele incluía Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg e Yankel Kufeld. Em protesto aberto às tendências predominantes na cena curatorial de Nova York, The Ten exibiu seu trabalho abstrato juntos, rejeitando o que chamavam de “a reputada equivalência da pintura americana e da pintura literal.”
Adolph Gottlieb - Solo Vermelho, Óleo sobre papel montado em tela
Os Pictogramas
Um dos primeiros avanços em direção ao estilo abstrato maduro que Gottlieb eventualmente desenvolveu ocorreu no início da década de 1940, na forma de suas pinturas Pictograph. Essas obras eram essencialmente tentativas de criar uma nova linguagem simbólica de imagens que pudesse comunicar emoções e sentimentos universais. Gottlieb conceitualizou suas pinturas Pictograph de tal forma que sua superfície foi achatada, eliminando a profundidade e qualquer sensação de ilusão que pudesse ser associada aos seus elementos figurativos. Ele também democratizou todas as áreas da tela em uma referência precognitiva ao que logo seria chamado de pintura "all-over". Seus Pictographs empregavam uma crueza que lembrava marcas infantis e evocavam as tendências estéticas de sociedades tribais.
De certa forma, Gottlieb estava tentando criar um novo alfabeto de imagens na tradição dos hieróglifos ou kanji chinês. Mas, em vez de tentar comunicar narrativas específicas, ele estava tentando destilar suas declarações até os elementos mais básicos. Em vez de expor os mitos que estava referenciando, ele tentou comunicar os sentimentos humanos coletivos que habitam seu núcleo. Para alcançar esse objetivo, ele criou cuidadosamente imagens que eram totalmente originais e livres de associações externas, na esperança de que sua natureza universal transcendesse as pequenas diferenças culturais que mantinham as pessoas afastadas.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Óleo sobre painel de artista, 29 1/4 × 23 1/4 pol, 74,3 × 59,1 cm, créditos da foto Hollis Taggart Galleries, Nova Iorque (Esquerda) e Sem Título, 1949, Pastel sobre papel, 24 × 18 pol, 61 × 45,7 cm, créditos da foto Berggruen Gallery, São Francisco (Direita)
Paisagens Imaginárias
À medida que Gottlieb desenvolvia seus Pictogramas, ele se envolveu em um processo de simplificação. Através desse processo, ele chegou a uma série de obras que chamou de Paisagens Imaginárias. Ao contrário dos Pictogramas, que não enfatizavam claramente nenhuma parte da imagem, Gottlieb separou o plano da imagem nessas pinturas em duas áreas distintas através da introdução de uma linha do horizonte. Abaixo da linha, Gottlieb adicionou rabiscos pictográficos. Acima da linha, ele adicionou formas geométricas coloridas. As Paisagens Imaginárias sugeriam uma relação hierárquica entre os dois tipos de imagens. Representado como subserviente está uma expressão rabiscada, emocional e complicada da angústia humana. Pairando acima está uma expressão simples e direta da pureza universal.
O Imaginary Landscape então se tornou ainda mais simplificado no que Gottlieb chamou de pinturas Burst. Nessas obras, ele eliminou a linha do horizonte, mas manteve a rabiscada na parte inferior e a forma unificada na parte superior. Os Bursts utilizavam grandes campos de cor e unificavam o elemento da cor com o da forma. Eles convidavam à contemplação em um nível quase sagrado e pareciam comunicar o conceito de uma relação simbiótica entre alguma consciência superior e inferior.
Adolph Gottlieb - Paisagem Imaginária, 1971, Aquatinta em cores, em papel Fabriano, com margens completas, 26 3/10 × 32 1/2 pol, 66,7 × 82,6 cm
O Legado de Adolph Gottlieb
Em 1970, Gottlieb teve um derrame e perdeu o uso do lado esquerdo de seu corpo. No entanto, ele continuou a produzir obras, criando algumas das expressões mais profundas e extremas de sua série Burst apenas um ano antes de morrer. Quando sua vida terminou, ele era conhecido não apenas pelo corpo de trabalho único que criou, mas também por sua influência sobre o trabalho de outros. Suas filosofias foram integrais para as ideias dos Expressionistas Abstratos. E sua visão estética é considerada influente na ascensão da Pintura de Campo de Cor e do Minimalismo.
Mas igualmente importante para o legado estético das pinturas, esculturas e gravuras que Adolph Gottlieb criou ao longo de seus 70 anos é a contribuição que ele fez para a maior comunidade artística à qual pertencia—aquilo que transcende avanços formais, gerações e movimentos. Gottlieb tinha uma visão do artista como alguém não separado do resto da sociedade, mas intrinsecamente conectado a ela. Ele acreditava no potencial da arte para transformar a civilização e que era importante discutir ideias estéticas abertamente e em linguagem simples para que pudessem ser compreendidas por todos. Ele percebia que os artistas são essenciais para a capacidade que uma cultura tem de entender a si mesma, e através de seu trabalho ele demonstrou a responsabilidade que todos os artistas têm de expressar a loucura, o caos, o brilho, a beleza, a escuridão e a luz de seu tempo.
Imagem em destaque: Adolph Gottlieb -
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park
