A Arte Abstrata e Sombria de Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb foi uma das figuras-chave da abstração do meio do século XX. Suas pinturas são emotivas, esparsas e primitivas, e muitas pessoas as consideram sombrias. Mas Gottlieb se via como o oposto do sombrio. Sentia-se enérgico, complexo, apaixonadamente moderno, e alguém que iluminava o caminho, guiando com sua arte rumo a algo melhor para a humanidade. Nascido na cidade de Nova York no início de um dos períodos mais tumultuados da história humana, Gottlieb definitivamente amadureceu em um tempo sombrio: uma época de angústia social, política e econômica, quando o futuro da sociedade estava em questão de forma real e concreta. É claro, não apenas por sua arte, mas também por seus escritos, que as ansiedades e ambiguidades da Primeira Guerra Mundial, da Grande Depressão e da Segunda Guerra Mundial contribuíram absolutamente para o desenvolvimento de sua visão estética. Mas essa visão estética não era apenas de tristeza ou desgraça, como muitos críticos sugeriram. Na verdade, era uma visão pela qual Gottlieb simplesmente buscava comunicar a verdade sobre o coração e a mente humanos, de forma esperançosa. Talvez seja inevitável que tal verdade, como Gottlieb a percebia, inclua algum grau de loucura e caos. Mas o extenso conjunto de obras que Gottlieb deixou ao morrer em 1974 também incluía o belo, o sereno, o pacífico e o sublime. Essas complexidades paradoxais, que definiram sua visão de mundo às vezes controversa, levaram Adolph Gottlieb a redefinir a arte abstrata e resultaram na criação de uma obra que só agora começa a ser reconhecida por seu verdadeiro brilho e luz.
Um Artista de Coração
Adolph Gottlieb nasceu em uma família imigrante da classe trabalhadora em Nova York, em 1904. Comparado a muitas outras crianças que cresceram no Lower East Side na época, ele teve um começo de vida extraordinário, pois seus pais construíram um negócio de papelaria bem-sucedido e esperavam um dia passá-lo para ele. Mas ainda jovem, ele sabia com certeza que tudo o que queria ser era um artista. Tinha tanta certeza disso que abandonou a escola aos 15 anos para se dedicar totalmente à sua arte. Frequentou palestras na Art Students League, uma instituição dirigida por artistas onde muitos artistas que eventualmente fariam parte do movimento Expressionista Abstrato assistiam às aulas. E então, com apenas 17 anos, Gottlieb partiu para a Europa, pagando sua passagem trabalhando a bordo de um navio rumo à França.
Sua crença juvenil em suas habilidades deu frutos no exterior, pois rapidamente se familiarizou com o mundo do Modernismo Europeu. Em contraste com a arte americana dos anos 1920, a arte europeia da época era fantásticamente inventiva. Ele teve contato com o Fauvismo, Cubismo, Suprematismo, Futurismo e Abstração Geométrica. Frequentava museus e assistia a todas as aulas de arte gratuitas que encontrava. E quando seu visto expirou, passou quase mais um ano viajando pela Europa. Pelo caminho, convenceu-se de que os artistas europeus estavam ligados a algo importante. Em particular, fascinou-se com a influência crescente da arte tribal, uma tendência que o inspirou a rejeitar o coloquialismo da arte figurativa americana em favor da busca por universalidades dentro de símbolos antigos e tradições visuais centenárias.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Serigrafia colorida, 31 1/8 × 23 1/8 pol, 79,1 × 58,7 cm (Esquerda) e Flying Lines, 1967, Serigrafia colorida, 30 × 22 pol, 76,2 × 55,9 cm, créditos da foto Marlborough Gallery
O Artista Filósofo
Quando Gottlieb retornou a Nova York em 1922, trouxe consigo um senso de responsabilidade como artista. Via-se como uma força modernizadora para sua cultura e abraçava a ideia de que os artistas deveriam ser filósofos e agentes de mudança social. Terminou sua formação artística e, nos anos seguintes, tornou-se amigo de um grupo de outros artistas/filósofos, como Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith e Milton Avery, alguns dos quais se tornariam os artistas americanos mais famosos de sua geração. Gottlieb e seus companheiros eram anomalias. Eram artistas abstratos, ou pelo menos artistas cujas obras eram interpretadas como abstratas, mas também estavam ansiosos para falar publicamente sobre o significado de seu trabalho.
Naquela época, artistas de vanguarda, especialmente artistas abstratos, não eram compreendidos nos Estados Unidos e definitivamente não eram amplamente respeitados — nem mesmo em Nova York. Muitos tinham dificuldade em defender a si mesmos e seu valor, especialmente o valor dos ideais estéticos modernistas. Mas Gottlieb era um defensor nato e um comunicador por excelência. Estava politicamente e socialmente engajado e falava rapidamente em favor do que considerava importante. Em 1935, Gottlieb e seu amigo Mark Rothko (então conhecido como Marcus Rothkowitz) colocaram suas crenças em prática formando um grupo chamado The Ten. Incluía Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg e Yankel Kufeld. Em protesto aberto contra as tendências predominantes na cena curatorial de Nova York, The Ten exibiu suas obras abstratas juntos, rejeitando o que chamavam de “a suposta equivalência entre pintura americana e pintura literal.”
Adolph Gottlieb - Red Ground, Óleo sobre papel montado em tela
Os Pictogramas
Um dos primeiros avanços rumo ao estilo abstrato maduro que Gottlieb eventualmente desenvolveu veio no início dos anos 1940, na forma de suas pinturas Pictogramas. Essas obras foram essencialmente tentativas de criar uma nova linguagem simbólica de imagens que pudesse comunicar emoções e sentimentos universais. Gottlieb concebeu suas pinturas Pictogramas de modo que sua superfície fosse achatada, eliminando a profundidade e qualquer sensação de ilusão que pudesse estar associada aos seus elementos figurativos. Ele também democratizou todas as áreas da tela em uma referência premonitória ao que logo seria chamado de pintura “all-over”. Seus Pictogramas empregavam uma crueza que lembrava marcas infantis e evocavam as tendências estéticas das sociedades tribais.
Em certo sentido, Gottlieb tentava criar um novo alfabeto de imagens na tradição dos hieróglifos ou dos kanjis chineses. Mas, em vez de tentar comunicar narrativas específicas, ele buscava destilar suas declarações até o essencial. Em vez de soletrar os mitos que referenciava, tentava comunicar os sentimentos humanos coletivos que habitam seu núcleo. Para alcançar esse objetivo, criou cuidadosamente imagens totalmente originais e livres de associações externas, esperando que sua natureza universal transcendesse as pequenas diferenças culturais que mantêm as pessoas separadas.
Adolph Gottlieb - Pictogram, 1942, Óleo sobre placa de artista, 29 1/4 × 23 1/4 pol, 74,3 × 59,1 cm, créditos da foto Hollis Taggart Galleries, Nova York (Esquerda) e Sem título, 1949, Pastel sobre papel, 24 × 18 pol, 61 × 45,7 cm, créditos da foto Berggruen Gallery, São Francisco (Direita)
Paisagens Imaginárias
À medida que Gottlieb desenvolvia seus Pictogramas, envolveu-se em um processo de simplificação. Por meio desse processo, chegou a uma série de obras que chamou de Paisagens Imaginárias. Diferentemente dos Pictogramas, que não davam ênfase clara a nenhuma parte da imagem, Gottlieb separou o plano da imagem nessas pinturas em duas áreas distintas por meio da introdução de uma linha do horizonte. Abaixo da linha, Gottlieb adicionou rabiscos pictográficos. Acima da linha, adicionou formas geométricas coloridas. As Paisagens Imaginárias sugeriam uma relação hierárquica entre os dois tipos de imagens. Retratada como subserviente está uma expressão rabiscada, emocional e complicada da angústia humana. Pairando acima está uma expressão simples e direta da pureza universal.
A Paisagem Imaginária foi então ainda mais simplificada nas pinturas que Gottlieb chamou de Explosões. Nessas obras, ele eliminou a linha do horizonte, mas manteve o rabisco na parte inferior e a forma unificada na parte superior. As Explosões usavam grandes campos de cor e unificavam o elemento da cor com o da forma. Convidavam à contemplação em um nível quase sagrado e pareciam comunicar o conceito de uma relação simbiótica entre alguma consciência superior e inferior.
Adolph Gottlieb - Paisagem Imaginária, 1971, Aguatinta em cores, sobre papel Fabriano, com margens completas, 26 3/10 × 32 1/2 pol, 66,7 × 82,6 cm
O Legado de Adolph Gottlieb
Em 1970, Gottlieb sofreu um derrame e perdeu o uso do lado esquerdo do corpo. Mesmo assim, continuou produzindo obras, criando algumas das expressões mais profundas e extremas de sua série Explosões apenas um ano antes de morrer. Quando sua vida terminou, ele era conhecido não apenas pelo conjunto único de obras que criou, mas também por sua influência no trabalho de outros. Suas filosofias foram parte integrante das ideias dos Expressionistas Abstratos. E sua visão estética é considerada influente na ascensão da Pintura de Campo de Cor e do Minimalismo.
Mas tão importante quanto o legado estético das pinturas, esculturas e gravuras que Adolph Gottlieb criou ao longo de seus 70 anos é a contribuição que ele deu à comunidade artística maior à qual pertencia — aquela que transcende avanços formais, gerações e movimentos. Gottlieb tinha a visão do artista como alguém não separado do resto da sociedade, mas intrinsecamente conectado a ela. Acreditava no potencial da arte para transformar a civilização e que era importante discutir ideias estéticas abertamente e em linguagem simples para que todos pudessem entender. Percebia que os artistas são essenciais para a capacidade de uma cultura se compreender e, por meio de seu trabalho, demonstrou a responsabilidade que todos os artistas têm de expressar a loucura, o caos, o brilho, a beleza, a escuridão e a luz de seu tempo.
Imagem em destaque: Adolph Gottlieb -
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio
